Pereza

Pereza es un grupo musical madrileño de pop y rock español. Son relativamente nuevos como banda pero ambos miembros han estado en la industria musical antes de unirse.

Rubén Pozo Prats y José Miguel Conejo Torres conocidos artisticamente como Rubén y Leiva, sus componentes, han grabado ya cinco discos: Pereza, Algo para cantar, Animales, Los amigos de los animales (un disco recopilatorio publicado en el 2006 en el que se incluyen algunos de sus mejores temas, y en el que han colaborado artistas de la talla de Amaral, Iván Ferreiro o Sidonie) y, por último, Aproximaciones publicado en agosto de 2007.

Historia

Pereza formaban parte del pelotón de anónimos aspirantes a vivir de la música. Por entonces, el grupo formado por Rubén (ex Buenas Noches Rose), Leiva (Ex Malahierba) y el batería Tuli ejercían de banda de acompañamiento del periodista Fernando Martín al tiempo que aireaban sus manierismos rockistas setenteros allí donde les dejaran tocar. Un cazatalentos de RCA vio potencial comercial en su espontaneidad y avaló un primer disco homónimo (2001), que evidenció sus limitaciones pero les permitió defenderlo en más de 100 conciertos por toda España.

Reducidos a dúo, Rubén y Leiva comenzaron a abandonar la subterraneidad con Algo para cantar, disco lanzado por su primer single, que regrabarían en acústico junto a David Summers (Hombres G) y Dani Martín ([El Canto del Loco]), sentando las bases para convertirse en un grupo de fans. Su mezcla de estudiada chulería, riffs stonianos, pop y almíbar ocasional se concretó después en Animales, álbum que disparó su caché como aspirantes a nuevos Tequila.

Ésa es, en palabras de Leiva, «la corta pero intensa» trayectoria que revisan ahora en Los amigos de los animales, un «capricho» en el que repasan 15 temas de su cosecha junto a un dispar elenco de colegas (indies, flamencos, francotiradores, pioneros del rock, veteranos y estrellas pop) que integran Bunbury, Amaral, Carlos Tarque, Los Delinqüentes, Alba Molina y El Niño Josele, Deluxe, Sidonie, Iván Ferreiro, Ariel Rot, Quique González, Cristina Rosenvinge, Burning, Coque Malla y Pastora.

En 2005 junto a otros músicos como Iván Ferreiro, Amaro Ferreiro, Xoel López (Deluxe), Eva Amaral y Juan Aguirre (Amaral) o Quique González participaron en el proyecto ideado por la SGAE, Laboratorio Ñ. Se trataba de encerrarse en una casa en Buenos Aires junto a otras bandas locales, para compartir ideas y componer.

El 23 de junio del 2007 ha salido a la luz su nuevo single "Aproximación", con bastante aceptación por parte de sus seguidores, que está incluído en su nuevo trabajo discográfico que salió a la venta el 28 de agosto de 2.007 con 15 nuevos temas y una versión alternativa de una de ellas (Por mi tripa). En este último álbum podemos encontrar apariciones estelares de músicos de la talla de Mick Taylor (ex guitarrista de los Rolling Stones), que participa en el tema "Grupis"; Xoel López(Deluxe), Juan Aguirre(Amaral), Quique González o Iván Ferreiro.

En septiembre de 2007 anuncian 4 conciertos por españa para presentar el disco, y el inicio de su gira el 18 de octubre en Valencia

Pagina: http://www.pereza.info/

Ana Belén

María del Pilar Cuesta Acosta, conocida como Ana Belén (Madrid, 27 de mayo de 1951) es una cantante y actriz española. Está casada desde hace más de treinta años con el cantautor asturiano Víctor Manuel, con el que colabora musicalmente muchas veces.

Biografía

Inicios de su carrera

Ana Belén se crió en el seno de una familia humilde en la calle del Oso, junto a la glorieta de Embajadores del barrio de Lavapiés (Madrid, España). Fue la mayor de tres hermanos. Su padre era cocinero en el hotel Palace y su madre portera de una finca. Pasaba los veranos de su niñez en Cabezuela (Segovia), de donde es su padre y de donde era su abuela, Matilde Bravo, que ejercía de maestra en la escuela del pueblo. Estudió en el colegio de las Damas Apostólicas; allí tuvo su primera salida a escena para actuar en un cuento que se titulaba El enanito saltarín. Desde muy pequeña sintió una vocación claramente artística. Por ello, al mismo tiempo que estudiaba solfeo y piano con el maestro Estebarena, que vivía en su misma calle, comenzó a inscribirse en distintos concursos radiofónicos infantiles en los que cantaba canciones de moda como La novia o La flor de la canela. Participó en un concurso de Radio España a los diez años, que se llamaba Vale todo dirigido por Bobby Deglané; se inscribió en el apartado de música moderna e interpretó La novia. Ese año no ganó el concurso, pero sí al año siguiente, con la canción La flor de la canela de Chabuca Granda que ya cantaba por entonces María Dolores Pradera. Estuvo en otros concursos con Juan de Toro, en Radio Madrid, donde cantó cuatro canciones acompañada del maestro Aguayo (El ritmo de la lluvia, Cúlpale a la bossa nova, La novia y La flor de la canela).

En 1964 ya era conocida en las emisoras de radio con el nombre de Mari Pili Cuesta, al estilo de Marisol, a quien Ana Belén admiraba mucho. Llegó a grabar en disco sus primeras canciones a los doce años, de las cuales la más promocionada fue Qué difícil es tener 18 años. A los quince años empezó a trabajar de forma fija en Radio Madrid para cubrir un hueco que había dejado Rocío Dúrcal.

Zampo y yo

Su primera intervención en el cine, a los trece años, fue en la película musical infantil Zampo y yo, trabajando con el actor Fernando Rey bajo la dirección de Luis Lucia Mingarro. Mari Pili interpreta a una niña rica, hija de un empresario que entabla una tierna amistad con un payaso que trabaja en un circo ambulante. En la película cantaba varias canciones que se llegaron a grabar. La cinta no tuvo éxito, hecho que impidió la realización de otras tres que estaban previstas dentro del contrato con los productores de Época films. Fue esta productora la que le dio el nombre artístico de Ana Belén, después de pensar para ella otros muchos nombres como María José.

- Ana Belén con trece años en un fragmento de la película Zampo y yo de Luis Lucia Mingarro
- Ana Belén recuerda sus inicios musicales infantiles en un programa presentado por Julia Otero

Inicios teatrales

A partir del fracaso de Zampo y yo, Ana Belén emprendió una carrera personal como actriz dramática de teatro de la mano de Miguel Narros, reconocido decorador y director teatral que se fijó en ella durante el rodaje de la película. Con él tuvo uno de los encuentros más influyentes de su carrera profesional. Comenzó a estudiar en el TEM, primero asistiendo de oyente y después empezó a estudiar interpretación y en particular arte dramático.

Siendo tan solo una adolescente, interpretó su primera obra en el Teatro Español, cuyo director era Narros. Fue Numancia de Cervantes en 1966; después, El Rey Lear, Las mujeres sabias, El burlador de Sevilla, El condenado por desconfiado, El rufián castrucho, Don Juan Tenorio, Medida por medida, El sí de las niñas hasta llegar a Te espero ayer en 1970. Diversas y variadas piezas teatrales de autores como Shakespeare, Lope de Vega o José Zorrilla que recreó, de protagonista o secundaria, en los más prestigiosos teatros de Madrid como La Latina o el María Guerrero. Con dichas obras comenzó a trabajar con la compañía del Teatro Español hasta gran parte de su juventud, guiada por Berta Riaza y Julieta Serrano, las dos actrices a quienes su madre la había dejado a cargo, y conoció a actores muy respetados en el mundo del teatro y del cine de entonces como María Luisa Ponte y Agustín González entre otros, con los que hizo sus primeras giras por toda España.

Paralelamente a ello, su encuentro con Narros le permitió también aprender y estudiar teatro de otros maestros como William Layton, quien dirigía el TEM junto a Narros. Curiosamente, la hija de Ana Belén, Marina San José, ha empezado su carrera como actriz en el estudio de este director teatral, fallecido en 1994, con el que trabajaron muchos de los más grandes actores del cine y teatro español como Juanjo Puigcorbé o Julieta Serrano.

En esa época comienza a trabajar en Televisión Española con pequeñas colaboraciones en Estudio 1, en las que llegó a trabajar con profesionales de la cultura española tan reputados como la fallecida cineasta Pilar Miró. La primera de esas colaboraciones fue en 1967 con Ligazón de Valle Inclán.

El inicio de su trayectoria cinematográfica

A comienzos de los setenta Roberto Bodegas le propuso un papel en la película Españolas en París, en la que trabajaban Laura Valenzuela, Máximo Valverde y Tina Sáinz. En 1971, con su vuelta al teatro con la obra Sabor a miel coincide en la gira con el cantautor asturiano Víctor Manuel en un hotel en Galicia mientras este cantaba con Julio Iglesias. En aquel año realizó las películas Aunque la hormona se vista de seda de Vicente Escrivá y Morbo de Gonzalo Suárez, en la que también trabajaba Víctor Manuel. En esa película, por la que recibió una mención especial en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, iniciaron una relación sentimental y posteriormente se casaron el 13 de junio de 1972 en Gibraltar.

En aquellos años continúa trabajando para Televisión Española con obras como Romeo y Julieta o Retablo de las mocedades del Cid, con la que consigue su primer Fotogramas de Plata por votación de los lectores en la categoría de mejor actriz televisiva en 1972.

Ese año, después de la película Al diablo con amor (también junto a Víctor Manuel, de la que sale un disco con la banda sonora, entre la que destaca Canción del oro, con letras de Gonzalo Suárez y música de Víctor Manuel) hizo Separación matrimonial de Angelino Fons y Vida conyugal sana de Roberto Bodegas en 1973, un cortometraje de Luis Eduardo Aute llamado A flor de piel, El amor del capitán Brando de Jaime de Armiñán y Tormento de Pedro Olea en 1974, en la que pudo protagonizar una obra de Benito Pérez Galdós con compañeros de reparto como Francisco Rabal, Rafael Alonso o Concha Velasco entre otros.

Tras esta etápa cinematográfica y junto a Víctor Manuel, alcanzó la fama y la popularidad entre el público español. Además, su carrera como actriz de cine se consolidaba, trabajando con algunos de los grandes cineastas españoles del momento y con compañeros de reparto muy veteranos que ocupaban un privilegiado lugar en el cine y teatro español de aquellos años.

Inicios discográficos - compromiso social

En 1973 retomó su carrera como cantante después de Zampo y yo, publicando discos de escasa repercusión como Tierra y Calle del Oso, con canciones mayoritariamente compuestas por Víctor Manuel, algunas de ellas con un claro contenido político y social. En esa época Víctor y Ana comenzaron a tomar posiciones políticas de forma pública hacia la izquierda progresista española y el régimen franquista fue en repetidas ocasiones bastante restrictivo con ellos como con muchos otros profesionales de la música como Joan Manuel Serrat, Lluis Llach o Luis Eduardo Aute, los cuales utilizaron su música para protestar contra la situación de España en aquellos momentos. En este sentido, el mayor problema que tuvieron fue en 1974 cuando representaron juntos en México una obra de teatro llamada Ravos, dirigida por Miguel Narros, con la que les acusaron de quemar una bandera de España durante la representación, en un episodio poco claro que les obligó a permanecer seis meses en México. También sufrieron varios percances como la explosión de dos bombas en el chalet que por entonces poseía la pareja en Torrelodones (Madrid).

En 1975 Ana Belén representó la obra de teatro clásica Antígona en el teatro Reina Victoria de Madrid. Cinco días después del estreno se produjo la primera huelga de actores en reclamación a un día de descanso en los teatros, en la que participó activamente con otros compañeros y compañeras como Concha Velasco o Juan Diego y durante la cual fueron detenidas entre otras Tina Sáinz y Rocío Dúrcal; un gran número de actores tomaron el sindicato y se encerraron allí. Víctor Manuel compuso una canción escrita para los actores en la época de la huelga: Cómicos. Al terminar la huelga la pareja entró a formar parte del Partido Comunista de España y militaron en él de forma clandestina durante varios años.

Ese año rueda Jo, papá de Jaime de Armiñán, rodada en Albarracín junto a los actores Antonio Ferrandis y Josep María Flotats.

Pasados los años, tras su salida del Partido Comunista, Ana Belén y Víctor Manuel han continuado comprometiéndose socialmente pero no han vuelto a pertenecer a ningún colectivo político. Durante la década de los setenta Ana Belén es madre de su primer hijo David San José (noviembre de 1976) y saca varias películas adelante: La petición de Pilar Miró, Emilia parada y fonda de Angelino Fons, El buscón de Luciano Berriatúa, La oscura historia de la prima Montse de Jordi Cadena, Jaque a la dama de Francisco Rodríguez, Cuentos eróticos de Emma Cohen, La criatura de Eloy de la Iglesia y Sonámbulos de Manuel Gutiérrez Aragón entre otras.

En 1979 se compromete con algunos compañeros de profesión en la creación del TEC (Teatro Estable Castellano) y participa en el primer montaje de este: Tío Vania de Chéjov, dirigido por William Layton. Con esta obra recibe el Fotogramas de Plata por votación de los lectores a la mejor actriz teatral en reconocimiento como miembro del TEC.

- Vídeo que muestra distintas actuaciones antiguas de Víctor y Ana
- Breve vídeo que resume la trayectoria artística de Ana Belén

Su relación con Latinoamérica - La muralla

Desde muy jóvenes Ana Belén y Víctor Manuel tuvieron contacto con los países de América Latina.

Viajaron en los setenta a Cuba donde conocieron a distintos integrantes de la Nueva Trova Cubana y al poeta Nicolás Guillén. De dichas relaciones con Latinoamérica surgieron otros proyectos profesionales de carácter musical como fueron los poemas de Nicolás Guillén musicalizados por Sergio Aschero, Víctor Manuel o Rosa León entre otros, que se incluyeron en el disco doble La paloma del vuelo popular en 1976. El disco incluía el tema La muralla, versionado con anterioridad por Quilapayún. Esta canción fue el primer éxito musical del repertorio en común de Ana Belén y Víctor Manuel, siendo así la primera canción que la pareja cantó en un concierto en directo. Este tema sigue siendo uno de los más representativos de Ana y Víctor.

El siguiente disco fue De paso en 1977, el cual incluía canciones de Luis Eduardo Aute, Pablo Milanés y Teddy Bautista entre otros, así como poemas de Fanny Rubio, Rafael Alberti o Nicolás Guillén.

Tras el éxito de La muralla, la pareja se empezó a fusionar y comenzaron a cantar juntos en directo por medio de giras que recorrían España y Latinoamérica. Uno de sus primeros espectáculos en común fue Víctor y Ana en vivo en las fiestas de San Isidro, editado en un disco grabado en 1983, año en que nace su hija Marina San José.

- Fotografía de Víctor y Ana con el poeta Nicolás Guillén
- Ana y Víctor cantan La muralla en una de sus giras más antiguas.

Fortunata y Jacinta

En 1979 Ana Belén tiene la oportunidad de protagonizar junto a Maribel Martín, Manuel Alexandre, Paco Rabal, Mary Carrillo, Fernando Fernán Gómez, Charo López y María Luisa Ponte entre otros actores, la serie Fortunata y Jacinta, basada en la obra de Benito Pérez Galdós y dirigida por Mario Camus. La serie, emitida por Televisión Española, tuvo una importante repercusión tanto de crítica como de público. La serie se emitió con éxito en países como Francia, Italia, Países Bajos y República Checa entre otros. Por su interpretación en esta serie de diez capítulos, Ana Belén recibió el Fotogramas de Plata a la mejor actriz de televisión por votación de los lectores. Actualmente sigue siendo con diferencias su mayor éxito televisivo, con el que también recibió el TP de Oro por votación de los lectores como mejor actriz televisiva.

- Portada de la serie Fortunata y Jacinta

Su consolidación como cantante

En 1979 sale a la luz el álbum Ana. En este álbum hay menos canciones de contenido político y social (aunque siempre van a estar presentes en todos sus discos). El disco, por el que consiguió el Fotogramas de Plata a la mejor solista, incluía canciones como Desde mi libertad o Agapimú, adaptación de Luis Gómez Escolar de un tema griego que se convirtió en una de las canciones más representativas de su carrera en solitario.

Participó junto a Elsa Baeza y Miguel Bosé, entre otros, en la versión pop de la Misa campesina nicaragüense, de Carlos Mejía Godoy.

En 1980 edita el disco Con las manos llenas, en el que se incluían los temas Oh qué será de Chico Buarque y El hombre del piano, adaptación realizada por Víctor Manuel de un mítico tema del músico estadounidense Billy Joel. Esta canción es probablemente una de las más importantes de la carrera musical de Ana Belén.

En 1982 viaja a Brasil donde graba el disco Ana en Río, con temas de compositores brasileños entre los que destaca la canción Balance. En este disco contó con la colaboración de Chico Buarque y Raimundo Fagner.

Ese mismo año representa en los escenarios La hija del aire de Calderón de la Barca, dirigida por Lluís Pasqual, estrenada en el María Guerrero de Madrid.

Con el álbum Géminis en 1984 logra un punto de inflexión en su carrera como cantante en solitario, con temas como La paloma, poema de Rafael Alberti, Sólo le pido a Dios de León Gieco o España, camisa blanca de mi esperanza de Víctor Manuel, la cual se convirtió en una de sus mejores canciones. El disco fue producido y arreglado por Geooff Westley, quien introdujo en él algunos elementos electrónicos pioneros en la música española como la batería lynn.

- Montaje fotográfico que tiene de fondo la voz de Ana cantando Desde mi libertad

Desarrollo cinematográfico. Primeras nominaciones a los Premios Goya

En 1982 rueda Demonios en el jardín de Manuel Gutiérrez Aragón, una de sus películas más conocidas; intervienen también Ángela Molina, Encarna Paso e Imanol Arias.

Con Mario Camus repitió en La colmena en 1982, de Camilo José Cela, compartiendo el plantel actoral con José Luis López Vázquez, Fernando Fernán Gómez, José Sacristán, Paco Rabal, Agustín González y Concha Velasco entre muchos otros intérpretes. Esta película logró el Oso de Plata en ese año durante el Festival Internacional de Cine de Berlín.

En 1985 interviene en el cine en Sé infiel y no mires con quien de Fernando Trueba con Carmen Maura y Verónica Forqué entre otros y en Dolores de José Luis García Sánchez, director con el que trabajó en repetidas ocasiones. En una de esas ocasiones se estrenó una de sus películas más populares: La corte de Faraón, de la cual salió un disco con la banda sonora ya que la artista cantaba varias canciones durante la película, en la que trabajó con Fernando Fernán Gómez, Antonio Banderas y José Luis López Vázquez entre otros. Con esta película volvió a recibir una mención especial durante el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Con Camus también rodó La casa de Bernarda Alba en 1987, basada en la obra de Federico García Lorca, que también interpretó en el teatro, en la que compartió reparto con actrices como Irene Gutiérrez Caba y Florinda Chico entre otras.

Ese mismo año vuelve a repetir con José Luis García Sánchez, protagonizando Divinas palabras de Valle Inclán, junto a Imanol Arias, Aurora Bautista y Paco Rabal entre otros.

Con Fernando Colomo hizo Miss Caribe en 1988, película con la que obtuvo su primera nominación en la III edición de los Premios Goya de la academia del cine español como actriz protagonista y Rosa rosae años más tarde junto a la actriz María Barranco en 1992. Al año siguiente de estrenar Miss Caribe, volvió a estar nominada en la IV edición de los Premios Goya de la academia española como actriz protagonista por El vuelo de la paloma de José Luis García Sánchez, en la cual trabajó con José Sacristán y Juan Luis Galiardo entre otros.

- Ana Belén canta ay! va en la película La corte de Faraón de José Luis García Sánchez
- Ana Belén con Carmen Maura en varias escenas de sé infiel y no mires con quien

La puerta de Alcalá y otros éxitos

A pesar de sus personales y diferenciadas carreras en solitario, Ana Belén y Víctor Manuel no dejaron de colaborar en espectáculos y discos en común. El ejemplo de ese éxito conjunto está en el año 1986, cuando sale a la luz el disco doble Para la ternura siempre hay tiempo con canciones nuevas como Niña de agua. En realidad se trataba de dos discos, uno de ellos Para la ternura de Ana Belén y el otro Siempre hay tiempo de Víctor Manuel con canciones como Sólo pienso en tí o El abuelo Vítor pero en ambos discos aparecen temas cantados a dúo. El disco incluía la canción La puerta de Alcalá, composición del grupo Suburbano, la cual se convirtió en la canción más representativa de la pareja. Su conocido estribillo pertenece a la memoria colectiva de la España más reciente, siendo todo un himno popular imperecedero. Con este álbum realizaron una gira por toda España y Latinoamérica con gran éxito.

Ana Belén además fue condecorada por del ministro de cultura francés Jack Lang con el galardón Caballero de la Orden de las Artes y Letras francesas en marzo de 1986.

Ese mismo año rueda Adiós pequeña de Imanol Uribe y también participa como cantante en la campaña de protesta contra el ingreso de España en la OTAN durante el Gobierno de Felipe González.

Ana Belén, tras el grandísimo éxito de La puerta de Alcalá se convirtió en una personalidad más que relevante de la cultura española, a pesar de que distintos sectores de público la miraban con recelo y envidia. En su siguiente disco de 1988, A la sombra de un león, contó con la colaboración del brasileño Djavan y con el que se convertiría en un colaborador habitual en sus proyectos discográficos: Joaquín Sabina.

En 1989 cambia de compañía de discos, pasando a BMG, y de arreglista y graba con ellos Rosa de amor y fuego, arreglado por el italiano Roberto Costa, excepto el tema Lía, arreglado por José María Cano, integrante de Mecano, y Manel Santiesteban. En este disco evoluciona hacia una línea más comercial y vanguardista. El tema Lía se convierte en una de las canciones más características de su repertorio. También destaca el tema Arde París. El disco fue presentado en el Teatro Español por medio de un espectáculo, realizado durante diez días, dirigido por Miguel Narros, con diseño gráfico de Juan Gatti y vestuario de su diseñador por excelencia: Jesús del Pozo.

- Fotografía de la puerta de Alcalá
- Ana y Víctor cantan niña de agua durante la gira para la ternura siempre hay tiempo
- Montaje fotográfico que tiene como fondo la voz de Ana Belén cantando Lía

De los noventa a la actualidad

Animada por José Luis García Sánchez, en 1991 Ana Belén debutó como directora de cine con la película Cómo ser mujer y no morir en el intento, basada en una novela de la escritora Carmen Rico Godoy en la que contó con el protagonismo de Carmen Maura y Antonio Resines. Por esta ópera prima fue nominada en la VI edición de los Premios Goya de la academia del cine español como directora novel. La película, a pesar de ser mal recibida por la crítica, gozó de un notable éxito de público y logró el Premio Ondas a la mejor directora de cine.

En 1991 graba Como una novia, con canciones de Gloria Varona, Pancho Varona y Antonio García de Diego, siendo este el primer disco en el que no se incluye ningún tema compuesto o adaptado por su marido Víctor Manuel. El disco también fue producido por Pancho Varona y Antonio García de Diego.

En 1992, coincidiendo con la inauguración de la exposición universal de Sevilla, Ana Belén estrena en el teatro Central de la ciudad La gallarda de Rafael Alberti, dirigida por su maestro en el teatro Miguel Narros, junto al actor José Sacristán y la soprano Montserrat Caballé.

Ese año vuelve a rodar con Mario Camus la película Después del sueño y además, ese mismo año interpreta El mercader de Venecia de Shakespeare, dirigida por José Carlos Plaza, con el que ya había interpretado con gran éxito Hamlet en 1989 junto a José Luis Gómez.

En 1992 también estrena la película El marido perfecto, una producción internacional en la que trabajó con Aitana Sánchez Gijón.

En 1990 graba junto a la gran estrella del flamenco Camarón de la Isla la canción Amor de canuco, compuesta por Juan Luis Guerra.

En 1993 publica el álbum Veneno para el corazón, con sonidos de jazz, salsa, bolero, rumba, rock, reegae, pop... . En este disco, grabado parcialmente en Londres, se incluye un bloque de canciones compuestas por Cole Porter, grabadas con big-band y arregladas por Geooff Westley, así como temas de nuevos cantautores como Pedro Guerra y Andrés Molina y clásicos como el bolero La mentira de Álvaro Carrillo. Además de Geooff Westley, aparecen otros arreglistas como Pancho Varona y Antonio García de Diego, el guitarrista flamenco Gerardo Núñez y Roberto Costa. La edición en CD incluye además una segunda versión del tema Derroche, con la colaboración de Juan Luis Guerra y los 4:40. Derroche es también uno de los temas más característicos del repertorio en solitario de Ana Belén, compuesto por el cantautor dominicano Manuel Giménez.

Ese año estrena la película Tirano Banderas de Valle Inclán, dirigida de nuevo por José Luis García Sánchez con la compañía en el reparto de Juan Diego y Fernando Guillén entre otros. La película fue rodada en Cuba.

- Videoclip de Derroche, en su versión con Juan Luis Guerra y los 4:40
- Montaje fotográfico con la voz de Ana Belén cantando La mentira

Mucho más que dos

En Abril de 1994 junto a Víctor Manuel graba en Guijón uno de los acontecimientos más importantes de la música española, un concierto en directo sin precedentes con las colaboraciones de Joan Manuel Serrat, el actor Juan Echanove, Antonio Flores, Joaquín Sabina, Manolo Tena, Pablo Milanés y Miguel Ríos. Una demostración de la amistad y el compañerismo que Víctor y Ana tienen por todos ellos, a los que les dieron una gran oportunidad. El espectáculo se produjo durante dos días en el Palacio de los Deportes de la ciudad asturiana y dio lugar a un doble álbum y un Dvd llamado Mucho más que dos.

Durante el espectáculo se repasaron los grandes éxitos de Ana Belén y Víctor Manuel hasta el momento con canciones a dúo con los diferentes colaboradores. Desde Asturias a El hombre del piano, pasando por Derroche, Lía, El abuelo Vítor hasta llegar a La muralla y La puerta de Alcalá.

Este concierto dio pie a una exitósa gira con la que triunfan muchísimo en España y en el extranjero, pasando de países como Chile a EEUU. Con este espectáculo se produjo el primer hito de Víctor y Ana en cuanto a giras musicales se refiere.

En este espectáculo, dirigido y organizado por José Carlos Plaza - colaborador habitual de Ana Belén en sus espectáculos - se estrenaron dos temas: la composición de Víctor Manuel Yo también nací en el 53 y Contamíname - himno del mestizaje cultural - , canción compuesta por el cantautor canario Pedro Guerra que se convirtió en un grandísimo éxito de la pareja hasta el punto de que popularizaron mucho más el tema.

- Portada de mucho más que dos
- Víctor y Ana cantan Contamíname de Pedro Guerra
- Ana Belén y Joaquín Sabina cantan A la sombra de un león, escrita por el propio Sabina.
- Ana Belén y Víctor Manuel cantan La puerta de Alcalá
- Ana Belén y Joan Manuel Serrat cantan Mediterráneo
- Ana Belén y Antonio Flores cantan Sólo le pido a Dios

La pasión turca

En 1994 rueda La pasión turca, escrita y dirigida por Vicente Aranda sobre la novela homónima del escritor andaluz Antonio Gala. La interpretación de Ana Belén en esta película fue valorada con varios galardones y con una nominación en la IX edición de los Premios Goya de la academia del cine español como actriz protagonista. Producida por Andrés Vicente Gómez, la película tuvo bastante éxito de público pero no muy buenas críticas y Antonio Gala no estuvo conforme con la adaptación que Vicente Aranda hizo de su obra, algo que le dio también la categoría de una controvertida y polémica película que es hasta el momento la más famosa y conocida de Ana Belén, quien recibió el Fotogramas de Plata a la mejor actriz de cine por votación de los lectores y la Rosa de Sant Jordi a la mejor intérprete del año.

La controversia de esta película también se vio influenciada por su explícito contenido erótico. Rodada fundamentalmente en Estambul, esta película cuenta la historia de una mujer que abandona toda su vida por la pasión sexual y amorosa que siente por un guía turístico turco interpretado por George Corraface. Junto a él también aparecen en el reparto Silvia Munt, Ramón Madaula y Loles León y destaca la música de José Nieto - ganador del Premio Goya por la banda sonora - .

- Portada de la película la pasión turca
- Escena de La pasión turca

Éxitos cinematográficos

Por su versatilidad, ha sabido compatibilizar desde sus comienzos cine, música, teatro y televisión. En 1995 fue galardonada con la medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España en honor a su trayectoria como actriz en el mundo del celuloide, donde llevaba consigo más de treinta películas.

En 1996 rueda, de nuevo con Vicente Aranda, Libertarias, en la que compartió reparto con actrices de la talla de Victoria Abril. Ambientada durante la Guerra Civil Española, esta película - rodada gran parte en Aragón - fue un éxito de público y bien recibida por la crítica.

De forma casi consecutiva con Libertarias, Ana Belén rueda El amor perjudica seriamente la salud, dirigida por un maestro de la comedia española: Manuel Gómez Pereira; estaba acompañada de Gabino Diego, Juanjo Puigcorbé y Penélope Cruz. La película fue un éxito de público y crítica. Fue pionera en España en incluir a los actores entre personajes históricos. La película recorre la peculiar relación de una pareja de enamorados que atraviesa la historia más reciente de nuestro país. Los cuatro actores interpretaron a los mismos personajes de jóvenes y adultos. Juanjo Puigcorbé - Gabino Diego y Ana Belén - Penélope Cruz. Con esta película fue condecorada con el premio a la mejor actriz en el festival de cine de Peñíscola.

- Portada de la película el amor perjudica seriamente la salud

Ana Belén en el teatro romano de Mérida

En 1995 Ana Belén estrena en el marco incomparable del teatro romano de Mérida la clásica opereta La bella Helena de Jacques Offenbach, adaptada por Molina Foix y dirigida por José Carlos Plaza; en ella cabe destacar la música de Mariano Díaz.

Con esta obra, Ana Belén recibió el Fotogramas de Plata a la mejor actriz teatral por votación de los lectores y con ella realizó una exitósa gira que pasa por ciudades como Sevilla, Valencia o Madrid, donde se representó durante varios días en el castizo teatro Albéniz.

Esta obra le proporcionó a la actriz un prestigio añadido al haberla protagonizado en el teatro romano de Mérida, donde posteriormente volvería con sus giras musicales y con la obra clásica griega Fedra en el año 2007.

- Fotografía del teatro romano de Mérida

El gusto es nuestro

En 1996 y 1997 realiza junto a Víctor Manuel, Miguel Ríos y Joan Manuel Serrat la apoteósica gira El gusto es nuestro, que arrasa en toda España con más de 500.000 espectadores y que llegó a toda Latinoamérica con un éxito rotundo que da lugar a un Cd y un Dvd grabados en vivo con el concierto que ofrecieron en la plaza de toros de Las Ventas en Madrid el 12 de septiembre de 1996.

Cuatro grandes nombres de la música española se unieron en un espectáculo sin precedentes - de nuevo dirigido por José Carlos Plaza - en el que se mezclaron los repertorios de los cuatro artistas. Se cantaron sobre el escenario desde España, camisa blanca de mi esperanza al Himno a la alegría pasando por Quiero abrazarte tanto y Paraules d´amor.

El gusto es nuestro fue premiada en los premios de la música en el año 1996 en la categoría de mejor gira del año.

- Portada de el gusto es nuestro
- Serrat y Ana Belén cantan Paraules d´amor
- Ana Belén, Víctor Manuel, Miguel Ríos y Serrat cantan el Himno a la alegría
- Ana Belén y Miguel Ríos cantan España, camisa blanca de mi esperanza
- Serrat, Ana Belén, Víctor Manuel y Miguel Ríos cantan Hoy puede ser un gran día
- Ana Belén, Víctor Manuel, Serrat y Miguel Ríos cantan clásicos del Rock
- Serrat canta con Ana Belén, Miguel Ríos y Víctor Manuel el tema Fiesta, escrito por Serrat
- Ana Belén y Serrat cantan Paraules d´amor en un programa de televisión latinoamericano

Grabaciones en solitario y nominación al Grammy Latino

En 1997 publica su nuevo álbum Mírame - grabado en Londres - , disco de duetos que se convierte en el trabajo discográfico más vendido de su carrera en solitario junto con Géminis. Con él realiza una gira por toda España que consiguió notables éxitos. En dicho álbum canta junto a muchas personas entre las cuales destaca el actor malagueño Antonio Banderas, con el que interpreta el bolero No sé por qué te quiero, un éxito compuesto por Víctor Manuel que cantaría con posterioridad la cantante Pasión Vega y que nunca faltó desde entonces en los conciertos de Víctor y Ana. Entre el resto de duetos también sobresale el realizado junto a Chavela Vargas, cantando el mítico tema amanecí en tus brazos. También canta junto a Ketama y Fito Páez entre otros. El disco fue producido de nuevo por Geoff Westley y también colaboraron en él Chico Buarque y el italiano Lucio Dalla entre muchos otros.

1998 es el año del centenario del poeta Federico García Lorca y Ana quiso conmemorarlo publicando dos discos bajo el título de Lorquiana en los que se recogen los poemas y las canciones populares del poeta granadino versionadas por Ana Belén y su equipo musical propio en conjunción con Chano Domínguez y sus músicos. Canciones populares y poemas como los cuatro muleros recogidos en este doble disco con el que realiza una gira paseando por España un precioso y personalísimo espectáculo dirigido por Lluís Pascual - a caballo entre el teatro y la música - de recitales que se estrenó en el teatro Romea de Murcia. El doble álbum Lorquiana se encuentra dividido en dos volúmenes, uno de canciones populares y otro de poemas. Este último contenía grandes composiciones poéticas del granadino musicalizadas por diversos músicos como Joan Manuel Serrat, Fito Páez, Kiko Veneno, Pedro Guerra, Chano Domínguez, Ketama o el propio Víctor Manuel. Una de esas composiciones era el mítico Pequeño Vals Vienés, que versionó primero el célebre músico canadiense Leonard Cohen. Este álbum fue dirigido y arreglado por Michel Camilo. Lorquiana, trabajo por el que obtuvo una nominación a los Premios Amigo como mejor solista femenina, fue producido en su conjunto por Víctor Manuel, quien ya se había lanzado desde hace años al mundo de la producción musical y cinematográfica. Víctor Manuel ya había producido Mírame y a partir de ahí, muchas de sus producciones discográficas y de Ana Belén fueron producidas por él.

Ese mismo año rueda para Tele 5 la serie policíaca Petra Delicado junto a Santiago Segura, una producción de Andrés Vicente Gómez dirigida por Julio Sánchez Valdés que no obtuvo el éxito esperado.

Tras este último proyecto televisivo, más tarde la cantante puso voz junto a su hijo David San José a la sintonía de la serie de Televisión Española Cuéntame como pasó en el año 2001 por medio de la canción que lleva por título el mismo nombre, original de Fórmula V.

En 1999 publica el disco Ana Belén y Miguel Ríos cantan a Kurt Weill, doble disco homenaje a Kurt Weill dirigido por Josep Pons que cuenta con la colaboración de la Orquesta Ciudad de Granada y Lluis Vidal Trio. Los dos cantantes unieron sus voces en un espectáculo con el que recorrieron los principales y más importantes auditorios de España. El disco se publicó en el centenario del nacimiento de Kurt Weill, autor de Mackie Navaja.

Es de destacar que ese mismo año recopiló sus grandes éxitos como Sólo le pido a Dios, La puerta de Alcalá o A la sombra de un león y los recogió en un disco editado en Argentina que lleva por título Ana Belén en Argentina. Por este trabajo recibió el premio Martín Fierro a la mejor cantante extranjera. Ana Belén ya había publicado hasta ese momento varios recopilatorios que repasaban sus más importantes éxitos como fueron los discos: Ana Belén, 20 éxitos en 1996 o 26 grandes canciones de amor y una nube blanca en 1989 entre otros.

En mayo de 2001 publica un álbum titulado Peces de ciudad, con canciones como la que da título al disco, de Joaquín Sabina. Con este disco fue nominada al Grammy Latino y al Premio Amigo en la categoría de mejor cantante femenina. Ese mismo año realiza una nueva gira junto a Víctor Manuel en la que se presentan las canciones de este disco y del que por entonces publicó su marido, llamada Dos en la carretera, con la que consiguen grandes éxitos en España y Latinoamérica. Esta gira, dirgida de nuevo por José Carlos Plaza es editada en un Cd y Dvd grabados en directo. En esta gira comienza a acompañarles en sus espectáculos el hijo de ambos: David San José, al teclado.

En 1997 también fue reconocida en Buenos Aires como solista femenina con el premio Carlos Gardel y el premio Cadena Dial, en homenaje a su trayectoria como cantante en solitario.

Ese año recibe el premio de la revista de moda femenina Elle, otorgado a mujeres que destacan por su belleza, personalidad y elegancia.

Además, en 2001 también estrena la película Antigua vida mía junto a Cecilia Roth. Rodada en Buenos Aires y Guatemala, esta película de Héctor Olivera no recibió muy buenas críticas pero supuso ser una experiencia satisfactoria para la actriz.

- Portada del disco peces de ciudad
- Portada del disco Ana Belén y Miguel Ríos cantan a Kurt Weill
- Ana y Víctor cantan el bolero No sé por qué te quiero durante la gira Dos en la carretera
- Ana Belén y Víctor Manuel cantan Hoy puede ser un gran día con Serrat y Miguel Ríos
- Ana Belén canta Yo también nací en el 53 durante la gira Dos en la carretera
- Montaje fotográfico en el que Ana Belén canta con Chavela Vargas Amanecí en tus brazos
- Montaje fotográfico en el que se puede escuchar a Ana Belén y su hijo cantar el tema Cuéntame
- Videoclip de Peces de ciudad

Teatro, cine y música. 2002 - 2005

Su vuelta al teatro se produce al año siguiente, en 2002, con la obra Defensa de dama, dirigida por José Luis Gómez y coprotagonizada por Antonio Valero y Juan José Otegui. Procedente de una creación de Hinojosa e Isabel Espinosa, esta obra tuvo un gran éxito y se llevó a Estudio 1 con Amparo Larrañaga. La obra fue estrenada en el Teatro la Abadía de Madrid y posteriormente se inició una gira que recorrió diversas ciudades españolas como Barcelona, donde se representó con gran acogida en el Teatro Romea. Con esta obra consigue la segunda posición a la mejor actriz teatral en los Premios Mayte de las artes escénicas.

Ese mismo año se publica también su primera biografía autorizada llamada Ana Belén, biografía de un mito. Retrato de una generación, escrita por el periodista de El País Miguel Ángel Villena, la cual se presenta en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

En 2003 colabora en la plataforma cultural contra la Guerra de Irak con la ayuda de otros muchos artistas como Juan Diego, Pedro Almodóvar o Pilar Bardem, que salieron junto a miles de personas a la calle en protesta al apoyo del Gobierno de España a dicho conflicto. Su compromiso con ello pasó también por entrar junto a actores como Aitana Sánchez Guijón, Juan Echanove o María Barranco al Congreso de los Diputados con camisetas de protesta mientras el presidente José María Aznar comparecía en el hemiciclo.

En noviembre de 2003 edita un nuevo disco: Viva l'Italia, en el que rinde tributo a la música italiana con canciones de Domenico Modugno, Claudio Baglioni Mina. También interpreta el tema Canción junto a Lucio Dalla. Las canciones fueron adaptadas al castellano por Víctor Manuel.

Ese año también colabora con el hijo del fallecido cantaor flamenco Juanito Valderrama en su disco La memoria del agua, en el que el tema Envidia,del que se graba un videoclip.

Ese mismo año 2003 tiene el honor de grabar en castellano e inglés la balada I only have eyes for you con el mítico cantante norteamericano Rod Stewart en su disco the great american song book volúmen II, en el que también colaboró la cantante Cher con otro dueto con el artista.

Además, en 2003 recibe un homenaje en el Instituto Cervantes de Toulouse por toda su carrera artística en el mundo de la música y la interpretación.

En 2004 vuelve al teatro con la obra de Gabriel García Márquez Diatriba de amor contra un hombre sentado, el primer monólogo teatral de su carrera. La obra la estrena en el Palacio de Congresos de Santander en febrero de 2004 y con ella sale de gira hasta 2005 recorriendo con gran éxito varias ciudades españolas.

En junio de 2004 también colabora en un concierto en homenaje a los republicanos que sufrieron el impacto de las consecuencias de la Guerra Civil Española. El recital se celebró en la localidad de Rivas Vaciamadrid que lleva como nombre Recuperando memoria. En él recitó el poema del fallecido Pedro Garfias Madrid y bajo la metralla y cantó junto a su marido Víctor Manuel y el cantautor canario Pedro Guerra el tema Contamíname. En dicho concierto también participaron activamente la actriz Pilar Bardem, el cantante Miguel Ríos, la escritora Almudena Grandes y su marido Luis García Montero, el cantante Paco Ibáñez, los actores Juan Diego y José Sacristán y los cantautores Luis Eduardo Aute y Lluis Llach entre muchos otros.

Ese mismo año colabora en un disco homenaje a Pablo Neruda producido por su marido Víctor Manuel: Neruda en el corazón, en el que también colaboran entre otros Julieta Venegas, Enrique Morente, Joan Manuel Serrat, Miguel Bosé y Pablo Milanés. Ana Belén canta Tonada de Manuel Rodríguez. Este proyecto les reporta muchos triunfos en Latinoamérica, especialmente en Santiago de Chile, ciudad natal del poeta.

Además estrena la película Cosas que hacen que la vida valga la pena de Manuel Gómez Pereira, que le reporta muchos triunfos profesionales. Fue nominada en la XIX edición de los Premios Goya de la academia del cine español como actriz protagonista, ganó el premio a la mejor actriz en el festival de Montecarlo y compartió reparto con Eduard Fernández. Esta película recibió el premio del público en el festival de Málaga.

- Fotografía promocional de su disco Viva L´Italia
- Ana Belén se ríe con Miguel Bosé en la presentación del disco Neruda en el corazón
- Ana Belén canta Tonada de Manuel Rodríguez presentando el disco Neruda en el corazón
- Ana Belén en el videoclip de la canción Si yo fuera un ángel de su disco Viva l´Italia
- Ana Belén canta Envidia en el videoclip con el hijo de Juanito Valderrama

Una canción me trajo aquí - 30 años de historia musical

Su siguiente proyecto fue la gira Una canción me trajo aquí junto a Víctor Manuel, que comenzó el 25 de junio de 2005 junto al Acueducto de Segovia. Este espectáculo con el que recorrieron España y Latinoamérica repasa los más de treinta años de trayectoria musical de la pareja cantando sus grandes éxitos de manera continua, enlazados como un medley. De esta gira se publica en febrero de 2006 un CD+DVD con el concierto que grabaron en directo en el Teatro Romano de Mérida el 16 de septiembre de 2005. Con este espectáculo estuvieron en el Palau de la Música de Barcelona y una semana en el Teatro Gran Vía de Madrid. La gira concluyó en octubre de 2006 durante el cierre de la XVI cumbre de Iberoamérica en Uruguay ante 15.000 personas.

En esta gira, además de su hijo David San José al teclado también les acompaño haciendo los coros la hija de la pareja: Marina San José.

Durante esta gira, el 12 de enero de 2006, participa con su marido Víctor Manuel y otros artistas como Miguel Bosé en el cierre de la campaña electoral de Michelle Bachelet en el paseo de la Alameda de Santiago de Chile.

- Víctor y Ana promocionan una canción me trajo aquí en noche hache

Actualidad, música y teatro. Regreso a Mérida

Premio Málaga a toda la trayectoria cinematográfica

El 18 de marzo de 2006 recibió el Premio Málaga (Biznaga de Plata) durante la novena edición del Festival de Cine Español de Málaga e inauguró un monolito situado en el paseo marítimo Antonio Banderas de la ciudad en reconocimiento a su extensa carrera cinematográfica. Durante el festival se proyectaron sus películas más representativas como La corte de Faraón o La pasión turca.

Anatomía (álbum)

A finales de 2006 comienza a grabar con el productor Javier Limón su siguiente trabajo discográfico que se publica el 6 de marzo de 2007 con el nombre de Anatomía, en el que se incluyen temas de autores como Joaquín Sabina, Javier Limón, Bebe y Víctor Manuel entre otros y que cuenta con la producción del propio Javier Limón. El primer single, titulado Pobrecita de mí está compuesto por Joaquín Sabina. El disco ha sido certificado con un Disco de Oro en España, y con él comenzará una gira en solitario por toda España y Latinoamérica el próximo año 2008.

Por este disco, optó en la VIII edición de los Grammy Latino al Gramófono de Oro en la categoría de mejor álbum pop vocal femenino, compartiendo nominación con Shaila Dúrcal, ILona, Belinda y Laura Pausini, quien resultó finalmente vencedora.

- Videoclip de Pobrecita de mi, el single de Anatomía

Fedra

El 12 de julio de 2007 se estrenó en la inauguración de la LIII edición del Festival de Teatro Clásico de Mérida la tragedia griega Fedra, con versión del dramaturgo Juan Mayorga y bajo la dirección de José Carlos Plaza. La obra, un clásico inmortalizado por Eurípides y Séneca entre otros, batió récords con más de 22.000 espectadores, lo que la convierte en la segunda obra con más público en la historia del Festival. Después, la obra emprendió con gran éxito una gira que recaló en el Festival Grec de Barcelona. El 7 de septiembre Fedra se estrenó con gran éxito en el Teatro Bellas Artes de Madrid y se representó hasta el 28 de octubre. El 1 y el 2 de noviembre se representó en el Gran Teatro de Córdoba y en San Sebastián en el emblemático Teatro Victoria Eugenia durante los días 10 y 11 de noviembre. Además, la gira ha pasado por otras ciudades de la geografía española como Sevilla, donde se representó en el Teatro Lope de Vega del 14 al 18 de noviembre, Bilbao, en el Teatro Arriaga del 21 al 25 de noviembre, Almería, los días 28 y 29 de noviembre y Alicante, los dos primeros días de diciembre. En esta obra comparte reparto con Alicia Hermida y Fran Perea entre otros actores. Por esta obra Ana Belén ha sido seleccionada para ser candidata en la IX edición de los Premios Max de las artes escénicas en la categoría de mejor intérprete femenina protagonista. Fedra además podría aspirar a otros galardones en las candidaturas de mejor dirección, espectáculo teatral, actriz de reparto (Alicia Hermida), producción... .

- Reportaje que comenta la LIII edición del Festival de Teatro Clásico de Mérida
- Ana Belén presentó con sus compañeros en Barcelona Fedra
- Noticia que comenta el estreno de Fedra en Madrid
- Reportaje sobre el estreno de Fedra en el Teatro Lope de Vega de Sevilla

Colaboraciones

El 14 de marzo de 2007 colabora en el concierto - homenaje del veinte aniversario de Solidaridad Internacional, acompañada por otros muchos rostros del mundo del espectáculo como Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina, Ismael Serrano, Miguel Ríos, Pilar Bardem, Víctor Manuel, Lola Herrera, Iñaki Gabilondo o Luis Eduardo Aute.

Este año 2007 se edita un álbum (Cd + Dvd) llamado Tatuaje, el cual trata de rendir tributo a la canción típica española. En él, diversos artistas de distintos estilos musicales ponen sus voces a clásicos de la copla de Miguel de Molina o Concha Piquer entre muchos otros cantantes en varias actuaciones para Televisión Española. Ana Belén canta precisamente, de forma más melódica, el mítico tema Tatuaje, canción por excelencia de la gran estrella de la copla: Concha Piquer. En este álbum también participan cantantes como Antonio Carmona, Enrique Bunbury, Rosario, Luis Eduardo Aute, Antonio Vega, Joaquín Sabina, Marta Sánchez, Malú, Andrés Calamaro, David Bisbal, Pasión Vega, Carmen París y su propio marido Víctor Manuel entre otros.

Junto a este último proyecto discográfico de Tatuaje, Ana Belén también se involucra en 2007 en el disco La Zarzuela + pop cantando Bella enamorada, un trabajo musical que trata de acercar el género de la zarzuela al público joven mezclando e introduciendo dicho género en el pop actual. Ana Belén colabora junto a distintos cantantes como Pasión Vega, Chano Domínguez, Martirio o Jaime Urrutia, que ponen sus voces a clásicos como La verbena de la paloma. El álbum ha sido editado con el apoyo de la SGAE y el Teatro de la Zarzuela.

Este año comenzará a colaborar en la banda sonora de la película sudamericana Un mundo para Julius, adaptación de la novela del escritor Alfredo Bryce. Ana Belén interpretará junto a Luz Casal y la cantante peruana Cecilia Bracamonte los temas de esta banda sonora, escritos por Joaquín Sabina. La película, dirigida por el colombiano Simón Brand, comenzará a rodarse en febrero de 2008 y en ella participarán como actores el francés Olivier Martínez y los españoles Pilar Bardem y Carlos Bardem.

Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes

En 2007 también se le ha concedido la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes, galardón otorgado por el Ministerio de Cultura que será entregado en la catedral de Toledo el 12 de diciembre de 2007, en un acto presidido por los Reyes de España. Este premio también se lo concederán a diversas personalidades del mundo de la cultura como el cantante Paco Ibáñez, la actriz Nati Mistral, el cineasta Bernardo Bertolucci, el torero Enrique Ponce, el cocinero Ferran Adriá o la presentadora y actriz Cayetana Guillén Cuervo por su programa versión española de la 2 de Televisión Española.

Pagina: http://www.portalatino.com/platino/website/ewespeciales/anabelen/anabelen.htm

Aretha Franklin

Aretha Franklin es una cantante de soul, R&B y gospel. Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee). Apodada como "Lady Soul" o "Queen of soul" «La Dama (o Reina) del Soul» es para algunos una de las artistas más influyentes en la música contemporánea. A mediados de los '60 se consolidó como estrella femenina del soul, algo que usó en favor de los derechos raciales en Estados Unidos, siendo un elemento influyente dentro del movimiento racial y de la liberación femenina. Ha influido a decenas de artistas, como Whitney Houston, Mariah Carey, Janis Joplin, Natalie Cole, Christina Aguilera, etc.

Biografía

Infancia y formación

nació el 25 de marzo de 1945 en Memphis (Tennessee), y creció en Detroit. Era hija del predicador Clarence LeVaughn Franklin y la cantante de gospel Barbara Franklin. Su madre abandonó su familia cuando Aretha era aun una niña, y poco tiempo después murió. Su madre vio pronto el talento de Aretha, por lo que quiso que tomara clases de piano, pero ella lo rechazó y prefirió aprender por si sola con la ayuda de grabaciones. En este tiempo permanecía en un tour itinerante de gospel, donde uno de los primeros temas que interpretó fue "Precious Lord". Los genios del gospel Clara Ward, James Cleveland y Mahalia Jackson eran íntimos de su familia, por lo que Aretha creció rodeada de ellos. A pesar de vivir en este ambiente religioso, su vida no era nada eclesiástica, pues con tan solo quince años tuvo a su primer hijo, y dos años después tuvo el segundo.

Desarrollo artístico

Principios e influencias gospel en Cheker (1956-1960)

Las raíces gospel de Franklin son una de las huellas más personales e influyentes en su carrera. Con sus hermanas Carolyn Franklin y Erma Franklin (ambas mantuvieron también carreras en solitario) cantaba en la Iglesia Baptista de Detroit, la cual estaba regentada por su padre C.L. Franklin, un predicador baptista, apodado "La voz del millón de dólares" y uno de los principales confidentes del líder Martin Luther King. Aretha pasó toda su infancia dentro de este ambiente gospel y rodeada de voces del jazz como Dinah Washington y Ella Fitzgerald. Con tan sólo 14 años hizo su primera grabación para el sello Checker, The gospel soul of Aretha Franklin, en el que se podían oír composiciones gospel, con un potente sonido soul, lleno de melodías a piano, instrumento que dominaba desde su infancia. En 1960 viajó hasta Nueva York para tomar clases de técnica vocal y danza. En este tiempo empezó a grabar demos para enviar a las discográficas.

Etapa en Columbia y Harmony (1961-1966)

Tras un tiempo en el que Aretha comenzó a ser considerada una joven prodigio se comentaba que Motown estaba interesada en ficharla pero finalmente firmó con el sello Columbia, bajo la dirección de John Hammond. Aretha entró en Columbia como una artista soul, pero con el tiempo la compañía comenzó a adentrarla en su catálogo de jazz, como se demuestra en Unforgettable: a tribute to Dinah Washington (1964), en el que rinde homenaje a una de sus grandes ídolos. Aretha no estaba de acuerdo con esta guía, ya que se sentía como una artista soul y no como una dama del jazz. Esto fue lo que motivo la salida por decisión propia de Aretha en 1964. En esta época consiguió éxitos menores de los que destacan Operation heartbreak, Rock-a-bye Your Baby With a Dixie Melody, Lee Cross y Soulville. Tras su marcha de Columbia editó Songs of faith (1964) con la discográfica en que debutó y donde continuaba ese sentimiento gospel. Un año más tarde salió Once in a lifetime bajo el sello Harmony.

Revolución del soul (1967-1969)

Cuando Aretha abandonó Columbia para fichar por Atlantic, el productor Jerry Wexler se propuso sacarle todo el soul que llevaba dentro. El primer single en grabar dentro de Atlantic fue I never loved a man the way I love you, para lo que contaron con el acompañamiento de The Muscle Shoals en Alabama, a pesar de que la sesión de grabación del tema se tuvo que finalizar en Nueva York. Este tema ha sido avalado por muchos críticos como uno de las grandes canciones del soul, y la revista Rolling Stone escribió: "Franklin ha grabado su versión de la maravilla soul, un lamento sobre qué-mal-me-has-tratado, con los The Muscle Shoals, unos chicos blancos de Alabama". El single irrumpió en todas las radios, pero aún los haría con mucha más fuerza Respect -versión de un single que Otis Redding había grabado en 1965- con el cual Aretha se consagraba definitivamente. La canción se grabó en los estudios de Atlantic en Nueva York el 14 de febrero de 1967. A la versión original de Redding se le añadió un puente y un solo de saxo, de la mano de King Curtis; también se le añadieron los cambios de acordes del tema When something is wrong with my baby de Sam & Dave.

El 10 de marzo de 1967 se editaba el álbum I never loved a man the way I love you, que contenía los dos singles anteriores, además de temas como la versión de la canción de Ray Charles Drown in my own tears o las canciones de Sam Cooke Good times y A change is gonna come. Pero Aretha también contribuyó a este álbum como compositora con los temas Don't Let Me Lose This Dream, Baby, Baby, Baby, Save Me y Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business). Ese mismo año consiguió dos Grammy, siendo la segunda mujer en hacerlo. También en 1967 (4 de agosto) editó el disco Aretha arrives, del que se pueden destacar los temas "Satisfaction" y "Baby, I love you". Este segundo álbum en Atlantic alcanzó el número uno, pero no fue tan popular como su predecesor.

En 1968 lanzó Lady soul, con el que volvería a conocer el éxito masivo. El disco contenía hits de la música soul como Chain of fools, A natural woman o Ain't no way. También había colaboraciones de Eric Clapton en el tema Good to me as I am to you, temas de Ray Charles Come back baby, James Brown Money won't change you y el clásico de Curtis Mayfield People get ready. En el álbum colaboraban en los coros de The Sweet Inspirations, compuesto por Doris Troy, Dionne Warwick, su hermana Dee Dee Warwick y la prima de ambas Cissy Houston (madre de Whitney Houston). Seis meses después se lanzó Aretha now, que continuaba una cadena de éxitos con Think y el popular tema de Burt Bacharach I say a little prayer, y que con anterioridad había interpretado Dionne Warwick. En 1969, el álbum Soul'69 cerraba la década con el éxito de los singles River's invitation y Bring it on home to me.

Evolución hacia nuevos tiempos (1970-1979)

A finales de la década de los '60 y principios de los '70, Aretha empezó a hacer versiones de temas rock, pop y soul que ya habían sido grandes éxitos; entre ellos temas de The Beatles como "Let it be" o "Eleanor Rigby", Simon & Garfunkel como su versión tan famosa como la original de "Bridge over troubled water"; o artistas soul como Sam Cooke o The Drifters. A principios de los '70 el éxito de Aretha continuaba sin decaer, siendo ya una artista totalmente consagrada dentro del panorama musical internacional.

En 1970 editó dos álbumes. El primero fue "This Girl's in Love With You", era un álbum cargado de versiones: "Share Your Love With Me" de Bobby Blue Band, el ya múltiplemente versionado "Son of A Preacher Man", los éxitos de The Beatles "Let it be" y "Eleanor Rigby", el tema interpretado por Rotary Connection o The Staple Singers "The weight", "Dark end of the street" de James Carr... Pero en este álbum uno de los mayores hits extraído es "Call me", escrita por la propia Aretha. El título del álbum era un remake del tema de Burt Bacharach "This Guy's in Love With You". Ese mismo año (1970) editó también "Spirit in the dark", en el que vuelve a hacer versiones de B.B. King, Jimmy Reed y Dr. John. En este álbum contó con una instrumentación de lujo por parte de The Muscle Shoals, The Dixie Flyers y el guitarrista Duane Allman. Los dos singles extraídos del álbum fueron "Don't play that song" y el tema escrito por Aretha que daba nombre al álbum. En 1971 salió al mercado la grabación de una actuación en vivo "Aretha Live at Fillmore West", donde cantaba sus grandes éxitos, a la vez de versiones de Stephen Stills "Love the One You're With" y Bread "Make It With You". En este álbum aparecen el saxofonista King Curtis, y una versión de "Spirit in the dark" junto a Ray Charles. Hasta este momento Aretha seguía haciendo su soul sesentero, tan sólo con algunas variaciones como la inclusión de versiones de temas rock, pero en 1971 con "Young, gifted and black" su sonido empezó a adecuarse a los '70, con un sonido que precedía a la música disco y la inclusión de nuevos ritmos, a la vez de una nueva imagen. Tres de los mayores éxitos de este álbum están escritos por Aretha: "Day dreaming", "Rock steady" y "All the king's horses". Incluyó de nuevo versiones, como "The long and winding road" de The Beatles y "I've been loving you too long" de Otis Redding. En 1972 llegó el primer álbum totalmente gospel de su carrera, estaba grabado en directo junto a The Southern California Community Choir y James Cleveland. De este disco son famosas su versiones gospel de "You've got a friend", "Wholy Holy" de Marvin Gaye, "How I got Over" de Clara Ward o la tradicional "Precious memories".

Un año después, en 1973 llegó "Hey Now Hey (The Other Side of the Sky)", el último álbum de Aretha antes de sucumbir casi totalmente a la música disco. A parte de hits como "Angel" (compuesta por Carolyn Franklin), "Somewhere" (del compositor y pianista Leonard Bernstein) o "Master of Eyes (The Deepness of Your Eyes)" (escrita por Aretha y Bernice Hart), uno de los mayores impactos que produjo el álbum fue por su original y extraña portada. "Let Me in Your Life" en 1974, mostraba una nueva imagen de Aretha, con una portada en la que ya aparecía como una "diva" abrigada con un abrigo de piel. Seguía sonando a soul, pero su inclusión en la música disco es cada vez mayor. De este álbum salieron dos hits: "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)" interpretada anteriormente por Stevie Wonder y "I'm in love", escrita por Bobby Womack y convertida en éxito en 1968 por Wilson Pickett. Ese mismo año editó "With Everything I Feel in Me", donde de cierta forma empezó el declive de la artista; saliendo airosos tan sólo dos modestos temas "Without love" y la canción escrita por Aretha que da título al disco. Con "You" en 1975 llegó la caída momentánea, era un álbum en el que el esplendor vocal continuaba, pero la producción y composición no tenían nada que ver con lo anteriormente hecho, y de ahí que sólo se escuchara por muy poco tiempo el primer single, "It Only Happens (When I Look At You)". Pero tras un año de trabajo, Aretha se cruzó en el camino de Curtis Mayfield, y junto a él creó la banda sonora de la película "Sparkle", con lo que la cantante recuperaba en cierta forma su estatus musical. El single "Sparkle" fue un genial hit, "Giving Him Something He Can Feel" se convertía en un himno, y "Jumpt to it" rompía en las pistas de baile. Parte del éxito del disco fue por las letras creadas por Mayfield, además de una buena producción y los coros de Kitty Haywood Singers.

En el año 1977 lanzó dos álbumes, que tuvieron un modesto éxito, siendo bastante fugaces: "Satisfaction" y "Sweet passion" (de este último destaca el single "Break It to Me Gently"). En esta época de escasos éxitos para la cantante, en 1978 se juntó de nuevo con Curtis Mayfield, quien escribió "I needed baby" dentro del álbum "Almighty Fire". Aretha cerró la década con un álbum que llevaba por nombre aquello que en cierta manera le había hecho caer "La diva" (1979), en el cual se incluían temas escritos por la propia Aretha como "Ladies Only", "Only star", "I was made for you" o "Honey I need your love", de los que ninguno consiguió éxito. Este declive musical se debía sobre todo a la producción de sus álbumes, a la mala promoción y al poco empeño por parte de Atlantic en la carrera de Aretha; por lo que en 1979 decidió abandonar la compañía para firmar con Arista y el productor Clive Davis.

El nuevo sonido soul (1980-1997)

El 25 de octubre de 1980 comienza una nueva etapa para Aretha Franklin, ese día se lanza su primer álbum en Arista "Aretha". El álbum fue producido por Clive Davis y Chuck Jackson, y la promoción fue muy amplia, ya que ella era la primera artista importante que esta discográfica llevaba. Hay versiones al igual que hizo años antes, pero esta vez con un sonido bastante más pop, y totalmente acorde con los '80, entre estas versiones están "What a Fool Believes" de The Doobie Brothers y "I Can't Turn You Loose" Otis Redding. El mayor hit extraído del disco fue el tema "United together".

En 1981 llegó "Love All the Hurt Away", que se abría paso en el mercado con el single que da título al disco, un dueto entre Aretha y George Benson. Con este álbum Aretha volvía a los primeros puestos del panorama musical con un nuevo sonido que mezclaba el soul, rock, urban y quiet storm. Del álbum entraron en las listas de ventas dos temas más a parte del primer single: "It's my turn" y "Hold on! I'm comin'!", gracias al cual consiguió un Grammy. Pero en 1982 con el disco "Jump to it" llegó de nuevo el gran éxito. Con el tema "Jump to it" consiguió su primer número uno en más de media década. "Love me right" fue otro de los temas que salieron del álbum, consiguiendo también una buena aceptación. En este disco habían trabajado en la composición Luther Vandross, The Isley Brothers, Smokey Robinson y la propia Aretha, además todos ellos bajo la producción de Clive Davis, hizo que este fuera el mayor éxito de Aretha tras mucho tiempo en la sombra. Debido al éxito del álbum anterior en "Get it right" (1983) Luther Vandross creó la mayoría del material para el disco. "Every girl" y "Get it right", ambos temas escritos por Vandross gozaron de gran audiencia, al igual que en menor medida, la versión del tema de The Temptations "I Wish It Would Rain". En 1984 la discográfica Chess, con la que Aretha había empezado a trabajar en el gospel, editó un álbum grabado junto a su padre, Clarence LeVaughn Franklin, en vivo durante una sesión gospel. Llevaba por título "Never Grow Old".

En 1985 aretha vino con un álbum mucho más pop, "Who's Zoomin' Who?". Puesto que la carrera de [[Luther Vandross por este tiempo tomaba sus propias riendas como solista, el trabajo de composición que realizó en los dos últimos álbumes, en este lo hacía Narada Michael Walden. Este álbum fue hasta el momento el más laureado de Aretha en la compañía. Contiene algunos de los hits más fuertes de la década, como el reivindicativo "Sisters are doin' it for themselves" junto a Eurythmics. Otros tres singles tuvieron gran impacto en el público: "Freeway of love", "Another night" y "Who's zommin' who?". Por el tema "Freeway of love consiguió ganar dos Grammy. En 1986 se editó otro álbum titulado "Aretha", pero ésta vez con un ambiente mucho más rockero, visible además en su aspecto. Cosechó dos grandes hits con este disco: la canción "Jumpin' Jack Flash" producida por Keith Richards y perteneciente a la banda sonora del mismo nombre; y el dúo junto a George Michael "I Knew You Were Waiting (For Me)". Otros temas con bastante menos repercusión fueron "Jimmy Lee" y el dúo junto a Larry Graham "If You Need My Love Tonight". Quince años después de la grabación de "Amazing grace", en 1987 lanzó "One Lord, One Faith, One Baptism", el segundo álbum íntegramente gospel de su carrera. En él colaboran Erma Franklin, Carolyn Franklin, Mavis Staples, C.L. Franklin, Joe Ligon, Jesse Jackson y Jasper Williams.

Tras dos años de descanso, en 1989 editó "Through the storm", un álbum en el que se incluían duetos con grandes estrellas del momento: "Through the storm" con Elton John, "It isn't, it wasn't, it ain't never gonna be" con Whitney Houston, "Gimme your love" junto a James Brown y "If ever a love there was" en compañía de The Four Tops y Kenny G. El trabajo y la presencia en los escenarios de Aretha ya empezaba a ser menos constante, y sus álbumes no eran tan frecuentes como antes. En 1991 lanzó "What you see is what you sweat", del que salieron tres singles con alguna repercusión: "Everyday people", "Someone else's eyes" y "Every changing times" con Michael McDonald. En el álbum se incluye también la versión de "I dreamed a dream" que cantaría ante Bill Clinton. Contenía también un tema junto a Luther Vandross "Doctor's orders". Tras este álbum Aretha tardaría más de siete años en editar un álbum con temas nuevos, pero su paseo por los escenarios nunca cesó.

Asimilación al R&B contemporáneo (1998-2007)

Desde la edición de su anterior álbum , Aretha tardó mucho en ir de nuevo al estudio a grabar, pero en ese tiempo tuvo una intensa actividad sobre los escenarios estadounidenses. En 1993 y en 1997 cantó en las ceremonias de apertura del gobierno de Bill Clinton; y en 1995 recibiría un Grammy por toda su carrera. En 1998 demostró que era una de las estrellas de la música de nuestro siglo en el espectacula de VH1, Divas Live, donde actuó con algunas de las artistas que habían roto las listas de ventas en la última década como Mariah Carey, Celine Dion o Shania Twain. "The Queen of Soul", con tan sólo dos actuaciones se convirtió en la estrella de la gala, ridiendo al público a sus pies.

A finales de los '90, Aretha se había trasladado de forma definitiva a Detroit, y hablaba de comenzar a formar una discográfica propia. Uno de los principales motivos de esto era el promover las carreras musicales de sus hijos; Kecalf Cunningham, Eddy Richards y Teddy Richards.

En 1998 lanzó "A rose is still a rose", producido por P. Diddy y Lauryn Hill; siendo el primer álbum de Aretha dentro del R&B contemporáneo y el neo soul, con tendencias hip-hop.

En 2003 volvió con "So damn happy", colaborando con Mary J. Blige y con un sonido totalmente neo soul que en cierta forma volvía a sus raíces. Desde entonces está embarcada en el tour "The Queen Is On", que la lleva por todo Estados Unidos con gran éxito.

En 2007 aparecerá "A woman falling out of love", el primer álbum editado en Aretha Records, y en el que colaborarán artistas gospel como Shirley Caesar o The Clark Sisters, Fantasia Barrino y la estrella del country-pop Faith Hill. Al mismo tiempo está haciendo castings para encontrar cantantes para encarnar su vida en un musical autobiográfico.

Vida personal

Está divorciada dos veces, y es madre de cuatro hijos. Dos de ellos, Kecalf y Teddy, son personajes activos dentro del mundo de la música. Teddy es el director artístico y de la banda de músicos de Aretha en sus giras. Desde 1962 hasta 1969 estuvo casada con Teddy White. En 1978 se casó con el actor Glynn Turman, del que se divorciaría en 1984. Actualmente mantiene una relación desde hace años con Michael Reynolds.

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Belinda

Belinda Peregrín Schull (15 de agosto de 1989, Madrid[1] ) es una actriz y cantante mexicana de pop.

Biografía

Belinda Peregrín Schull mejor conocida como Belinda nació en Madrid, España, en el año 1989. A los cuatro años se fue a vivir a México. Belinda se considera mexicana. Hija de Ignacio Peregrín y Belinda Schull de decendencia española, tiene un hermano menor llamado Ignacio.

Belinda comienza su carrera dentro de la televisión infantil, ganando un casting de entre 1000 niñas. Belinda debutó como actriz en la telenovela mexicana infantil de Televisa Amigos por Siempre, acudiendo a un casting nacional, junto a 10000 niñas más, fue elegida para interpretar a Ana Capistrán, el personaje principal de la historia. Protagonizó otras telenovelas como Aventuras en el Tiempo, junto a Christopher Uckermann, y Cómplices al rescate, telenovela en la que interpretaba dos personajes simultáneamente. En esta última, no pudo continuar, y fue remplazada por la actriz Daniela Luján. Además de participar en la trilogía, Belinda colaboró en los soundtracks de estas telenovelas.

En 2003, fue lanzado su primer álbum internacional Belinda, fue bien recibido en Latinoamérica, principalmente en México, de él se desprenden los sencillos "Lo Siento", "Boba Niña Nice", "Ángel", "Be Free", y "Vivir", tema principal de Corazones al Límite, otra telenovela, en la que hizo una breve aparición.

Más tarde, ese mismo año, salió a la venta el DVD "Fiesta en la azotea", recopilación de algunos de sus múltiples conciertos en el Auditorio Nacional. También salió a la venta una edición especial de álbum, que incluye "No entiendo", una canción a dúo con el grupo español Andy & Lucas.

En 2005, colaboró con la banda mexicana Moderatto, en la canción Muriendo Lento, este tema originalmente fue grabado por Timbiriche.

En marzo de 2006, se inició la producción para la película de Disney Channel: The Cheetah Girls 2, protagonizada Raven-Symoné, Adrienne Bailon, Kiely Williams, y Sabrina Bryan; con Belinda en el reparto. La película se filmó en Barcelona. Se estrenó en Latinoamérica el 3 de diciembre de 2006.

El 3 de octubre de 2006, salió a la venta su segundo álbum de estudio Utopía, junto a ella colaboraron algunos famosos compositores y productores como Jimmy Harry, Lester Méndez, Kara Dioguardi, Greg Wells entre otros. El primer sencillo "Ni Freud, Ni Tu Mamá", puede ser escuchado en su MySpace Oficial y con el que ha alcanzado primeros lugares en latinoamerica y europa. Sony BMG lanzó una recopilación de las canciones de Belinda más conocidas en el 2006 para así cerrar el contrato con dicha compañía, incluyendo los temas de las telenovelas en las que ha participado, bajo el nombre de Belinda Total. También en el mes de octubre, Belinda ha anunciado que viajará a Los Ángeles por una semana para grabar una versión en inglés de "Utopía", que será lanzada en Estados Unidos, Europa y Asia en 2007.

Desde el 31 de marzo, Belinda esta realizando la gira de la Rockola Coca-Cola alrededor de la República Mexicana, para luego comenzar con el Tour Utopía.

Belinda es una de las cantantes más jovenes mexicanas que han logrado llevar su música a todas partes del mundo, transmitendo su alegria, música, carisma y belleza.

La prensa, la gente y sus fans la han denominado la nueva "Princesa del pop latino". Única, sin competencia y con mucho futuro.

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Jeff Buckley

Jeffrey Scott Buckley (17 de noviembre de 1966 - 29 de mayo de 1997) fue un cantautor y guitarrista estadounidense. Conocido por su peculiar voz de al menos cuatro octavas y media, los críticos consideraron a Buckley como uno de los artistas más prometedores de su generación tras la publicación en 1994 de su álbum debut Grace. Sin embargo, en la cumbre de su popularidad, Buckley murió ahogado mientras nadaba. Su trabajo y estilo siguen siendo reconocidos por la crítica y por los músicos.

Carrera

Nacido en Los Ángeles, California, Jeff Buckley fue el único hijo de Mary Guibert y Tim Buckley. Su padre era compositor y publicó una serie de discos de folk y jazz muy aclamados a finales de los 60 y principios de los 70, hasta su inoportuna muerte en 1975. Su madre era de ascendencia panameña, y su padre provenía de una familia de emigrantes irlandeses de Cork. Buckley se crió con su madre y su padrastro, Ron Moorhead, en el sur de California, moviéndose continuamente por el condado de Orange. También tenía un hermanastro, Corey Moorhead. Durante su infancia fue conocido como Scott "Scottie" Moorhead pero cuando tenía aproximadamente 10 años decidió tomar su nombre de nacimiento tras conocer a su padre (a quien no volvió a ver), aunque para su familia siguió llamándose Scottie.

A los 18 años se trasladó a Los Ángeles, donde se graduó en el curso de dos años del Musician's Institute. Buckley siempre se refirió a su paso por éste centro como una "pérdida de tiempo", aunque hizo amigos de por vida allí. Su bagaje musical se reflejó en aquellas bandas en las que participó antes de iniciar su carrera en solitario. En Los Ángeles formó parte de la banda de reggae Shinehead, así como en otras bandas en las que normalmente se limitaba a tocar la guitarra. Todavía tenía que descubrir su espléndida voz, incluso sus propios compañeros de grupo.

Buckley se trasladó a Nueva York en 1990. Su debut en público como cantante fue una actuación en 1991, un tributo a su padre, Tim Buckley, en la iglesia de St. Ann de Nueva York. No se le pagó como intérprete. Simplemente eligió mostrar sus respetos a su padre diciendo: "Esto no es un trampolín, esto es algo muy personal". Interpretó "I Never Asked To Be Your Mountain" con Gary Lucas acompañándole a la guitarra, y cantó una versión a capella de "Once I Was", que dejó al auditorio en completo silencio. Cuando se le preguntó por este concierto en particular, Buckley contestó que "no era mi trabajo, no era mi vida. Pero me sentía mal por no haber estado presente en su funeral (de su padre), de que nunca tuve la oportunidad de decirle nada. Aproveché ese concierto para mostrarle mis últimos respetos".

Buckley se convirtió pronto en intérprete solista habitual en el café Sin-é de Greenwich Village, donde atrajo la atención de los ejecutivos de Columbia Records. En 1993 Columbia publicó un EP de cuatro temas grabados en el café Sin-é.

Grace

Buckley tocó con el guitarrista experimental Gary Lucas y su banda Gods and Monsters. En 1994, Buckley publicó su disco debut Grace, compuesto por diez canciones. Las ventas progresaban lentamente, pero el álbum enseguida recibió las alabanzas de la crítica y el aprecio de otros músicos (entre ellos Jimmy Page, Robert Plant, Bob Dylan, Thom Yorke, Neil Peart y Paul McCartney). Muchos consideran su versión del Hallelujah de Leonard Cohen como la grabación definitiva de dicha canción y probablemente sea la más conocida de Buckley.

El intento de Buckley de preservar su integridad artística y creativa frente a las exigencias intolerables de la industria discográfica le llevó a una situación insoportable. Tras la publicación de su primer y aclamado disco, Buckley pasó más de dos años de gira por todo el mundo. Parecía ser una forma agotadora pero eficaz de mantener la independencia de su compañía discográfica, con la que mantenía una relación bastante tensa. En 1995 Buckley realizó un concierto en el Olympia de París, un local que había hecho famosa a la cantante francesa Édith Piaf y que él consideró el mejor de toda su carrera.

También realizó una gira conocida como "phantom solo tour". La inició en diciembre de 1996 utilizando diversos seudónimos como Father Demo, Topless America, Smackcrobiotic, The Halfspeeds, Crackrobats, y Martha and the Nicotines. Como justificación a tan misteriosa gira, Buckley publicó una nota en internet argumentando que había perdido el anonimato de tocar en pequeños locales y cafés:

Hubo una época en mi vida no hace mucho tiempo en la que podía llegar a un café y hacer simplemente lo que quería, hacer música, aprender tocando mi música, explorar lo que ello significa para mí, por ejemplo divirtiéndome mientras aburro o entretengo a una audiencia que no me conoce o que no sabe a qué me dedico. En esta situación me puedo permitir el precioso e irremplazable lujo de equivocarme, de arriesgarme, de rendirme. He trabajado muy duro para conseguir todo esto, este entorno donde trabajar. Lo amaba y ahora que lo he perdido lo echo de menos. Lo único que estoy haciendo es reclamarlo.

Muerte

Hay muchas teorías sobre la muerte de Jeff Buckley. Pero la verdadera historia sobre su muerte es la que se muestra en el documental que emitió la BBC hace unos años. Es cierto que se ahogó en el río Wolf, en Memphis (Tennessee) el 29 de mayo de 1997 a la edad de 30 años, la tarde en que su banda había llegado a Memphis para comenzar la grabación de su segundo disco, que iba a llamarse My Sweetheart the Drunk. Aquel día estaba en la orilla del río Wolf con un amigo, escuchando Whole lotta love, de Led Zeppelin, cuando de repente, Jeff se levantó y se fue metiendo en el agua totalmente vestido, su amigo giró para subir el volumen y cuando volvió Jeff había desaparecido. Su cuerpo fue encontrado desnudo cinco días después al final de Beale Street, la legendaria cuna del blues; pudo ser identificado por el característico piercing que llevaba en el ombligo.

También se ha especulado sobre la posibilidad de que Buckley se hubiese suicidado. La biografía escrita sobre él y su padre, Dream Brother, revela que la noche anterior a su muerte Jeff supuestamente había confesado a varios de sus seres queridos que padecía un desorden bipolar. Hay mucha controversia sobre si su muerte fue o no un accidente.

Tras la muerte de Buckley, algunas de las demos grabadas para su segundo álbum fueron publicadas bajo el nombre de Sketches for My Sweetheart the Drunk. Se han publicado otros tres discos con grabaciones en vivo, así como un DVD de un concierto en Chicago.

El trabajo de Buckley, aparentemente anómalo con su época, ha tenido una influencia enorme. Se han escrito numerosas canciones en su tributo, entre las que destacan "Memphis" de PJ Harvey, "Blind River Boy" de Amy Correia, "Memphis Skyline" de Rufus Wainwright, "Wave Goodbye" de Chris Cornell, "Song For A Dead Singer" del grupo belga Zita Swoon, varios temas del grupo de New Jersey Ours. Vocalistas como Thom Yorke de Radiohead y Matt Bellamy de Muse se reconocen a sí mismos como influenciados por su voz.

El padre de Jeff Buckley, Tim Buckley, también era músico. Publicó una serie de discos de folk y de jazz muy elogiados a finales de los años sesenta y principios de los setenta antes de morir también a una edad temprana en 1975. Su madre, Mary Guibert, nació en Panamá y tocaba el piano. Algunos fans de Buckley le han acusado de explotar la memoria de su hijo, pero resulta una afirmación posiblemente exagerada.

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Chicago

Chicago es, junto con Blood, Sweat & Tears (BS&T), la banda más representativa de lo que se dio en llamar Jazz Rock. Se fundó en la ciudad de su mismo nombre, en 1967, aunque inicialmente se denominó Chicago Transit Authority, nombre que debieron recortar por problemas jurídicos con el ayuntamiento de la ciudad. El grupo aún permanece en activo en 2007.

El comienzo: 1967-1968

La banda estuvo integrada, inicialmente, por Lee Loughnane (trompeta), James Pankow (trombón), Walter Parazaider (saxos, flauta), Robert Lam (voz, piano, órgano), Terry Kath (guitarra, voz), Peter Cetera (bajo, voz) y Danny Seraphine (batería, percusión). Al contrario que BS&T, Chicago mantuvo esta formación bastante estable, a lo largo de su historia.

El grupo se formó en el invierno de 1967, a partir del núcleo de la banda de Kath, Parazaider y Seraphine, que se llamaba The Missing Links, durante una jam session en la Universidad De Paul, cuando se les unieron en el escenario Pankow y Loughnane. El nuevo grupo se llamó The Big Thing, y se completó poco después con Cetera y Lam. Fue éste quien embarcó a la banda en una gira a Los Angeles, donde, ya bajo el nombre de Chicago Transit Authority, cosecharon un inesperado éxito.

Ese mismo año, el productor James William Guercio, decidió tutelarlos y, por ello, renunció a producir el primer disco de BS&T, tal como le había pedido Al Kooper. Sí produjo, sin embargo, el segundo, aunque sólo después de que CBS le hubiese dado luz verde a la grabación del primer álbum de "sus chicos".

La etapa creativa: 1969-1971

El primer álbum

El primer álbum apareció bajo el nombre del propio grupo, Chicago Transit Authority (Columbia, 1969) y se trató de un disco doble. Algunos de los cortes incluidos en este primer álbum doble son esenciales en el sonido del rock americano de finales de esa década: el progresivo y, como se decía entonces, underground I'm a man; la electrizante Free from guitar; temas robustos y sólidos, como Introduction; verdaderas joyas pop como Does anybody really know what time it is? o Beginnings, con su set final de percusión... El álbum tuvo un impacto mediático enorme y logró índices de venta suficientes en todo el mundo, como para que el grupo realizara una primera gira por Europa, en otoño de 1969.

En España, este primer álbum doble, por razones de cautela comercial de CBS, se publicó como dos albums sencillos e independientes entre sí, con varios meses de diferencia: Chicago Transit Authority y I'm a man.

II & III

Un año más tarde, la banda publicó su segundo álbum doble, bajo el título de Chicago II (1970). Este nuevo disco contenía varios hits, como 25 or 6 to 4, y algunas de sus obras maestras: La suite Ballet for a girl in Buchanan, en siete partes, o el tema Poem for the people. También incluyó una hermosa composición de música contemporánea, compuesta por Terry Kath y orquestada por Peter Maty, llamada Prelude / Mourning; además de algunos buenos temas temas pop, como Where do we go from here?.

El tercer disco, también doble, llamado, por supuesto, Chicago III (1971), abundó en la misma línea que el anterior, y tiene también un buen nivel creativo, aunque es inferior a los dos anteriores. Incluyó también tres suites, entre las que destaca la poderosa An hour in the shower, cantada por Kath. No hubo, en este caso, ningún superhit, aunque el disco logró muy buenas ventas.

Decadencia creativa, Éxito comercial: 1972-1977

Ese mismo año, la banda rizó el rizo con la publicación de un cuádruple álbum en directo, Chicago IV (1971), que no aportó realmente nada a su discografía. Su época de oro pareció claramente concluida con el disco Chicago V (1972) que, aún cuando contenía algunos buenos temas (Dialogue, A hit by Varese...) y algún hit remarcable (Saturday in the park), carecía ya del nivel creativo de los tres primeros.. Ese mismo año, se publicó otro álbum en directo, Live in Japan (1972).

Los siguientes años vieron cómo el grupo sacaba nuevos discos a un ritmo infernal (6 discos en 5 años). El grupo se había reforzado con un percusionista, Laudir de Oliveira, que ya había colaborado con ellos en algunas giras, y la producción seguía en manos de Guercio, pero su música fue perdiendo fuelle creativo, lo que no obstó para que mantuvieran un considerable éxito comercial, especialmente con su álbum Chicago X (1976), que contenía su más conocido hit: If you leave me now, una hermosa balada, cantada por Cetera, que fue un éxito a nivel mundial y motivó una nueva gira por Europa.

La crisis: 1978-1983

En 1978, Guercio abandona definitivamente la producción del grupo, y la banda entra en una profunda crisis. Terry Kath muere de un disparo cuando jugaba a la ruleta rusa, y su puesto lo cubre el guitarrista Donnie Dacus. Los siguientes discos, Hot streets (1978) y XIII (1979), producidos por Phil Ramone, son un fracaso comercial y artístico, igual que el mediocre XIV (1980). Por primera vez desde la aparición del grupo, un nuevo disco de Chicago no entraba en las listas de ventas de Billboard, ni siquiera en los últimos puestos.

Musicalmente, la banda cae en una repetición monótona de esquemas, abusando de los sonidos Soft Rock, y clonando sucesivas baladas cantadas por Cetera, en un intento de reeditar el éxito de 1976. Durante la gira 1982-83, Dacus es sustituido por Bill Champlin, y el disco que se publica ese año, Chicago 16, vuelve a entrar en las listas de ventas. Así, parece terminarse la crisis.

La supervivencia: 1984-2007

El disco Chicago 17 (1984) es el último que graba Peter Cetera, el cual decide abandonar la banda e iniciar una aventura discográfica de manera solitaria. Y el elegido, tras realizar numerosas audiciones, es Jason Scheff, quien se ajustaba a lo que la banda estaba buscando (un buen cantante, con un cierto toque "Cetera" y un gran bajista, hijo del bajista que solía acompañar a Elvis Presley). Algunos cambios más se producen en la década de 1990, año en que Danny Seraphine abandona el grupo y es sustituido por Tris Imboden. Algunos años después (1995), Keith Howland se une al grupo como guitarrista definitivo, al convencer al resto de la banda. Según declaraciones de miembros de la banda, desde la muerte de Terry Kath no habían encontrado el sonido ni el toque de guitarra que buscaban, hasta la aparición de Keith Howland; sonido que no habían encontrado en guitarristas como Donnie Dacus, Chris Pinnick o Dwayne Bailey.

En todo este período, Chicago sigue sacando discos con regularidad y realizando giras por USA. Los discos de estudio, desde luego, ya no tienen ningún interés musical, refugiados en su cómodo soft-rock, ni tampoco logran grandes ventas. No es el caso de los recopilatorios, que se siguen editando cada cierto tiempo y que logran mejores resultados comerciales.

El grupo sigue en activo en 2007 y con una agenda repleta de conciertos, debido a su nuevo disco de estudio Chicago XXX, un disco con ciertos toques, muy lejanos, del Chicago antiguo y en donde se reflejan esas baladas que son tan características de la banda.

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Juan Carlos Baglietto

Juan Carlos Baglietto es un músico y compositor argentino, nació en Rosario el 14 de junio de 1956. Formó parte de varios grupos chicos, hasta que integra la banda "Irreal", en 1980, junto a Juan Chianelli (teclados), Jorge Llonch (bajo), "Piraña" Fegundez (flauta), Alberto Corradini (guitarra) y Daniel Wirtz (batería). Lograban convocar bastante gente en sus shows, pero fueron implacablemente perseguidos por la censura del Proceso.

A mediados de 1981 Baglietto se lanza como solista. Realiza su presentación en la Capital, pero no logra trascendencia hasta consagrarse como la revelación del Festival de La Falda de 1982. Para ese entonces había armado un grupo soporte, con Silvina Garré como corista, Fito Páez como tecladista, Rubén Goldín en guitarra, Sergio Sainz en bajo y José "Zappo" Aguilera en batería. Esta fue la banda con la cual grabó "Tiempos difíciles", el primer álbum de rock argentino en alcanzar el disco de oro. Muchos de sus temas, como "Mirta, de regreso" o "Era en abril", alcanzaron una gran difusión en las radios de Buenos Aires y esto fomentó el éxito de las presentaciones del material, en Obras, en plena Guerra de Malvinas. Este éxito frenó un poco las ventas de "Actuar para vivir", su sucesor.

En mayo de 1983 se organiza "El Rosariazo", un concierto en Obras de todos los músicos rosarinos. Baglietto se presenta junto a Litto Nebbia, Silvina Garré y Fabián Gallardo. Su banda realiza cinco llenos totales en el teatro Astral, para presentar la placa "Baglietto".

En noviembre de 1984 se realizó el show "Por qué cantamos", junto a Celeste Carballo, Nito Mestre y Oveja Negra.

"Modelo para armar" (1985) es el primer disco sin la participación de Fito Páez y en el cual Baglietto intenta hacer un quiebre con el estilo que lo caracterizaba. Para ello grabó todo material nuevo, compuesto especialmente.

"Acné" (1986) es un homenaje «a lo que fue la música con la cual crecí». De esta manera, se eligieron temas que no hayan sido hits, como por ejemplo "Los días de Actemio" (de Los Gatos) o "Tema de Pototo" (de Almendra).

En septiembre de 1986, se presentó ante cien mil personas en el Monumento a la Bandera de Rosario, Argentina, como parte de los festejos por los Mil Días en Democracia, junto a Fito Páez, Silvina Garré y Antonio Tarragó Ros.

"Mami" (1988) fue registrado tras un año y medio de silencio, con el acompañamiento de Sergio Sainz (bajo), Eduardo Rogatti (guitarra), Marco Pusineri (batería) y Rubén Goldín (coros).

Desde el segundo disco, Baglietto y Garré habían compartido escenarios en forma esporádica. En el '90 tomaron la decisión de hacer un show conjuntamente y grabar un disco en vivo. «El encuentro da la posibilidad de mostrar cuán distintos podemos ser. Con los años hemos ido alejándonos en estilo, pero eso se puede compartir», justificaban.

Su siguiente trabajo, "Ayúdame a mirar" (1990), es una placa totalmente acústica, con guitarras y percusión, para la cual variedad de compositores aportaron material: Adrián Abonizio, Rubén Goldín, Chico Buarque, Mezo Bigarrena y Joaquín Sabina, entre otros.

Junto a Lito Vitale encararon un proyecto musical que desembarcó en "Postales de este lado del mundo", disco que incluía temas de populares autores criollos, como Carlos Gardel, Homero Manzi, los hermanos Expósito, Mariano Mores y Enrique Santos Discépolo.

"Luz quitapenas" (1996) fue el reencuentro con los músicos que lo acompañaron en la primera época: Adrián Abonizio, Fito Páez, Jorge Fandermole y Rubén Goldín.

"15 años" (1998) fue grabado en vivo durante unos shows en el teatro Opera. El álbum es una recorrida por los éxitos más importantes del rosarino con la participación de grandes figuras como León Gieco, Fito Páez, Ana Belén, Joaquín Sabina y Alejandro Lerner.

En el 2001 retomó el trabajo conjunto con Lito Vitale, junto a Lucho González como músico invitado. En 2006 despues de varios años sin su banda edito Sabe Quien un disco para aprovechar las bellezas de grandes compositores com Abonizio,Fandermole etc

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Marisa Monte

Marisa Monte (Marisa de Azevedo Monte de nombre real, 1 de julio de 1967, Río de Janeiro) es una de las cantantes brasileñas más originales de los años 1990, no sólo por su asombrosa voz sino también por su gusto para el riesgo artístico.

Biografía y trayectoria musical

Estudió piano en la infancia, pero su primer interés musical estaba en los tambores, que comenzó a tocar a los nueve años de edad cuando recibió por su cumpleaños una batería. Posteriormente aprendería a tocar la guitarra. En la adolescencia, estudió canto lírico y participó en un montaje del musical Rocky Horror Show, llevada a escena por alumnos de teatro del Colegio Andrews, y dirigida por Miguel Falabella. En 1985, al contar con la mayoría de edad, permaneció diez meses en Italia para estudiar canto, pero desistió del género lírico y pasó a cantar música brasileña, acompañada por varios amigos, en pubs y locales frecuentados por gente de la noche. En esa época, en Venecia, la escuchó Nelson Mota, el que sería el director de Tudo veludo, un show que se estrenaría en 1987 en el canal JazzMania, en Río. El éxito fue inmediato, de público y de crítica. A pesar de no haber grabado todavía su primer disco, fue considerada una de las más prometedoras voces de la música popular brasileña.

En 1988 lanzó su primer disco, MM (EMI). Destacó su repertorio ecléctico, que incluía una versión del tema de George Gershwin titulado «Bess, You Is My Woman Now» y una versión reggae de «I Heard It Through the Grapevine».

El segundo disco, Mais (1991), marcó su estreno como compositora y fue bien recibido en numerosos países como EEUU, Japón y muchos de Europa e Iberoamérica, impulsando su carrera internacional. Para este disco contó con el apoyo de los artistas Caetano Veloso, Cartola y Pixinguinha.

El disco Verde, Anil, Amarelo, Cor-de-Rosa e Carvão, lanzado en 1994, contó con una mayor aportación y participación de artistas conocidos tales como Gilberto Gil, Paulinho da Viola, Carlinhos Brown, Nando Reis (Titãs), Laurie Anderson y Naná Vasconcelos.

En 1996 lanzó Barulhinho Bom (A Great Noise), con dos CDs, uno con una actuación en vivo y otro con un vídeo en el que aparece con Os Novos Baianos, Arnaldo Antunes y Pastoras da Portela entre otros, y en el que se recogen escenas de la grabación del disco. Posteriormente editó un libro que contenía fotos suyas y sus composiciones tanto poéticas como musicales.

Estuvo trabajando durante largo tiempo en los estudios, con la colaboración y producción de Arto Lindsay, para sacar en 2000 el disco titulado Memórias, Crónicas, e Declaracões de Amor. En 2002 formó, junto a Arnaldo Antunes y Carlinhos Brown, Tribalistas. El single «Já sei namorar» fue número uno en las principales listas de las radios tanto de Brasil como de muchos otros países.

Después del nacimiento de su primer hijo Mano Wladimir en 2002, Marisa se dedicó a dos proyectos paralelos y muy diferentes: una profunda investigación del samba carioca y la creación de músicas con Carlinhos Brown, Arnaldo Antunes, Nando Reis, Adriana Calcanhotto, Marcelo Yuca y Seu Jorge, que resultaron en el lanzamiento simultáneo, en 2006, de "Universo ao Meu Redor", (con sambas de compositores históricos y contemporáneos) e "Infinito Particular" (con sus nuevas músicas y asociaciones). Ambos tuvieron gran éxito popular y de crítica, resultando en una exitosa vuelta a los palcos después de seis años y una nueva gira internacional.

También cabe destacar entre sus composiciones algunas otras como «Ainda lembro», «Ao meu redor» y «Aonde você mora?» (las tres con Nando Reis); «Beija eu» (con Arnaldo Antunes y Arto Lindsay); y «E.C.T.» y «Na estrada» (ambas con Nando Reis y Carlinhos Brown).

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