Coti

Coti Sorokin es un cantante y compositor argentino, que triunfó en 2005 en América Latina y España con su single "Nada Fue Un Error", junto con Julieta Venegas y Paulina Rubio, llegando al #1 en Argentina y España, y siendo una de las canciones del verano en este país. Es el autor de la reconocida canción interpretada por Diego Torres, "Color Esperanza". Coti Sorokin nació en Rosario, Argentina, y pronto comenzaron los viajes. A los tres años se trasladó con su familia a Concordia, Entre Ríos, donde comenzó a estudiar guitarra y teoría musical. De vuelta a Rosario continuó los estudios en la Facultad de Humanidades y Artes. Mientras formó el grupo Luz Mala, y grabó un disco producido por Lito Nebbia, "el creador del rock en español", según Coti.

Continuaron los viajes. Coti se trasladó a Buenos Aires, encontró a Javier Calamaro (el hermano de Andrés), compuso para otros artistas, se hizo habitual de los estudios de grabación y comenzó a producir. Así nació el primer disco de Javier Calamaro, compuesto y producido al alimón en 1995. Juntos hicieron también el disco Chiapas, en el intervinieron Café Tacuba, Ilya Kuryaki & the Valderramas, León Gieco, Fito Páez, Paralamas, Mercedes Sosa, Charly García y Maldita Vecindad, entre muchos otros. Coti Sorokin produjo a los grandes del rock latino.

También asesoró a los emblemáticos Enanitos Verdes –"un subidón terrible porque el grupo había trabajado con los mejores productores", dice Coti- y colaboró estrechamente con Andrés Calamaro en Honestidad brutal (1999). Por eso, a nadie puede extrañar que Andrés colabore en el primer disco de Coti, cantando a dúo la canción Nada fue un error.

Con la experiencia a cuestas, Coti piensa en su música, en sus canciones, en su disco. "Sabía que en algún momento me iba a llegar la oportunidad. Siempre me sentí cómodo en la composición, empiezo a encontrarme bien grabando mis canciones para que las canten otros como (Diego Torres,Alejandro Lerner o el catalan Sergio Dalma entre otros) y me instalo un estudio en casa para comenzar mi disco".

Coti empezó a grabar su primer álbum en enero de 2001. Con estas 11 canciones producidas por Coti Sorokin y Cachorro López, grabadas en Buenos Aires, mezcladas en Miami y masterizadas en Madrid, Coti se buscó la vida.

En febrero de 2002, después de haber fichado por Universal Music Spain, Coti lanzó desde España su álbum debut, titulado Coti, que estuvo precedido por el sencillo Antes que ver el sol. El disco fue producido por el propio Coti con la colaboración de Cachorro López, y consta de 11 temas.

El 25 de abril de 2003 fue escogido como telonero del único concierto de Shakira en España de su gira Tour de la mangosta. El argentino calentó los minutos previos al recital de la colombiana y presentó las canciones de su disco en la Plaza de Toros de Las Ventas de Madrid. En marzo de 2004 publica también con Universal Canciones para llevar, cuyos temas habían sido compuestos casi en su totalidad en Madrid el año anterior y grabados en los estudios Circo Beat, acompañado por Matías Sorokin (guitarra y coros), Diego Olivero (teclado), Marcelo Novati (batería) y Matías Eisenstaedt (bajo y coros). Bailemos fue el single de presentación. Sin embargo, su consagración llegaría en 2005, cuando publica Esta mañana y otros cuentos. Se trata de un álbum grabado en directo con la colaboración de artistas de la talla de Ismael Serrano, Julieta Venegas o Paulina Rubio y que reúne todos sus grandes éxitos. Con estas dos últimas cantantes Coti cantó el tema Nada fue un error, al que Venegas debe gran parte de su reconocimiento por parte del público español.

El cuarto disco de la carrera del argentino y su tercer álbum de estudio, Gatos y Palomas salió a la venta el 26 de marzo de 2007. Cuenta con 15 temas inéditos, 14 en CD y uno en formato digital. Aunque algunos recuerdan al Coti de siempre, otros, más cercanos al rock, tienen un estilo más crudo y urbano. El primer single es Canción De Adiós y el segundo single es Mi Espacio.En Junio de 2007 tuvo un pequeño problema durante un concierto gratuito que se realizaba durante las fiestas patronales de la localidad fronteriza de Irún(Gipuzkoa) en el que fue alcanzado por un trozo de hielo mientras se encontraba en el escebario por lo que se vio obligado a suspender la actuación. Meses después volvió a la provincia gipuzkoana para actuar en la capital, en Donostia en el teatro Victoria Eugenia para cerrar su gira por el Estado Español, el concierto fue sobrio y correcto e incluso compartió en una canción escenario con el cantante donostiarra Mikel Erentxun pero no logró una gran acojida de público y no pasó de media entrada, así que el cantante argentino no logró quitarse del todo la espina que tiene clavada con la provincia en la que estuvo empadronado en sus inicios en el Estado cuando empezó con la productora Get In de Iñigo Agromániz, una de las más punteras del territorio al llevar a grupos como "La Oeja de Van Cogh" o "Barricada" y solidtas como Álex Ubago, Mikel Erentxun o el mismo Coti.

Pagina: http://www.cotisorokin.com/

The Velvet Underground

The Velvet Undergound fue una banda de rock formada en Nueva York en la década del 60. Aunque nunca alcanzara el éxito comercial, es una de las bandas de rock más influyentes de la historia y tiene un intenso culto, a pesar de haber durado pocos años.

Fue una de las primeras bandas en experimentar con la forma e incluir influencias avant-garde y, especialmente, el ruido de guitarras que los hizo definir el uso del noise dentro del rock. Su influencia sobre el punk, la incluye dentro del grupo de bandas clasificadas como proto-punk y, posiblemente, como la primera de ellas.

Miembros

Miembros principales

- Lou Reed (Guitarra, voz, piano, armónica, principal compositor 1965-1970)
- John Cale (bajo, viola eléctrica, órgano, voces 1965-1968)
- Sterling Morrison (guitarra, bajo, 1965-1971) (Fallecido en 1995)
- Maureen "Moe" Tucker (percusión,1965-1972)
- Doug Yule (bajo, teclados, guitarra, batería, voces 1968-1973, reemplazo de John Cale)

Otros miembros

- Angus Maclise (percusión 1965)
- Walter Powers (bajo 1970-1972)
- Willie Alexander (teclados, voz 1971-1972)
- Nico (voz 1967) (Fallecida en 1988)
- Billy Yule (batería 1970)

Inicios

La banda se formó en 1964 cuando Lou Reed, que había tocado en algunas bandas de poca duración, trabajaba como compositor para Pickwick Records donde conoció al galés John Cale, que se había mudado a Estados Unidos para estudiar música clásica y tocaron juntos en un grupo llamado The Primitives con el objetivo de promocionar el single de Reed "The Ostrich". Reed y Cale congeniaron y pensaron en fundar un nuevo grupo. Para ello buscaron a Sterling Morrison, a quien Reed había conocido en la universidad y con quien ya había tocado, y a Angus McLise, vecino de John y Lou. Formaron así The warlocks, que luego se llamarían The Falling Spikes. Llegaron a grabar una cinta donde se encontraban "Venus in Furs", "Heroin", "Wrap Your Troubles In Dreams" y "The Black Angel's Death Song".

El nombre de la banda surgió del título de un libro sobre sadomasoquismo de Michael Leigh titulado The Velvet Undeground que Jim Tucker, amigo de Reed y Morrison y hermano de Maureen Tucker, encontró tirado en la calle.

La banda fue abordada por un promotor llamado Al Aronowitz. Cuando el grupo aceptó una oferta de 75 dólares para dar un show teloneando a otra banda de Aronowitz, The Myddle Class, McLise dejó el grupo acusándolo de comercializarse. MacLise fue reemplazado por Maureen Tucker, hermana de un amigo de Reed y Morrison. Tucker tenía una muy particular forma de tocar la batería, lo cual sumó excentricidad a la de por sí poco convencional banda. Tucker solía tocar con una batería muy básica, parada y con mazos en lugar de baquetas. Aparentemente, Tucker habría empezado a tocar de esta forma luego de que el resto de la banda le pidiera que hiciera "algo inusual".

Después de ese concierto, Aronowitz les consiguió un contrato para tocar como banda residente en un local llamado Café Bizarre. Pronto la banda fue despedida pero dos días antes de que eso sucediera Andy Warhol fue llevado al establecimiento por Paul Morrissey quien creyó que era una buena idea tener una banda de rock en la Factory.

Tanto la música, llena de ruido y distorsiones, como las letras que trataban tópicos inusuales para la época, como sadomasoquismo, travestismo, o la adicción a la heroína, los distanciaban mucho de las bandas típicas de la escena estadounidense de ese momento, en la cual la psicodelia y la cultura hippie alcanzaban su momento cumbre en San Francisco.

Andy Warhol. Nico. EPI. Álbum debut

Después de que Andy Warhol se convirtiera en el manager del grupo, sugirió que la modelo y estrella de la Factory, Nico, debía cantar en la banda. La banda no se sintió cómoda con la sugerencia y Reed y Cale sentían que estaban perdiendo el control, pero finalmente aceptaron para aprovechar la promoción que Warhol les podía dar y se convirtieron en The Velvet Underground And Nico. Algunas canciones fueron adaptadas para ser cantadas por Nico y durante las que Reed cantaba ella tocaba la pandereta.

Warhol filmó a la banda ensayando y el resultado es la película The Velvet Underground & Nico: A Simphony of Sound. Esta filmación fue usualmente proyectada durante los primeros shows de la banda. Paul Morrisey ideó un espectáculo con shows de luces, bailarinas y proyecciones en el cual la banda tocara. Este espetáculo se llamó Exploding Plastic Inevitable y llevó a la banda a tocar en diferentes lugares a través de Estados Unidos.

Durante 1966 Angus McLise volvió brevemente a la banda por el lapso de varias semanas cuando Lou Reed sufrió una hepatitis que le impidió tocar en algunos conciertos que ya tenían agendados. Durante esos shows Cale cantaba y tocaba el órgano y Tucker tocaba el bajo. En esas apariciones la banda comenzó a tocar una pieza improvisada que se conoció como "The Booker T" en honor al líder de la banda Booker T & The MGs. Esta pieza se convertiría en la base musical para "The Gift" incluida en White Light/White Heat. Algunas de estas presentaciones fueron editadas en discos piratas y son los únicos registros de la banda con Angus McLise.

Su primer disco The Velvet Underground and Nico grabado en muy pocos días (existe desacuerdo sobre el tiempo exacto de grabación), tardó casi un año en ser editado debido a factores como las políticas de las discográficas. A pesar de que la asociación con Warhol y el EPI les garantizó un alto perfil, el contenido del disco no era aceptable para las discográficas que no encontraban maneras de comercializarlo. Finalmente, Warhol les consiguió un contrato con el sello Verve, subsidiario de MGM.

El grupo no quería que Nico participara en la grabación, ya que sostenían que ya habían cedido bastante permitiendo que formara parte de la gira de actuaciones en directo, pero finalmente aceptaron su presencia. El disco fue editado en mayo de 1967 con un célebre diseño de portada de Warhol y con el nombre de Nico añadido al del grupo y sólo alcanzó el puesto 171 en las listas.

White Light/White Heat (1968). Despido de John Cale

Lou Reed despidió a Warhol de su puesto de manager luego de que su relación con la banda disminuyera y también despidió a Nico. Pronto, en septiembre de 1967, comenzaron a grabar su segundo álbum, White Light/White Heat, el cual fue editado en enero de 1968.

Este disco llevó las principales características de la banda (el noise, la distorsión, la atonalidad) a su punto máximo de crudeza. Cale definió el disco como "conscientemente anti-belleza". El álbum entró al top 200 de Billboard por exactamente una semana en el puesto 199.

Dentro del grupo las tensiones crecían debido a la poca atención que el grupo recibía y también por las crecientes diferencias de intereses entre Reed y Cale. Finalmente, Reed le propuso al resto de la banda elegir entre él o Cale; Tucker y Morrison se quedaron con Reed, principal compositor dentro de la banda. Mucho se ha rumoreado sobre la envidia que Reed sentía por Cale debido a su prodigioso talento (estudiaba música clásica desde antes de los cinco años y ya había compuesto para los ocho) y su entrenamiento musical clásico. El puesto de Cale fue ocupado por el bajista Doug Yule.

The Velvet Underground (1969)

El tercer disco de la banda fue grabado a fines de 1968 y editado en marzo de 1969. El sonido representa un gran cambio respecto de los dos discos anteriores. Tiene un estilo más tradicional, tranquilo, parecido al sonido que caracterizaría más tarde la carrera solista de Lou Reed. Este cambio se debe a que el control creativo de la banda había sido tomado completamente por Reed luego de la partida de Cale que era el miembro más orientado hacia la experimentación y responsable directo del lado más vanguardista, con el detalle de sus contribuciones multiinstrumentales en el piano y la viola eléctrica.

Mucho material que no vio la luz en su momento fue grabado entre el lanzamiento del tercer álbum y el del cuarto. Que todas estas canciones se mantuvieran inéditas se debe en parte a problemas con la discográfica. Estas grabaciones fueron editadas después de la separación de la banda en los discos VU (1985) y Another View (1986).

Loaded (1970)

El último disco oficial de la Velvet fue grabado y editado en 1970 en el sello Atlantic Records luego de ser despedidos de su anterior sello, MGM, debido a que el flamante presidente de la compañía, Mike Curb, decidió eliminar a todas las bandas relacionadas con drogas o hippismo de la discográfica.

El disco, titulado Loaded, es el más tradicional y accesible de todos los de la banda. Contiene algunos de los temas más clásicos, como "Sweet Jane" que se convertiría en uno de los temas más conocidos de Reed. Debido al embarazo de Maureen Tucker, la batería fue grabada por varias personas incluyendo a Doug Yule, el ingeniero Adrian Barber, el sesionista Tommy Castanaro, y Billy Yule, hermano del bajista Doug.

Después de una larga residencia en el célebre club neoyorkino Max's Kansas City, (durante la cual Billy Yule tocó la batería en reemplazo de Tucker y se grabó el disco Live at Max's Kansas City) Reed decidió dejar la banda en agosto de 1970 y volver a la casa de sus padres en Long Island.

Después de Lou Reed. Squeeze

El disco Loaded fue, gracias a "Sweet Jane" y "Rock And Roll", el disco más, si bien no exitoso, cercano al éxito de la carrera de la banda, pero el líder y compositor de la banda ya no estaba en ella por lo cual Doug Yule tomó el control. Curiosamente, la popularidad de la banda, si bien se mantuvo igual en Estados Unidos, creció en Europa durante esta etapa. La banda salió de gira por la costa este de Estados Unidos y luego por Europa con Yule a cargo de las voces y la guitarra, Walter Powers (compañero de Yule en la banda Grass Menagerie) en bajo y Willie Alexander (también de Grass Menagerie) en voz y teclados reemplazando a Sterling Morrison quien había dejado la banda en 1971 para seguir una carrera académica en la Universidad de Texas. Parte del público de la banda se burlaba de esta formación llamándola The Velveteen Underground.

La banda todavía le debía un disco a la discográfica pero esta decidió editar Live at Max's Kansas City grabado durante la serie de shows que la banda dio en dicho club durante 1970 previo a la partida de Reed. Debido a esto los algunos miembros se alejan dejando a Yule sólo en posesión del nombre junto con el manager Steven Sesnick quien consigue un contrato con Polydor. Finalmente, Yule graba un disco con el nombre de The Velvet Underground, con Ian Paice, baterista de Deep Purple y un montón de sesionistas. Hubo también una cantante femenina en la grabación pero su identidad se desconoce. Usualmente se cree que Willie Alexander participó de la grabación pero es falso. Yule compuso todos los temas y arreglos, tocó todos los instrumentos salvo la batería y produjo el disco.

El disco se llamó Squeeze y fue despreciado por la crítica e incluso, con el paso del tiempo, desapareció de la discografía oficial de la banda. El disco nunca fue reeditado y su rareza y valor se ha incrementado con los años debido a lo cual copias piratas del disco suelen circular.

Yule armó una nueva formación y salió de gira, esta vez sin Sesnick como manager porque había abandonado recientemente el grupo. Yule se convirtió en el manager por necesidad, pero el tour no funcionó como esperaban para promocionar el disco debido a que el retraso de la edición causó que no tuvieran copias de Squeeze a la venta durante la gira. Este retraso se debió principalmente a que los masters del disco estuvieron perdidos durante un tiempo. También se rumoreó que Lou Reed había intentado impedir la edición pero no hay pruebas de que esto sea cierto.

La banda tocó su último show en el club Oliver´s de Cambridge el 27 de abril de 1973 y finalmente Yule disolvió la banda en junio del mimsmo año. Parte del material en vivo de esta última etapa de la banda fue recopilado en el 2001 cuando vio la luz Final V.U., una caja que incluía material grabado en shows entre 1971 y 1973.

Reunión

La banda se reunió brevemente en 1993 y dio varios shows abriendo para U2, shows de los cuales salió el álbum en vivo Live MCMXCIII. Antes de que tuvieran oportunidad de grabar un disco o salir de gira por Estados Unidos, la rivalidad entre Cale y Reed (que ya habían vuelto a trabajar juntos en el disco Songs for Drella) volvió a dividir a la banda.

Influencia

La influencia de The Velvet Underground es casi inabarcable. La banda fue la primera en experimentar directamente con la forma y el ruido dentro de la música pop, incluyendo influencias tomadas directamente de la música clásica contemporánea. Estas influencias llegaron a la banda gracias a John Cale, un discípulo de John Cage que también había sido parte de la Dream Syndicate, grupo formado por el compositor La Monte Young.

El crítico de rock Lester Bangs declaró que con The Velvet Underground empezaba la música moderna y la tradición musical neoyorkina. Esa tradición musical de la que habla Bangs es la que finalmente llevó a la creación del punk con el surgimiento de bandas como Ramones, Televisión, Talking Heads, The Heartbreakers, Patti Smith o Blondie, pasando por los New York Dolls varios años antes. Esa tradición sería continuada por el movimiento que se conoció como No Wave con bandas como The Contortions, Theoretical Girls, Teenage Jesus and The Jerks o DNA, y cuyo testimonio más conocido es el disco compilado No New York producido por Brian Eno. A pesar de la corta vida de ese movimiento (aproximadamente de 1978 a 1982) muchos artistas surgieron de sus cenizas y fue una gran influencia para otras bandas como por ejemplo Sonic Youth. A partir de los 80s la influencia del punk sobre la música es tan grande que se puede decir que casi todas las bandas de los movimientos influenciados por ese género, como las pertenecientes a la new wave, el indie, el hardcore, bandas noise o experimentales y la mayoría del underground estadounidense están influenciadas directa o indirectamente por The Velvet Underground.

Una famosa frase, usualmente acreditada a Brian Eno, dice que pocos escucharon a The Velvet Underground durante su corta existencia, pero todos los que lo hicieron formaron una banda. Esa frase resume de forma bastante clara la enorme influencia de la banda en el rock.

La banda no solo redefinió la forma en que se podía tocar o componer en la música pop sino que también redefinió sobre que se podía cantar. Las letras de The Velvet Underground le valieron a la banda grandes controversias y la desconfianza de la industria discográfica. Sus canciones hablaban sobre drogas ("I'm Waiting for the Man", "Heroin", "White Light/White Heat") que era un tema que hasta entonces había sido tabú en la música pop, y como si fuera poco no lo hacían en tono condenatorio. De hecho sus miembros consumían las drogas sobre las que cantaban (heroína, anfetaminas) y Lou Reed, por ejemplo, luchó una larga batalla contra su adicción a la heroína a lo largo de toda la década del 70.

Otra canción que despertó controversia fue "Venus in Furs", una canción sobre sadomasoquismo basado en el libro La venus de las pieles de Leopold von Sacher-Masoch. Muchas de las canciones menos controvertidas de la banda igualmente están plagadas de personajes excéntricos, perdedores, travestidos, así como referencias al sexo o las drogas, aunque en menor grado.

Pagina: http://www.loureed.8k.com/

Björk Guðmundsdóttir and Tríó Guðmundar Ingólfssonar

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Björk Guðmundsdóttir & Tríó Guðmundar Ingólfssonar fue un grupo islandés de jazz y música bebop.

El grupo estaba integrado por la cantante y compositora Björk Guðmundsdóttir (quien en ese momento se encontraba en el grupo The Sugarcubes), el pianista Guðmundur Ingólfsson, el baterista Guðmundur Steingrímsson (conocido como “Papa Jazz”) y Þórður Högnason en contrabajo.
La formación del grupo se dio después de que Ingólfsson y Björk actuaran juntos en 1987 en el Hotel Borg, en Reykjavík.

El grupo tuvo un solo lanzamiento a finales de 1990 titulado Gling-Gló, el cual salió a través de la discográfica Smekkleysa en Islandia y más tarde a través de One Little Indian en el Reino Unido.
El álbum fue grabado en vivo en sólo dos días y estaba integrado por temas islandeses de jazz y tres versiones: “Ruby Baby”, de Leiber y Stoller y los estándares de jazz: “I Can’t Help Loving that Man” (de Oscar Hammerstein II y Jerome Kern) y “Þad Sést Ekki Sætari Mey” (versión en islandés de "You Can't Get A Man With A Gun"), adaptación de Irving Berlin.

El álbum logró el disco de platino en Islandia y posteriormente hubo algunas grabaciones informales en vivo a medida que el grupo realizaba distintas presentaciones, pero en 1992, Guðmundur Ingolfsson fallece de cáncer y la banda se desintegró.

Más tarde, Björk volvería el mismo año a grabar el último álbum con los Sugarcubes: Stick Around For Joy, y a partir de 1993 comenzó con su carrera solista.

El mató a un policía motorizado

Eh, flaco! ¿Por qué le usiste ese nombre a tu banda?" A estos cuatro pibes de La Plata, que en grupo se hacen llamar El Mató a un Policía Motorizado, esa pregunta no sólo les ha resultado molesta, inconducente y hasta un poco pelotuda; alguna vez fue también bastante peligrosa: un móvil policial los detuvo e interrogó en una diagonal, en la oscuridad de la noche, y por poco los apalean para ver si se les ocurría una gracia mejor. "Alguien pensó que éramos una agrupación semiterrorista… No sabían que éramos un grupo de personas llenas de amor para dar."

¿QUIENES SON?
A los 9 años, antes de entrar en el Bachillerato de Bellas Artes de La Plata, Santiago Motorizado le preguntó a Doctora Muerte, su compañerito: "¿Querés ser mi amigo?". Doctora dijo que sí. Tiempo, amigos y bandas después (Grupo Mazinger, Aneurisma, Blas Giunta Flash, Benji Gregory), conocen a la otra mitad de El Mató…: Pantro Puto, estudiante del Colegio Nacional; y El Niño Elefante, del Industrial Albert Thomas. En aquella época "post Nirvana", los cuatro forjaron juntos su background en los gigs de Embajada Boliviana (la backing band de Dee Dee Ramone), Peligrosos Gorriones y Círculo de Medianoche.

EMBAJADA DE LA PLATA
El Mató… llamó la atención sin pasar por YouTube ni producir clips. Lo primero que hicieron fue grabar las canciones: ésa fue la clave. "Y tocar… Nos preocupamos por tocar mucho después de Cromañón, que fue un momento difícil". En 2003 editaron Tormenta roja, un ep con tres canciones que, al año siguiente, formaron parte de su primer disco homónimo. A esto le sigue una trilogía inconclusa: el primer disco navideño del rock argentino, Navidad en reserva (2005); las historias de amistad incondicional grabadas en Un millón de euros (2006); y, antes de fin de año, Día de los muertos: un canto a la muerte, al fin de los tiempos y al año 2012.

PATRULLA MOTORIZADA
Tanto los platenses Prietto Viaja al Cosmos con Mariano, Shaman y los Hombres en Llamas, Patrulla Espacial (ex Tío Pastafrola), como los jóvenes y capitalinos The Baseball Furries y Go! Neko, están siendo arrastrados hacia el centro de la escena under por la capacidad que tiene El Mató… de prometerle hits al indie ("Chica rutera" y "Amigo piedra" son nuevos clásicos en la redacción de Rolling Stone). Así, en el cielo de Los Alamos y en una galaxia paralela a las No Lo Soporto, esta camada inauguró el nuevo space-rock criollo. Una fuerza luminosa que, además, los une: existe una banda surgida de la unión de El Mató… y Patrulla Espacial, se llama El Tío Motorizado. Y, además, la mayoría de ellas (más: Blanca Nieves de Ojos Láser, Reno y los Castores Cósmicos, Koyi, Huracán) se editan por Laptra, el sello/casa de El Mató… "Nos gusta el rock espacial, nos gusta apropiarnos de él, transformarlo y traducirlo, por eso nos queremos y nos juntamos a jugar al fútbol."

Pagina: http://www.elmato.com.ar/

Jerry Lee Lewis

Jerry Lee Lewis (nacido el 29 de septiembre de 1935) es un pianista y cantante pionero del rock and roll estadounidense.

Nació en Ferriday, Louisiana. Pronto mostró un talento natural al piano. Aunque pobres, sus padres hipotecaron la casa para comprarle un piano. Al igual que Elvis Presley, creció cantando música gospel en las iglesias pentecostales del sur. Empezó a tocar el piano a muy temprana edad en su iglesia, y en 1950 empezó a asistir a una escuela de lectura de la biblia de Texas, pero fue expulsado por, entre otras cosas, tocar en la iglesia himnos religiosos en versión rock and roll como My God is real y fugarse a Dallas a fiestas y prostíbulos.

En sus primeros años de adolescencia concurria a los llamados Ghettos (Barrios marginales) a escuchar a auténticas leyendas del blues. Aderezó su interés y empezó a tocar en garitos de mala reputación, ocultándoselo a sus padres, adquiriendo así experiencia y afianzandose económicamente. Entre estos hechos y la vida familiar religiosa se empezó a formar la personalidad de Lewis.

En 1954 grabó su primer disco, dejando atrás la música religiosa, pero llevando su sonido y su talento al piano a la música que se estaba desarrollando en esos tiempos. En 1957 Lewis se unió a Sam Phillips en su estudio Sun Records de Memphis, Tennessee. Elvis Presley, Roy Orbison, Carl Perkins y Johnny Cash también empezaron sus carreras en Sun Studios en esa misma época.

La primera grabación de Lewis en los estudios Sun fue una versión de la balada country Crazy Arms. En 1957, su piano y el sonido de rock de Whole Lotta Shakin' Goin' On le impulsaron a una fama internacional. Pronto le siguió Great Balls Of Fire, que se convertiría en su mayor éxito.

La vida personal de Lewis fue siempre turbulenta, pero mantenida en privado hasta que en la gira de 1958 por Gran Bretaña la prensa descubrió que la tercera mujer de Lewis Myra Gale Brown, el gran amor de su vida, era su prima segunda. La situación causó el mayor de los escándalos públicos y la gira fue cancelada después de solo tres conciertos.

El escándalo siguió a Lewis hasta Estados Unidos y como resultado de ello, fue casi apartado de la escena musical. Su único éxito durante este periodo fue una versión del What'd I Say de Ray Charles en 1962. Su popularidad se recuperó un poco en Europa (especialmente en Gran Bretaña y Alemania) hacia mediados de los años 1960, pero el éxito le eludió en Estados Unidos. En 1964, Jerry hace el concierto " Live at Star Club ". Después de más de una década tocando rock and roll, en 1968 Lewis se enfocó casi exclusivamente en la música country & western con éxito, con muchas canciones topando las listas. Aunque volvió a hacer giras en cuyos conciertos se agotaban las entradas, nunca conseguiría alcanzar las alturas del éxito que tuvo antes de aquel escándalo, a pesar del gran éxito internacional de Chantilly Lace, en 1973.

Rodeado por problemas de drogas y alcohol, la tragedia golpeó su vida cuando su hijo de 19 años, Jerry Lee Lewis Jr., murió en un accidente de tráfico en 1973. El comportamiento errático de Lewis durante la última parte de la década de los años 1970 le condujo a una larga hospitalización, y en realidad estuvo cerca de morir debido a una úlcera sangrante. Poco después de esto, su cuarta mujer se ahogó en una piscina en sospechosas circunstancias; y poco más de un año después, su quinta mujer fue encontrada muerta en su casa de una sobredosis de metadona. Jerry Lee Lewis, también adicto a las drogas, decidió internarse de propia voluntad en la clínica de desintoxicación Betty Ford.

Mientras celebraba su 41º cumpleaños en 1976, Lewis empezó a jugar con una Magnum del calibre 357. Más tarde se intentaría disculpar diciendo que pensaba que estaba descargada. Lo cierto es que, apuntando al bajista de su grupo, Butch Owens, apretó el gatillo. La pistola estaba cargada y Lewis disparó a Owens en el pecho. Owens sobrevivió, milagrosamente.

En 1989, una película basada en los primeros años de su carrera titulada Great Balls of Fire! (traducida al español como Gran bola de fuego o Bolas de fuego) atrajo sobre él la mirada del público. El film estaba basado en el libro de la ex-esposa de Lewis, Myra, y protagonizado por Dennis Quaid haciendo de Lewis, y por Winona Ryder y Alec Baldwin.

La ruina pública de su primo, el evangelista de televisión Jimmy Swaggart, no hizo más que aumentar la publicidad negativa de una ya muy problemática familia. Swaggart es también un pianista, como su otro primo, la estrella del country Mickey Gilley. La hermana de Jerry Lee, Linda Gail Lewis, también es una pianista, y ha grabado algunas canciones con Van Morrison.

A pesar de sus problemas personales, su talento musical es incuestionable. Apodado "The Killer" ("El Asesino") por su poderosa voz y su manera de tocar el piano en el escenario, ha sido descrito por su compañero Roy Orbison como el cantante más salvaje de la historia de la música rock. En 1986 Jerry Lee Lewis formó parte del primer grupo incluido en el Rock and Roll Hall of Fame, siendo el primer artista introducido en ese Salón de la Fama.

Después de varios años sin pisar un estudio, Lewis planeaba sacar un nuevo álbum en 2004, pero no fue así.

Finalmente, el disco salió el 26 de septiembre de 2006 con el título de "Last Man Standing". El cual incluye 21 duetos con las primeras estrellas, leyendas del panorama musical, desde Mick Jagger, Jimmy Page, Bruce Springsteen, Ringo Starr, Neil Young a Keith Richard, BB King y a Buddy Guy.

Pagina: http://www.jerryleelewis.com/

Alicia Keys

Alicia Augello Cook (nacida el 25 de enero de 1981 en Manhattan, New York) conocida como Alicia Keys es una cantante y compositora de R&B y soul. Su madre, Terri, es irlando-italiana, y su padre, Craig, es jamaicano. Vivió desde los dos años junto a su influyente madre, después de que sus padres se separaran. Alicia Keys ha vendido en todo el mundo más de 20 millones de discos y ha ganado numerosos premios, incluido nueve Grammys, once Premios Billboard y tres American Music Awards.

Biografía

Criada en el barrio de Hell's Kitchen, desde los 7 años comenzó a tocar piano (en especial Chopin) y música clásica. Con un talento similar al de artistas como D’Angelo o Prince, siguió desarrollando la composición, producción y grabación de su primer álbum, un disco en el que empezó a trabajar a los 14 años, cuando escribió su primera canción, Butterflyz, la que es parte de su primer álbum Songs in A Minor.

Para "escapar" al barrio donde creció se refugió en los estudios y fue aceptada en la Universidad de Columbia, aunque nunca asistió por estar ya de lleno en su música.

Clive Davis (el descubridor de Whitney Houston años atrás) la descubrió en Arista Records y lanzó el 26 de junio de 2001 Songs in A Minor con el que consiguió cinco premios Grammy; incluyendo los preciados Mejor Artista Nuevo y Canción del Año (por Fallin')

La mayor parte de los temas del álbum, incluyendo una composición tan luminosa como "Fallin’" o la impactante "Troubles", han sido compuestos y producidos por ella misma. Además, Alicia ha colaborado con Jermaine Dupri en "Girlfriend" y con Isaac Hayes en "Rock Wit U" (incluido en la banda sonora de la película "Shaft").

En 2003 presentó su segundo álbum The Diary of Alicia Keys', un disco inspirado en la música americana de los años 70, producido por Peter Edge, Jeff Robinson y por la propia Alicia Keys. El disco en sí, y la colaboración que realizó en 2004 con el cantante Usher para el tema "My Boo" le valieron 8 nominaciones a los premios Grammy 2005. Ganando en tres ternas por material del álbum y en una por "My Boo". Cabe destacar la nominación de "If I Ain't Got You" como Canción del Año y del álbum como Disco Del Año, dos de las más importantes categorías de los Grammy.

En octubre de 2005 se lanzó a la venta el disco "Unplugged", álbum en vivo de las descontinuadas series de conciertos acústicos de la MTV que Keys trajo de nuevo a la luz. El álbum debutó en el n°1 de ventas de EEUU; convirtiendo a Keys en la primera cantante femenina de r&b en debutar consecutivamente con tres álbumes en el n°1. Aparte de ser el segundo unplugged con mejores ventas en la primera semana, sólo superado por el de Nirvana. El disco Unplugged le valió 4 nominaciones a los Grammy 2006, más una por un dueto con su corista Jermaine Paul que aparece en el disco "So Amazing" (un tributo al fallecido Luther Vandross), la canción nominada es un remake del clásico de Vandross "If This World Were Mine".

Así, Alicia Keys suma a la fecha 19 nominaciones al Grammy, 9 Grammys bajo el brazo y tres álbumes número uno en EEUU.

Recientemente Keys grabó un dueto junto a Bono de U2 para ayudar a la organización contra el SIDA, Keep A Child Alive, de la cual Keys es vocera mundial. El tema es un cover de "Don't Give Up" de Peter Gabriel. Rebautizado por Keys y Bono como: "Don't Give Up (Africa)". Todo lo recaudado irá en favor de la organización que provee medicamentos para tratar el VIH en los países más pobres de África, principalmente para los niños.

Su ultimo disco titulado "As I am" se espera el día 13 de noviembre. Trabajo en el que ha contado con la ayuda de la compositora Linda Perry, que contribuye con tres temas, entre ellos, The Thing About Love, canción que Alicia Keys interpretó en el Live Earth. En este disco se ha acercado más al rock y al funk que en álbumes anteriores."He sido totalmente libre a la hora de componer y el resultado supera las expectativas con creces", ha dicho Keys en declaraciones a Billboard.

Principales influencias: Stevie Wonder, Whitney Houston, Marvin Gaye, Nina Simone, Donny Hathaway, Tupac Shakur, Wu Tang, Prince

Pagina: http://www.aliciakeys.com/

Yeah Yeah Yeahs

Los Yeah Yeah Yeahs son una banda de Indie Rock y Garage Punk de Nueva York liderados por la vocalista Karen O. Otros miembros son Brian Chase (batería) y Nick Zinner (guitarra). Su música es una mezcla de estilos retro con guitarras punk/rock fuertes, sonidos sintéticos y chillones, erráticos y voces melancólicas. La banda se formó en el año 2000. Todo se inició en la forma de un dúo folk con Zinner y O. Pero decidieron seguir un camino más "eléctrico" inspirados por la escena avant-punk de Ohio. Después de que su anterior baterista abandonara la banda, Chase se unió a la formación.

Historia

El álbum de debut de los Yeah Yeah Yeahs se titulaba Extended play y fue lanzado en 2001. Continuaron con otro EP, Machine, en 2002. En 2003 los Yeah Yeah Yeahs lanzaron su primer álbum completo, Fever to Tell.

Fever to Tell ha recibido buenas críticas, como uno de los mejores álbumes del año 2003. Su sencillo Maps fue programado con frecuencia en las radios alternativas. El video de su sencillo de 2004, Y Control, fue dirigido por Spike Jonze, que estuvo relacionado con Karen O durante una temporada. En octubre de 2004, su primer DVD, Tell Me What Rockers to Swallow' fue lanzado, incluyendo un concierto grabado en The Fillmore en San Francisco, todos los videos de la banda hasta la fecha y entrevistas.

Su segundo álbum, Show Your Bones, se lanzó el 28 de marzo de 2006. El nombre del nuevo álbum está aparentemente inspirado por el antigenio de 9 años Drake Barrett, describiendo qué sucede cuando metes tus dedos en un enchufe eléctrico. El primer sencillo del álbum, Gold Lion, se publicó el 20 de marzo. La banda inicio una gira que les llevo a España a principios de junio de 2006 en el festival Primavera Sound.

Pagina: http://www.yeahyeahyeahs.com/

Cacho Castaña

Su verdadero nombre es Humberto Vicente Castagna, porteño, del barrio de Flores, nacido el 11 de Junio de 1942. Su vocación por la música se inició en la niñez, a los 14 años ya era profesor de piano. Empezó como pianista en orquestas de tango, y en la segunda mitad de los 60 se presentó como cantante en programas ómnibus que los sábados destinaban su primera hora a nuevos valores, en canal 9.

Como músico ha compuesto temas inolvidables y se ha permitido moverse con comodidad en todos los ritmos, desde el tango hasta la bailanta, algunos exitos: "Lo llaman el matador", "Hay que atrapar al ladrón" y "Café La Humedad".

Cabe destacar entre los tangos mas reconocidos "Garganta con arena", donde brinda un sentido homenaje al "Polaco Goyeneche", "Tita de Buenos Aires" dedicado a la entrañable Tita Merello, "La gata Varela" dedicada a la cantante Adriana Varela y ganadora del certamen de la canción de Villa María, entre otras.

Además de la música, otra de sus pasiones es el cine, dejo su marca en numerosas películas, entre ellas: "El mundo es de los jóvenes", "El cabo Tijereta" , "Los éxitos del amor", "La carpa del amor", "La playa del amor", "La discoteca del amor", "Ritmo, amor y primavera", "Abierto día y noche" y "Felicidades".

Vive en su Flores natal y tiene 60 años vividos al ritmo de la noche porteña. Se ganó el título de galán, siendo protagonista de sonados affaires faranduleros: Jorgelina Aranda, Pochi Grey, Dorita Delgado, Diana María y Mónica Gonzaga, entre otras.

Coki and the Killer Burritos

Formacion:

Pana: bajo
Coki Debernardi: guitarra y voz
Julián Acuña di Mauricio: guitarra y coros
Tito Barrera: batería

Coki & the Killer Burritos se forma en el año 1998 luego de que se disolviera Punto G, grupo con el que Coki grabó tres discos en su Rosario natal.

Originalmente estaba integrada por los músicos de Mortadela Rancia (Gonzalo Aloras, Lisandro Falcone y Diego Giordano). Luego de participar en el festival "Ni un paso atrás" realizado en el estadio de Rosario Central y a beneficio de las Madres de Plaza de Mayo, Coki ingresó en los estudios Alfa Centauro para registrar "Mi parrillada" sin una formación fija, sino con la participación de diversos músicos, entre ellos Aloras, Fabián Gallardo, Carlos González, Fabián Llonch y Andrés Calamaro como invitado.

En el 2001 realizaron una gira por España y al regresar grabaron "Un millón de dólares" en los estudios Circo Beat. Por entonces, Debernardi era acompañado por Emiliana Arias (batería) y Julián Acuña (guitarras).

Ese mismo trío registró "Perdida", un simple de 2004

Discografía:

Mi parrillada, 1998
Un millón de dólares, 2001
Perdida (simple), 2004
Perdida, 2005

Pagina: http://www.killerburritos.com.ar

ABBA

ABBA, grupo sueco de música pop, el de más éxito en su país, de notable significación dentro del pop europeo de los años 70 y uno de los grupos con más ventas mundiales.

Antes de ABBA

Agnetha Fältskog era la cantautora más popular de Suecia; baladas románticas eran su sello característico.

Benny Andersson formaba parte del grupo “The Hep Stars", el grupo sueco más popular de su país antes de que apareciera ABBA.

Björn Ulvaeus pertenecía a la banda “Hootenanny Singers”, el segundo grupo más popular después del grupo de Benny. Compositor y hábil letrista, tenía facilidad para los idiomas.

Anni-Frid Lyngstad fue una cantante famosa de jazz y música de las grandes bandas. Nunca pensó que llegaría a ser miembro de una monarquía, pues tiene el título nobiliario de Baronesa.

Benny & Björn. Después de dejar sus respectivos grupos, su intención era producir a otros artistas con canciones de su composición. La demanda no fue mucha por lo que decidieron cantar su canciones ellos mismos y formaron un dueto.

El destino les tenía deparado que no permanecieran así, la inclusión de sus novias como coros hizo que todo fuera diferente, ellos se volvieron los coros y ABBA nació.

La historia del grupo

Esta es la historia del grupo de los años 1971 a 1982.

1971: Los comienzos del grupo. La boda de Björn y Agnetha

En el verano de 1971 Benny, Björn y Agnetha viajan a Suecia como una clase de “proto-ABBA”, poco después conocen a Frida, la pareja de Benny. Es cuando Björn y Agnetha consiguen casarse en una boda en la que se reunió la alta sociedad sueca, y que fue considerada el evento del año.

El cuarteto hace un número no tan exitoso en Göteborg llamado "Festfolk". Björn y Benny también comienzan a trabajar para Stig Anderson (su futuro socio y manager) en Polar Music, al principio como productores y arreglistas, el primer trabajo: Producir a un joven prospecto llamado Ted Gärdestad. Los miembros del grupo reconocen que esta pudo haber sido la peor etapa de sus vidas.

1972: Las primeras canciones

Este año Björn y Benny hacen un dueto y graban un disco llamado Lycka, que incluía una canción que cantaban con sus parejas. De ahí sale She's just my kind of girl que se convirtió en un gran éxito en Japón. Después de todo, los 4 se reúnen para grabar una canción: People Need Love que se convertiría en un golpe en Escandinavia y es también el primer sencillo que escogieron para ser lanzado en Norteamérica, bajo la etiqueta de Playboy y con el nombre de grupo Bjorn, Benny y Svenska Flicka. En Suecia People need love es seguido por He Is Your Brother que se convierte en otro No. 1 para el grupo.

1973: Ring Ring, un triunfo de tercer lugar

Este año el grupo intenta entrar al festival de Eurovisión con la canción Ring Ring. A la audiencia le gustó mucho la canción, sin embargo el jurado prefirió la canción You're Summer interpretada por The Nova and The Dolls y Ring ring terminó en el tercer lugar. Debido a la ira de la gente por esta situación, el jurado desapareció como forma de elegir a las canciones que representarían a Suecia en el festival de Eurovisión, siendo reemplazado por un sistema diferente de votación del público.

Poco después de este incidente Agnetha y Björn tienen su primer niño juntos, Linda. Mientras tanto, Ring-Ring se convertía en el tercer éxito del grupo, no sólo en Suecia sino también en Noruega, Dinamarca y Finlandia, y la versión inglesa también pegó en Australia, Bélgica, Holanda y Sudáfrica. Su primer álbum también recibe el nombre de Ring Ring y fue grabado con canciones que no fueron planeadas para el disco, pero que se incluyeron en el. Es así como llega el siguiente éxito: Love Isn't Easy (but is sure is hard enough). Ahora el grupo tenía por nombre "Björn & Benny, Agnetha & Anni-Frid"

1974: "Waterloo" y Eurovisión

ABBA va a preselecciones del festival de Eurovisión en un nuevo intento, este año con la canción Waterloo. El título fue seleccionado especialmente para dirigirlo al mercado internacional. Y esta vez es es un éxito, primero en Suecia en donde sus contrincantes no tienen nada que hacer ante el potente tema que ABBA presentaba al certamen.

Después se dirigen a Brighton en Reino Unido hacia la gran final. Pero el grupo tenía más armas secretas - los vestidos coloridos y el glittery. ABBA introduce los sequins en la competencia de la canción de Eurovisión. Björn también trae una guitarra con forma de estrella. Y visto por 500 millones de espectadores ABBA gana el festival.

Waterloo se convierte en un gran hit en todas partes de Europa e incluso en las listas de los Estados Unidos y en mayo el grupo lanza su segundo álbum Waterloo. Es el primer álbum en que utilizan su acrónimo ABBA y consiguen un lanzamiento internacional. Este álbum es seguido por su gira a través de Europa e incluso de una corta visita a los Estados Unidos. Varios golpes siguen a Waterloo, y diversas canciones en diversos territorios. Re-lanzan Ring ring, Hasta Mañana, Honey, Honey y So Long. Pero estos tres singles solo tienen un éxito moderado, bajo la sombra del éxito de "Waterloo".

1975: "S.O.S." y "Mamma Mia"

En el 75 ABBA pasa mucho tiempo trabajando en su álbum siguiente, Björn y Benny también escriben Bang-A-Boomerang (pero en sueco) para sus viejos amigos Svenne y Lotta Hedlund para la competencia de Eurovisión. Svenne y Lotta no ganan, pero si consiguen un éxito grande. ABBA lanzaría después una versión inglesa de la canción. El álbum siguiente se titula simplemente ABBA e incluye varias canciones clásicas tales como S. O. S., Mamma Mia, I Do, I Do, I Do, I Do, I Do entre otras.

El álbum se convierte en un éxito enorme en Suecia con 150.000 discos vendidos, y un poco después el resto de Europa le sigue, incluyendo los países en el otro lado de la cortina del hierro. Cuando se lanza "S.O.S," consiguen conquistar el Reino Unido. Los viajes de gira en los Estados Unidos siguen y para entonces Agnetha y de Frida lanzan un álbum a solas cada una mientras que los muchachos producen a otros artistas.

1976: Los grandes éxitos de "Dancing Queen" y "Fernando"

Este año comienza con ABBA consiguiendo su segundo (siendo el primero "Waterloo" en 1974) No. 1 en el Reino Unido con "Mamma Mia" y su segundo éxito "Fernando". Estas dos canciones también llegan al número 1 en Australia y el último, permanece en la cima durante 14 semanas. Así ABBA va a Australia para un viaje de promoción, en el cual graba un programa de televisión llamado "ABBA Down Under" que según se comenta superó la audiencia record que había tenido la emision del aterrizaje en La Luna.

ABBA también comienza a trabajar en la creación de sus videoclips, siendo ABBA un grupo pionero en este sentido.Actualmente los videoclips se conocen como videos y son una parte obligatoria de cada lanzamiento. ABBA también comienza a hacer apariciones en TV en Gran Bretaña. Lanzan su primer álbum recopilatorio Greatest Hits Vol. 1 que contiene éxitos de sus tres primeros álbumes más el nuevo hit "Fernando". En mayo ABBA participa en un acontecimiento muy especial, una gala para la celebración de la boda del rey de Suecia Carlos XVI Gustavo con la reina Silvia Sommerlath. Es entonces cuando graban su canción más exitosa Dancing Queen, con un título muy apropiado para la ocasión.

En el otoño su álbum no 4 Arrival es lanzado y contiene entre otras cosas "Dancing Queen", el golpe mundial que remata las ventas y que se pone en número uno en, por ejemplo, los E.E.U.U., Inglaterra, los Países Bajos, Bélgica, Alemania, Australia, Italia, Suecia, Dinamarca, Noruega, Finlandia, Austria, Suiza. El álbum también contenía los hits Knowing Me, Knowing You y Money, Money, Money. ABBA también comienza a golpear más allá de la cortina del hierro, lo que condujo a los problemas con el pago, puesto que los países del este no tienían ninguna otra modernidad que sus propios rublos sin valor en Occidente. ABBA termina cobrando en aceite a los rusos.

1977: El álbum y la película

El acontecimiento principal este año es el gran y exitoso tour de ABBA alrededor del mundo. El primer paso, en primavera, lo dan en Europa, este tour incluía dos funciones en la arena británica Royal Albert Hall donde la demanda de boletos fue increíble, un récord para esa época. El segundo paso los lleva Australia en donde está rabiando la histeria completa de ABBA.

Este viaje australiano también se convierte en el tema principal en la película ABBA The Movie, dirigida por Lasse Hallström. La pelíclua se estrena ese mismo año, con un éxito arrasador que la colocó como la 7ª película más taquillera de los años 70's.

Al mismo tiempo que la película, ABBA lanza su álbum de estudio No. 5 llamado sencillamente "The Album". Este álbum contenía un experimento por parte de Björn y Benny: un mini-musical. Las tres canciones incluidas (Thank You For The Music, I Wonder y I'm A Marionette) se convierten en el lado B de los siguientes tres singles publicados por ABBA

Durante el año ABBA también se agrega otros No 1 a su colección de éxitos, entre otros The Name Of The Game, Eagle y Knowing Me Knowing You. En sus vidas privadas también ocurren cambios. Nace el segundo hijo de la unión de Agnetha y Björn, Christian, y Frida consigue juntarse con su padre alemán perdido, Alfred Haase.

1978: Summer Night City. La boda de Frida y Benny

Este año comienza con el gran éxito de "The Album". Este álbum había alcanzado platino en Gran Bretaña antes de ponerse a la venta. El disco permanece en el no 1 por nueve semanas, y pasa la mitad del año dentro del Top Ten. También empezando el año, lanzan el sencillo Take A Chance On Me, que se convierte en un número uno en varios países del mundo.

ABBA también decide a apuntar para los mercados de Estados Unidos,donde su éxito anterior "Dancing Queen" no se había podido superar (y nunca lo superaron) a pesar de sus éxitos en otras partes del mundo. Van también allí para varias apariciones en TV, al igual que en Japón. En el otoño empiezan a grabar un disco y lanzan la canción Summer Night City que llegó al número 1 en varios países.

Es entonces cuando Frida y Benny finalmente se casan. La vida agitada de su carrera había puesto un alto a los planes de la boda por nueve largos años. Sin embargo, las dos parejas se separarían un par de años más tarde.

1979: Voulez-Vous y el divorcio de Björn y Agnetha

Frida y Benny apenas consiguieron casarse cuando Agnetha y Björn declaran que su unión es excesiva y se dividen. Pero éste no es el final de ABBA, Björn y Agnetha deciden quererse como colegas a pesar de su divorcio. Aunque este sería un factor muy decisivo en la futura separación del grupo, y en la temática de varias de las siguientes canciones que el grupo grabaría.

Una de las cosas más grandes que le suceden a ABBA en este año es en el concierto de asistencia de la UNICEF (Organización de las Naciones Unidas para la Infancia). Además de ABBA otros artistas de gran nombre aparecen en el concierto. La gala se transmite en más de 70 países. ABBA y todo el resto de los actos que se realizaron al aire libre donaron una canción a la UNICEF. Por parte de ABBA: la contribución será Chiquitita que después sería lanzado como sencillo.

En mayo se lanza el álbum no. 7 de su carrera: Voulez-Vous. Contiene Chiquitita, el nuevo sencillo Does Your Mother Know?, Voulez-Vous y I Have A Dream, entre otros. Este álbum tiene un sonido más actualizado, una especie de disco. Más tarde ese mismo año, Chiquitita se grabaría en español también, y se convertirá en un éxito enorme en países de habla hispana como México, Argentina y España.

Luego, en el otoño, ABBA va de viaje, primero a Canadá y a los Estados Unidos, luego a Europa y finalizan con seis exitosos conciertos en Wembley en Reino Unido. También lanzan Greatest Hits Vol. 2, la segunda compilación de su exitos, que además incluía una nueva canción: Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight) que se convertiría en otro éxito de ABBA.

1980: "Gracias por la música" y "Super Trouper"

En 1980, el nuevo lanzamiento de ABBA es Gracias por la Música, una colección de éxitos de ABBA cantados en castellano. Éste es sobre todo trabajo de las chicas, por que los hombres no estuvieron presentes en la grabación, por ejemplo Move on es agregado al álbum, bajo el nombre de Al Andar, pero las partes habladas por Björn fueron cantadas por Agnetha. De este se desprenden sencillos como Chiquitita, Gracias Por La Música y Estoy Soñando.

En el final del año su álbum no. 8 Super Trouper es lanzado, dirigido por el sencillo The Winner Takes It All. El álbum también incluyó los éxitos Lay All Your Love On Me, Andante, Andante y Our Last Summer.

La cubierta del álbum fue planeada originalmente para ser filmada en el circo de Piccadilly en Londres, pero la policía no dio el permiso para eso, así que la grabaron en un almacén a las afueras de Estocolmo, con los miembros de dos circos que admiraban a ABBA, esta sesión fue tan larga que de las grabaciones obtenidas se utilizaron para los videos de Super Trouper y de Happy New Year y como portada del disco y sencillo "Super Trouper" y del sencillo On And On And On.

1981: The Visitors y el divorcio de Benny y Frida

Los programas de ABBA con Dick Cavett eran uno de aspectos más importantes para la promoción del grupo y ocurrieron a principios de 1981. Consistió en un concierto en el estudio y una entrevista larga con el grupo.

Temprano ese mismo año Benny y Frida consiguen su divorcio. La historia de amor que creó ABBA definitivamente desaparecía lo que provocó una ruptura aún mayor entre los miembros del grupo. Continúan en el trabajo del qué será su octavo y último álbum de estudio juntos: The Visitors, un álbum con líricas más profundas y más oscuras que antes y en las que se hizo evidente la decadencia del grupo.

El álbum tenía las canciones lo son When All Is Said And Done, One Of Us (considerado el último hit de ABBA), Head Over Heels, Soldiers y The Visitors (Crackin' Up).

1982: El final de una época

Este año marca el final de ABBA como grupo. Habían planeado originalmente lanzar un álbum doble con nuevas canciones pero terminaron sacando la colección The Singles: The First Ten Years, con solamente dos nuevas canciones agregadas Under Attack y The Day Before You Came, con el último de los videos de ABBA.

Bajo la sombra del relativo fracaso de sus dos últimos sencillos, los miembros del grupo comienzan a caminar bajo diversas trayectorias de un lugar a otro. Frida y Agnetha recomienzan sus carreras a solas mientras que Björn y Benny continúan su co-produccion, ahora con los planes para hacer un musical.

Después de ABBA

Tras la ruptura del grupo, Björn Ulvaeus y Benny Andersson siguieron trabajando juntos, sobre todo en la composición de musicales como Chess (1984), junto a Tim Rice, Kristina fran duvemala (1995). El último de ellos ha sido Mamma Mia!, inspirado en la trayectoria del grupo y construido alrededor de sus propias canciones, en 1999. Además, han emprendido carreras como productores y promotores de varios músicos suecos como el grupo Gemini.

Anni-Frid Lyngstad empezó a trabajar como solista en 1982 (mientras el grupo realizaba sus últimas grabaciones), año en el que editó su álbum Something going on, de la mano de Phil Collins. El tema que dio título al disco fue un gran éxito en Europa e incluso en Estados Unidos. Luego siguió Shine en 1984, producido por Steve Lillywhite. En 1996 publicó su último disco, Djupa Andetag, y su carrera ha sido exitosa en Suecia. En 2004 participa junto a Dan Daniell del single Lieber Gott a beneficio, en el que se incluye una nueva versión del clásico tema de Abba I have a dream. Un año más tarde graba las voces del tema The sun will shine again, incluido en el álbum Beyond the notes de Jon Lord (ex Deep Purple).

Por su parte Agnetha Fältskog también empezó a trabajar exitosamente como solista (Wrap your arms around me en 1983, Eyes of a woman en 1985), pero en 1987, tras la publicación de su I stand alone, cayó en una depresión de la que no se remitió hasta años después. Hace poco ha reaparecido con el disco My colouring book.

En cuanto a sus éxitos, en los 90's con la colección ABBA Gold, resurgió el gusto por la música de ABBA, y desde ese entonces se han lanzados muchas colecciones, discos, CDs, DVDs y Box Sets del grupo. Varias de ellas incluyen canciones no lanzadas por el grupo y se han lanzado sencillos para promocionarlas como Dream World. Además las canciones del grupo se han utilizado muchas veces como bandas sonoras de diversas películas, como por ejemplo "La Boda de Muriel" o "Priscilla, Reina del Desierto".

Legado

A pesar de las críticas a las que fue sometido el grupo durante toda su carrera, de baja calidad musical según muchos, durante los últimos años se ha visto renacer una nueva ABBA-manía reflejada en la aparición de musicales, recopilatorios y versiones de otros grupos. Entre estos cabe destacar a A-Teens, grupo surgido en un inicio bajo el nombre de ABBA Teens y que hacía versiones juveniles de las canciones, Erasure o Ash.

Recopilatorios como ABBA Gold (1992) produjeron 26 millones de ventas, y el musical Mamma Mia!, estrenado en 1999 en Londres, sigue representándose y ha sido visto por más de 17 millones de personas, según el sitio web oficial de ABBA.

El 22 de octubre de 2005, Waterloo fue elegida la mejor canción de la historia de Eurovisión en el 50 aniversario del festival.

Madonna, utilizó la melodía del tema Gimme, Gimme, Gimme en su tema Hung Up, primer puesto por muchísimas semanas en el mundo.

Datos triviales

- ABBA ha vendido más de 370 millones de discos en todo el mundo. ABBA y los Beatles pelean el primer lugar como el Máximo Vendedor de todos los tiempos.

- Sigue siendo el máximo vendedor para Universal Music. 3,500 discos por día como mínimo, 15 millones por año.

- Su CD ABBA Gold ha vendido casi 30 millones de copias en el mundo

- ABBA fue el primer grupo en aparecer en un CD

- ABBA rechazó la oferta económica más grande hecha a un grupo musical, 1,000 millones de dólares por volverse a reunir.

- La comedia musical Mamma Mia!, basada en sus canciones, es la de mayor éxito de todos los tiempos, con el mayor número de representaciones simultáneas y en el mayor número de idiomas en el mundo.

- Su canción más larga fue Eagle con 5:51 segundos, y la mas corta (grabada) fue Åh Vilka Tider con 2:32.

- ABBA no fue invitado al festival de Eurovisión de 1975 celebrado en Estocolmo.

- El éxito obtenido de su idea al promocionarse en el mundo haciendo vídeos musicales, trajo como consecuencia la aparición de MTV

- ABBA The Movie, su película terminó como la 7ª más taquillera de los años 70's (fue dirigida por el laureado y “oscarizado” director Lasse Hallstrom )

- Las iniciales de los nombres de Agnetha Fältskog, Benny Andersson, Björn Ulvaeus y Anni-Frid Lyngstad forman “el pequeño nombre más grande de la industria de la música grabada”...ABBA. El logotipo nació de un error al invertir una B en una sesión de fotos.

- El recopilatorio The Best of Abba es actualmente el disco más vendido de todos los tiempos en Australia.

- El especial televisivo llamado “ABBA Down Under” fue visto por más personas en Australia que el mismo alunizaje.

- El recopilatorio Greatest Hits Vol. 1 es el 2º disco más vendido en la historia del Reino Unido. Permaneció 11 semanas en # 1

- La demanda por sus conciertos de 1977 en el Royal Albert Hall de Inglaterra fue de 3,500,000 boletos!

- En México, ABBA cuenta con 11 sencillos en el Top 10 –incluyendo 7 números 1- además de 6 álbumes número 1 (sin contar las recopilaciones).

- Con un éxito incalculable, Dancing Queen entró en nº 1 en 12 países.

- Chiquitita sigue siendo el sencillo más vendido en la historia de América Latina y fue donado a la UNICEF. El éxito en los países de habla hispana los animó a grabar un disco totalmente en castellano. Esta canción le sigue aportando un millón de dólares al año a UNICEF por ventas de la misma.

- En Japón, 14 sencillos conforman el álbum “Japan Top 20” que incluye Summer Night City, Chiquitita, Voules-Vous, Gimme! Gimme! Gimme! (todos ellos alcanzaron el número 1).

- En Estados Unidos seguían sus éxitos. Diez canciones estuvieron en el Top 20. Con Waterloo, Take a Chance on Me y The Winner Takes it all alcanzaron el Top 10. Dancing Queen fue número 1.

- En la película Johnny English, la canción que baila el actor Rowan Atkinson en el baño es "Does your mother know", del grupo ABBA.

- Waterloo es el nombre de la canción con la que se dieron a conocer al ganar el “Festival de la canción (Eurovisión) en 1974, en 2005, fue votada como la "Mejor canción del festival" de los últimos 50 años.

- El enorme éxito de películas con música de ABBA, tales como “Priscilla, La Reina del Desierto” y “La Boda de Muriel”, lanzaron al estrellato de Hollywood a los artistas que intervinieron en ellas (Matrix, Señor de los Anillos o Sexto Sentido).

- Muchos Artistas, en especial Rockeros/Metaleros, a fechas recientes han declarado su admiración a ABBA, entre algunos importantes están Paul McCartney (amigo personal de Benny y Frida), Gene Simmons de KISS, Madonna, Noel Gallagher de Oasis,the ramones, Sex Pistols, John Lord de Deep Purple, Peter Cetera de Chicago, Coldplay, U2, Iron Maiden,At-vance, Sinergy, custard, helloween,yoshiki (baterista de x-japan), Steven Spielberg que siempre lleva canciones en su Ipod durante las películas, o Pete Townshend del grupo The Who que considera a S.O.S. como la mejor canción de la historia musical... y la lista sigue.

- La canción "Hung Up" de Madonna (2005) es un remix de la base musical de Gimme Gimme Gimme de ABBA.

- ABBA cantaba en sueco, inglés, español, francés, alemán y en japonés.

- Aunque Dancing Queen les dió a ABBA su único No. 1 en Estados Unidos, Take A Chance On Me, tuvo más éxito y es más popular en esa nación, a pesar de haber llegado sólo al número 3 en las listas.

- El país en que ABBA ha tenido más éxito ha sido en Bélgica.

- En México Chiquitita pasó 32 semanas en el número 1 de las listas, y sólo fue reemplazada por su versión en español, que logró permanecer en la cima por 30 semanas.

Discografía

Albumes

- 1973 Ring Ring
- 1974 Waterloo
- 1975 ABBA
- 1976 Arrival
- 1977 The Album
- 1979 Voulez-Vous
- 1980 Super Trouper
- 1981 The Visitors

Compilaciones

Albumes

- 1975 Greatest Hits Vol. 1
- 1979 Greatest Hits Vol. 2
- 1980 Gracias por la Música
- 1982 The Singles: The First Ten Years

Discos Compactos

- 1986 ABBA Live
- 1992 ABBA Gold
- 1993 More ABBA Gold
- 1994 Thank you for the Music
- 1999 ABBA Oro
- 2001 The Definitive Collection
- 2005 The Complete Studio Recordings
- 2006 ABBA Number Ones

Pagina: http://www.abbasite.com/

Bob Marley

Robert Nesta Marley nació en Nine Miles, Saint Ann Parish, Jamaica el 6 de febrero de 1945 y murió † en Miami el 11 de mayo de 1981, más conocido como Bob Marley, fue un músico jamaicano y miembro del movimiento Rastafari. Su fe fue una parte importante de su carrera y ahora es considerado por muchos como un profeta de Rastafari.

Biografía

Infancia

Robert Nesta Marley, nacido en Nine Miles (Rhoden Hall, Saint Ann) una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe, era hijo de Cedella Booker, jamaicana de 18 años y de Norval Marley, capitán del ejército británico, de 50 años, que se desentendió de su hijo, por miedo a ser desheredado. A finales de los años cincuenta, Bob se trasladó con su madre a Kingston, la capital. Era la ciudad donde los habitantes de las zonas rurales acudían para mejorar su situación económica. Por desgracia para la mayoría, su destino eran los barrios pobres.

Bob creció en ese ambiente donde conoció a un amigo llamado Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny, con quien comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Muy influenciados ambos por las emisoras del sur de los Estados Unidos que conseguian captar con sus radios en las cuales escuchaban canciones de artistas como Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o Fats Domino, y también grupos como The Drifters muy populares en Jamaica. Mientras, Bob alternó el trabajo con la música, ya que consiguió un empleo en una empresa de fundición, donde se quemó en un ojo mientras trabajaba. Tanto Bob como Bunny recibieron la ayuda musical de Joe Higgs, un cantante que gozó de cierta fama en Jamaica, aunque ya venido a menos, que se ganaba la vida impartiendo clases de canto para principiantes. En una de esas clases Bob y Bunny conocieron a otro joven músico llamado Peter McIntosh. En 1962 Bob Marley participó en una audición para un productor musical llamado Leslie Kong que, impresionado, lo invitó a un estudio para grabar algunas canciones. Al año siguiente Bob decidió que el mejor camino para alcanzar su sueño era mediante un grupo. Compartió su idea con Bunny y Peter y los tres forman los "Wailing Wailers". El nuevo grupo ganó la simpatía del percusionista rastafari Alvin Patterson, que los presento al productor Clement Dodd. A mediados de 1963 Dodd vio a los Wailing Wailers y decidió promocionar al grupo. Los Wailing Wailers lanzaron su primer single, "Simmer Down", con la discográfica Coxsone a finales de 1963 y en enero del año siguiente su música ya era la más escuchada en Jamaica, permaneciendo en lo más alto durante dos meses. La formación original estaba compuesta por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos coristas, Beverly Kelso y Cherry Smith. Bob Marley lucho desde pequeño con su hermano menor, Christian Marley por la legalización del cannabis, gracias a él el cannabis es legal en Holanda.

The Wailers

Mientras tanto, la madre de Bob, Cedella, se había casado nuevamente y se había mudado a Delaware, Estados Unidos, tras un importante esfuerzo económico. Ella deseaba dar a Bob una nueva vida en América, pero antes del viaje, él conoció a Rita Anderson y el 10 de febrero de 1966 se casaron. Marley pasó apenas ocho meses con su madre en Wilmington, Delaware. Allí consigue un trabajo en el turno de noche de una planta de automóviles de Chrysler. Bob llegó a Kingston en octubre de 1966, apenas seis meses depués de la visita de Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopia, que impulsó y renovó el importante movimento rastafari de la isla. La involucración de Marley con la creencia Rastafari comienza a reflejarse en su música. Bob, entretanto, llamó a Peter y Bunny para formar una nueva banda, los míticos "The Wailers". Rita también comezaba su carrera como cantante con un importante éxito llamado "Pied Piper", una versión de una canción pop inglesa. En Jamaica, la frenética ola del ska estaba dando lugar a un ritmo más lento y sensual llamado rocksteady. Las creencias rastafari de los Wailers chocaron con Dodd y éstos fundaron su propio sello discográfico, "Wail’N’Soul". A pesar de conseguir algunos éxitos, el sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967. El grupo sobrevive como compositores de una compañía asociada a un cantante americano, Johnny Nash, que en la década siguiente tendría un gran éxito con la canción "Stir It Up", de Bob.

Los Wailers conocieron entonces un hombre que revolucionaría su trabajo: Lee Perry. La asociación entre Perry y Wailers trajo consigo algunos de los éxitos más notables de la banda como "Soul Rebel", "Duppy Conqueror", "400 Years" y "Small Axe", clásicos del futuro reggae.En 1970, Dos de los músicos más reconocidos de la isla, Aston 'Family Man' Barrett y su hermano Carlton (bajo y bateria, respectivamente) se unirán a los Wailers, que por aquel entonces arrasaban en el Caribe, pero internacionalmente continuaban siendo desconocidos.

En el verano de 1971 Bob aceptó una invitación de Johnny Nash para acompañarlo a Suecia, ocasion en que firmó un contrato con la CBS, que también era la discográfica del americano. En la primavera de 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single "Reggae on Broadway", pero no cosecharon demasiados éxitos. A la desesperada, Bob visitó los estudios de grabación de Island Records, que había sido la primera discográfica en interesarse por la música jamaicana, y pidió hablar con su fundador, Chris Blackwell. Blackwell conocía a los Wailers y les ofreció 4 mil libras para grabar un álbum con los últimos avances tecnológicos de la industria musical, los mismos que gozaban las bandas de rock de la época. Ese primer álbum fue "Catch A Fire", fuertemente promovido por Island. El disco no fue un éxito inminente, y es que la música y las letras comprometidas socialmente de Bob contrastaban bastante con lo que se estaba haciendo hasta ahora en Europa. Island promovió una gira del grupo por Inglaterra y los Estados Unidos, otra novedad para una banda de reggae. Los Wailers tocaron en Londres en abril de 1973 y tres meses más tarde el grupo volvió a Jamaica. Bunny, desengañado de la vida musical abandonó la banda antes de la gira americana. En su lugar entró Joe Higgs, el viejo profesor de música de los Wailers. Ya en Estados Unidos participacion en algunos conciertos de Bruce Springsteen y Sly & The Family Stone, la principal banda de música negra americana del momento.

En 1973 el grupo lanzó su segundo álbum con el sello Island, "Burnin’", un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones más importantes, como: "Duppy Conqueror", "Small Axe" y "Put It On", junto con "Get Up, Stand Up" y "I Shot The Sheriff". Fue justamente este ultimo tema, el que consagró internacionalmente a Bob Marley de la mano de la voz de Eric Clapton, alcanzando el primer lugar en la lista de los singles mas vendidos en los Estados Unidos. En 1974 Marley pasó gran parte de su tiempo en el estudio trabajando en "Natty Dread", un álbum que incluía canciones como "Talkin’ Blues", "No Woman No Cry", "So Jah Seh", "Revolution", "Them Belly Full (But We Hungry)" o "Rebel Music (3 o’clock Roadblock)". Al año siguiente, Bunny y Peter dejarían definitivamente el grupo para embarcarse en sus carreras en solitario, lo que provocó que la banda comenzase a ser conocida como Bob Marley & The Wailers. "Natty Dread" fue lanzado en febrero de 1975. En cuanto a las giras, destacar dos: una en el Lyceum Ballroom de Londres, que fue catalogada como una de las mejores de la década. Y la segunda en noviembre, cuando Bob volvió a Jamaica para tocar en un concierto benéfico con Stevie Wonder, ya como superestrella en su país y en el mundo. "Rastaman Vibrations", el siguiente álbum de estudio, fue lanzado en 1976. El trabajo incluía canciones como "Crazy Baldhead", "Johnny Was", "Who The Cap Fit" y, tal vez la más significativa de todas, "War", cuya letra fue extraída de un discurso del Emperador Hailè Selassiè, en las Naciones Unidas.

Éxito

Bob Marley era entonces un activo político en Jamaica, un músico ya consagrado y un auténtico propulsor de la fe rastafari. Bob decidió dar un concierto gratuito en el Parque de los Héroes Nacionales de Kingston, el 5 de diciembre de 1976 cuyo propósito era promulgar la paz, ya que los gangsters se estaban haciendo con las calles. Después del anuncio del concierto, el gobierno convocó elecciones para el día 20 de diciembre. La misma tarde del concierto, unos desconocidos irrumpieron en la casa de Bob y abrieron fuego contra él, sin consecuencias afortunadamente, pero creando un gran revuelo y pánico en las calles de la capital jamaicana. Bob fue puesto a salvo en un refugio de las colinas colindantes con Kingston. Tras una larga meditación, Bob decidió subirse al escenario para dar ese mítico concierto, aún a expensas de que quienes lo atacaron puedieran volver para atentar de nuevo contra su vida. Fue la última presentación de Bob en Jamaica durante los próximos 18 meses. Temiendo otro atentado, dejo el país para irse a vivir a Londres, donde grabó su siguiente álbum, "Exodus", uno de los más importantes de su carrera y del reggae.

Lanzado en el verano de aquel año, "Exodus" consolidó el status internacional de la banda, permaneciendo en las listas de Inglaterra durante 56 semanas seguidas y teniendo los tres singles - "Waiting In Vain", "Exodus" y "Jammin’" - como grandes éxitos mediáticos. En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con "Kaya", que alcanzó el cuarto lugar en Inglaterra a la semana siguiente a su lanzamiento. Del álbum fueron extraídos dos singles: "Satisfy My Soul" y "Is This Love". En abril de 1978 volvió a Jamaica para el "One Love Peace Concert", cuando consiguió que el Primer Ministro Michael Manley y el líder de la oposición Edward Seaga se diesen la mano en el escenario. Fue entonces invitado para ir a la sede de las Naciones Unidas, en Nueva York, para recibir la Medalla de la Paz. Y, a finales de año, Bob viajó a África por primera vez, visitando inicialmente Kenia y después Etiopía, hogar espiritual rastafari. La banda había terminado recientemente una gira por Europa y América, de donde se sacó material para el segundo álbum en vivo: "Babylon By Bus". "Survival", el noveno álbum de Bob Marley con Island fue lanzado en el verano de 1979. Incluía "Zimbabwe", un himno para Rodesia, que luego seria liberada, junto con "So Much Trouble In The World", "Ambush In The Night" y "Africa Unite". Como indica la portada, que contiene las banderas de las naciones independentes, "Survival" fue un álbum en homenaje a la causa Panafricana. En abril de 1980, el grupo fue invitado oficialmente por el gobierno del, recientemente libertado, Zimbabwe para tocar en la ceremonia de independencia de la nueva nación.

El siguiente disco de la banda, "Uprising", fue lanzado en mayo de 1980 y tuvo éxito inmediato con "Could You Be Loved". El álbum también traía "Coming In From The Cold", "Work" y la famosa "Redemption Song". Los Wailers entretanto se embarcaban en su mayor gira europea, rompiendo records de asistencia en un concierto. La agenda incluía un concierto para 100.000 personas en Milán, el mayor de la historia de la banda. Bob Marley & The Wailers eran la mayor banda en gira de aquel año y "Uprising" estaba en todas las listas de Europa. Era un período de máximo optimismo y estaban haciendo planes para una gira en América en compañía de Stevie Wonder al final del año.

Últimos años y muerte

Al acabar la gira europea Marley y la banda partieron para los Estados Unidos. Bob hizo dos conciertos en el Madison Square Garden, pero cayó gravemente enfermo. Tres años antes, en Londres, se había herido el dedo del pie jugando fútbol. La herida se volvió cancerígena y, a pesar de haber sido tratado en Miami, continuó reproduciendose. En 1980, el cáncer comezó a propagarse por el cuerpo de Bob. Controló la enfermedad durante ocho meses, siguiendo tratamiento en la clínica del Dr. Joseph Issels, en Bavaria. El tratamiento de Issels levantó mucha polémica porque sólo usaba remedios naturales y no tóxicos y, por algún tiempo, pareció funcionar en Bob. A comienzos de mayo dejó Alemania para volver a Jamaica, pero no completó su viaje.

Bob Marley moría en un hospital de Miami el 11 de mayo de 1981. Un mes antes, Marley había sido condecorado con la Orden del Mérito de Jamaica, la tercera mayor honra de la nación, en reconocimiento de su inestimable contribuición a la cultura del país. El 21 de mayo de 1981, el Honorable Robert Nesta Marley O. M. recibía un funeral oficial del pueblo de Jamaica. Después del funeral (al que asistió tanto el Primer Ministro como el líder de la oposición) el cuerpo de Marley fue llevado a su tierra natal, Nine Mile, en el norte de la isla , donde ahora descansa en un mausoleo. Bob Marley murió a los 36 años, pero su leyenda permanece viva hasta hoy y por muchos años.

Bob Marley después de su muerte

Polémica

En 2005, Rita Anderson, ex-mujer de Bob, escribió una biografía en la que criticó durísimamente al que fue su esposo. En No Woman, No Cry, como se titula el libro, en la que tacha a Bob de machista y violento. Según Rita, la pareja vivía en una choza, Bob sólo tenía un par de calzoncillos, que ella lavaba cada noche. También afirma que la estrella del reggae se marchó a una mansión en Kingston, donde vivía con varias amantes (una de ellas llegó a convertirse en Miss Mundo) e incluso asegura que llegó a criar a algunos de los hijos que Bob tuvo con esas mujeres.

Y es que la lista de descendientes de Bob es inmensa: en 1968 tuvo un hijo llamado Ziggy Marley con Rita Anderson, en 1970, tuvo un hijo llamado Robbie con Lucille Williams, una de sus novias en Trench Town. Janet Hunt, concebió a Rohan Marley (futuro marido de Lauryn Hill). Sus constantes viajes a Londres no fueron en vano, ya que nació Karen Marley, hija de una inglesa llamada Janet Bowen. Una jamaicana nacida en Barbados, Lucy Pounder, tuvo con Bob a Julian Marley.

Otra de sus novias, la campeona caribeña de ping pong Anita Bellnavis, se convirtió en la madre de Kymani Marley. En 1975, Cindy Breakspeare, que estaba a punto de convertirse en Miss Mundo, dio a luz a Damian Marley. Otra de las novias era la actriz Esther Anderson, quien ya había tenido romances con Marlon Brando y Chris Blackwell.

Todas estas afirmaciones no sentaron nada bien al gobierno jamaicano, más aún cuando se enteraron de que Anderson anunció que pretendía exhumar los restos de su marido para enterrarlos en Shashemene, Etiopía, donde el emperador Haile Selassie cedió unas tierras a un grupo de rastafaris jamaicanos que residen en esa localidad. La relación entre el gobierno jamaicano y Anderson era crítica, ya que consideran a Bob un ídolo y una fuerte atracción turística para los extranjeros. No hay que olvidar que la casa-museo de Bob es el principal reclamo de los extranjeros que llegan durante todo el año a la isla caribeña. Lejos de apaciguar los ánimos, Anderson recordó al gobierno de su país que, en Jamaica, Bob fue disparado en su casa y sufrió el exilio."Bob hubiera preferido reposar en el continente africano más que en una isla donde sus antecesores fueron llevados como esclavos" [1] , llegó a decir la ex-esposa de Bob.

Pagina: http://www.bobmarley.com

Marlango

Marlango es un grupo de música español influido por la atmósfera musical de Tom Waits. Los integrantes del grupo son Leonor Watling, Alejandro Pelayo y Óscar Ybarra.
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Historia

En 1998, Leonor y Alejandro grabaron una maqueta con catorce temas para piano y voz donde ya se encontraba el núcleo de lo que sería su primer álbum. En el invierno de 2002, el neoyorquino Oscar Ybarra, recién instalado en Madrid, escucha el material y decide incorporarse al proyecto. Entre los tres dan forma a un trabajo que ve la luz en febrero de 2004.

Este disco Marlango tiene influencias que van del rock al jazz, de la música de algún cabaret de entreguerras a la banda sonora de una película de David Lynch. Después de un año de conciertos por toda España, Portugal y Japón, y de recibir de manos de Pedro Almodóvar un disco de oro por las primeras 50.000 copias vendidas. En septiembre de 2005 publican su segundo álbum, Automatic imperfection, que también consigue el disco de oro en España. En 2006 fichan por la discográfica Universal, con la que publican una edición especial de su último álbum, además de editar el álbum en muchos países. El 25 de septiembre de 2007 salió su tercer álbum de estudio The electrical morning.

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Luis Alberto Spinetta

Luis Alberto Spinetta (23/01/1950) comenzó tocando en grupos de colegio, como el que luego sería Almendra, formado en 1967. Junto a Emilio del Guercio, Edelmiro Molinari y Rodolfo García grabaría 2 discos para luego separarse hasta 1980, cuando se produjo el reencuentro y el registro de otros 3 LPs, dos de ellos en vivo.

Su debut solista tuvo lugar en 1971, tras la disolución de Almendra, titulado "La búsqueda de la estrella". Su siguiente proyecto grupal fue el trío Pescado Rabioso, que duró solamente dos años y editó cuatro discos, aunque "Artaud" (1973) en realidad corresponde a Spinetta solista.

A mediados de 1973 fundó Invisible, acompañado por Pomo y Machi Ruffino. Este grupo incursionó en la fusión jazz-rock e incluso fueron los precursores del tango-rock, un género que cobraría gran auge pocos años después.

"A 18 minutos del sol" (1977) fue su siguiente disco que grabó junto a la Banda Spinetta, integrada por músicos de jazz. Con este grupo se presentó hasta 1979, cuando organizaron la primera reunión de Almendra. Al año siguiente viajó a Estados Unidos para registrar un disco en inglés, titulado "Only love can sustain", y participó de la segunda reunión de Almendra.

Con un estilo de composición más complejo armó Spinetta-Jade. Cuatro discos quedaron de esta agrupación, que tuvo su mayor inconveniente la dedicación de Spinetta a su carrera solista. "Kamikaze" (1982) es un álbum acústico que no fue reconocido por la crítica y el público como realmente lo merecía. En cambio "Mondo di cromo" (1983) retorna al estilo eléctrico y fue presentado con "Bajo Belgrano", tercer álbum de Jade.

Para 1985 estaba previsto un disco a dúo con Charly García, pero únicamente se llegó a registrar el tema "Rezo por vos", incluído en "Privé" el siguiente álbum de Luis Alberto, que incluye también "No seas fanática", con León Gieco. El proyecto que sí se concretó fue "La la la" (1986), una placa con Fito Páez que despertó gran expectativa pero no terminó de convencer.

Tras dos años de silencio, Spinetta salió nuevamente con "Téster de violencia" (1988), «el primer álbum relativamente conceptual en mucho tiempo. Diría que desde "Durazno sangrando" (el disco de Invisible de 1975) que no puedo conceptualizar varios temas y ponerlos todos al servicio de una misma temática, si bien cada álbum pareciera tener su unidad interna... La unidad de "Téster..." es el sentido de qué somos. Nuestro mismo organismo, nuestro cuerpo, es nuestra única forma de delirar o de poner los pies en la tierra», reflexiona el autor (G.Guerrero, pág 198-199). El álbum fue el mejor del año, según el Sí de Clarín, y el tema "El mono tremendo" ganó en su rubro.

Editó luego "Don Lucero" (1989), también seleccionado como Mejor Disco, al igual que el tema "Fina ropa blanca". En 1990 llegó el primer disco en vivo de Spinetta solista: "Exactas", grabado en la Facultad de Ciencias Exactas de la UBA.

Luego de un período de pocas presentaciones, Spinetta tocó en "Mi Buenos Aires Rock" festival organizado por la Municipalidad que convocó a 150.000 personas en la 9 de Julio, en diciembre de 1990, y presentó algunos temas de "Piel de piel" (1990).

Por tercera vez en cuatro años, Spinetta compuso el Mejor Disco del Año, "Pelusón of milk" (1991) y la Mejor Canción, "Seguir viviendo sin tu amor". Este disco «llevó mucho tiempo -cuenta-, porque hice todo solo. Hay algunas intervenciones de músicos de mi banda, pero lo hice casi todo yo. "Pelusón" se parece a Spinetta de entrecasa... Hay canciones acústicas, las melodías son frescas, tiene una buena selección de material... Como para que sea entendido» (Humor 302, noviembre de 1991).

En 1994 compuso la banda de sonido de la película "Fuego Gris", dirigida por Pablo César, para luego dedicarse a Los Socios del Desierto, un trío integrado además por Daniel "Tuerto" Wirtz (batería) y Marcelo Torres (bajo). Al frente de esta agrupación realizó una minigira nacional y tocó en el teatro Opera, en el Mejor Show del Año, según las encuestas. En marzo de 1996 saldó lo que él mismo calificó de «una vieja deuda con el público»: tocar gratis y al aire libre, en los bosques de Palermo.

Luego de varios años y peleas con las compañías discográficas, Spinetta editó un disco doble, titulado simplemente "Spinetta y los Socios del Desierto", con los temas que ya había presentado en vivo. Con una gráfica excepcional, este CD alcanzó rápidamente el tope de los charts.

"Silver sorgo" (2001) significa el regreso de Spinetta al disco después de años de silencio y varias recopilaciones. Contiene 12 temas que comenzó a componer en 1998 ("Cine de atrás"). Este material fue presentado en vivo a fines de año, y registrado en vivo para el disco "Argentina Sorgo Films Presenta: Spinetta Obras" (2002).

Con "Para los árboles" (2003), Spinetta regresa a los teclados, a los pasajes instrumentales y coquetea con lo electrónico, para homenajear a las bellezas de la Naturaleza más allá de la mirada humana.

Camalotus, un EP de cuatro temas, fue presentado en un minirecital en la FM Rock and Pop. Está integrado por tres creaciones inéditas: "Cristantelmo" -de la película "Flores de septiembre"-, "Buenos Aires alma de piedra" y "Nelly, no me mientas". Además, hay un remix de "Agua de la miseria" (primer corte del álbum de 2002 "Para los árboles"), a cargo de Rafael Aracaute. Además, viene acompañado por un DVD con los videoclips "Correr frente a tí", "El enemigo" y "Tonta luz", dirigidos por Eduardo Martí.

Pagina: http://www.laspinetta.com.ar/

Karamelo Santo

Esta banda mendocina formada en diciembre de 1992, cultora de ritmos con raíces americanas como el reggae, la salsa y el ska mezclados con bases de rock, defiende la cultura mendocina a través de sus letras acerca de lugares y costumbres de esa provincia.

El primer single, "Baila Gordito", data del año '93 y es un cover de un viejo tema de Bad Manners. En septiembre de ese mismo año, grabaron en Mendoza su primer cassette titulado "La Kulebra". Al año siguiente, esos 14 temas se convirtieron en el disco debut, con la inclusión de 3 bonus tracks.

Ya por entonces era una costumbre que acompañaran a grupos como Los Brujos, La Renga o Peligrosos Gorriones. En 1995 fueron invitados a participar de un festival en Santiago de Chile, a partir del cual iniciaron una gira teloneando a Todos Tus Muertos.

En el '97 cerraron la Fiesta Nacional de la Vendimia ante 40.000 personas, pero fueron abucheados por gran parte del público que había concurrido para ver a Sombras, un grupo de bailanta.

Ese año grabaron "Perfectos idiotas", su segundo disco pero el primero en difundirse masivamente, para el sello TTM Discos. Gracias al hit "Vas a volver" el disco fue un éxito. Filmaron un video en el desierto de Lavalle, con amigos y gauchos lugareños como protagonistas.

Luego de varias presentaciones en Argentina, Chile y Uruguay, en el año 2000 salieron de gira por Estados Unidos y México, y fueron soporte de los shows de Manu Chao en Mendoza y en el estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires.

A fines del 2001, Leandro Maturano abandonó la banda y comenzó su carrera solista. A mediados de ese año iniciaron las sesiones de grabación de Los Guachos, el tercero de la banda. Producido artísticamente por Richard Troilo y Karamelo Santo, contó con las participaciones especiales de Manu Chao, Tonino Carotone, Gambit, y Chico Ocaña. "Nunca", el segundo corte de difusión, fue el tema elegido para el primer videoclip del grupo, realizado por Gianfranco Quattrini y Francis Estrada.

El disco fue presentado en Europa durante los meses de junio y julio de 2002 con cuarenta conciertos en diferentes escenarios de Alemania, Francia, Austria y Dinamarca. En agosto realizaron la presentación oficial del disco en La Trastienda (Buenos Aires).

En el invierno del 2003 encararon otra extensísima gira durante más de tres meses por once paises de Europa, donde compartieron festivales y escenarios con bandas como Metallica, Jamiroquai y Coldplay, etre otras.

"Haciendo bulla" fue editado en junio de 2004, con trece temas y un remix como bonus track. Siguiendo la línea del reggae, ska, murga y cumbia, Goy lo define como "nuestro primer disco porteño", luego de su radicación en una casa de La Boca. "Fruta amarga" (cover de Rubén Blades) fue elegido como primer corte de difusión. Potenciando lo que ya venían haciendo en los trabajos anteriores, este disco fusiona con naturalidad ritmos de las más diversas latitudes como merengue africano (en el tema "Mamina"), raggahiphop ("Sacrificio"), chacaleitor ("Tu quieres matarme") o guajira-grunge ("Fruta amarga"). Producido por Pablo Guyot y Alfredo Toth, fue presentado en El Teatro el 8 de julio.

"La gente arriba" fue lanzado en mayo de 2006, previamente a una nueva gira europea. También presentaron un compilado de la banda, entre los años 1995-2006, editado en cinco países del Viejo Continente.

Con "Antena Pachamama" (2007) acentuaron la mezcla de ritmos que ya los caracteriza. Los doce tracks y un cover de Sumo fueron producidos artísticamente por Lucas Villafañe y grabados en El Cangrejo Records y en El Abasto Monsterland.

Formacion:

Diego Aput: bajo
Gody Corominas: voz y percusión
Guillermo "Goy" Ogalde: guitarra y voz
Lucas Villafañe: teclado y acordeón
Mariano Ponce De León: batería
Martino Gesualdi: trombón
Nahuel "Naco" Aschei: trompeta
Pablo Clavijo: saxo alto y piano
Pedro "Piro" Rosafa: voz y percusión

Pagina: http://www.karamelosanto.com/
Fuente: Rock.com.ar