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Chala Rasta

2009-11-20T12:02:00.002-03:00

Chala Rasta es una banda de reggae del sur del Gran Buenos Aires, nacida en julio de 1990, con la particularidad que ninguno de los integrantes provenía de una formación anterior, sino que todos iniciaban su camino en la música.

Con Christian Gordillo (guitarra y voz) y Alejandro “Pelado” Fernández (bajo) como referentes, la banda cambió varias veces el resto de sus integrantes. En octubre de 2002 el “Pelado” dejó la banda para radicarse en España y de esta forma Christian Gordillo quedó como único e indiscutido líder.

Chala Rasta editó siete cassettes : “BRAZO MORENO” (1994), “RAICES” (1996), “EL AGUILA” (1997), “VOLVER A NACER” (1998), “AFRICA” (1999), “ESPIRITU” (2001) y “CAZA DE BRUJAS” (2003).En el año 2000 se presentó la oportunidad de “GONDWANA”, primer CD de la banda, que fue grabado y mezclado en ABD récords. Como músicos invitados participaron Miguel Angel Tallarita (actual trompetista de Los Pericos), Rubén Mederson (saxo) y Arturo Bisogni (percusión).A comienzos de 2002 salió a la luz una nueva producción en CD: “7° HIJO”, realizada, esta vez, en forma independiente. Este trabajo fue grabado, masterizado y mezclado en los estudios “Del Abasto al Pasto" y "Panda Récords”, con la participación, como músicos invitados, de Pablo Memi (contrabajo –ex bajista de Los Ratones Paranoicos-), Jason (trompeta –de La Vela Puerca-), Alejandro Pozzo (trombón –de Rey Gurú-) y Claudio Illobre (teclados –de Los Cafres-). En enero de 2004 se grabó el octavo demo de la banda, “CINTURON VACIO”, esta vez en CD. También se realizó la reedición de “CAZA DE BRUJAS” en el mismo formato.

En cuanto a las presentaciones de CHALA RASTA, se debe destacar la ya habitual gira de todos los años por la Costa Atlántica y varias giras por Bariloche, que se realizaron en los primeros años de la banda y se volvieron a repetir, en dos oportunidades y con gran suceso, durante invierno y primavera de 2002. A partir de 2003, las Giras de Invierno pasaron a llamarse "Gira Patagónica", ya que dejaron de concentrarse en San Carlos de Bariloche, para extenderse a varias ciudades del sur argentino, entre las que se puede mencionar San Martín de los Andes, Junín de los Andes, Las Leñas, El Bolsón, Villa La Angostura, Neuquén, Plaza Huincul, Zapala, Cipolletti, Villa Regina, Trelew, Rawson, Puerto Madryn y Puerto Pirámide. En más de quince años ininterrumpidos es innumerable la cantidad de recitales, sobre todo si se tiene en cuenta que en cada una de las giras por la costa se hacen un promedio de 90 shows y, por ejemplo, en la Gira de invierno 2003 se llevaron a cabo 120 presentaciones.De toda la historia de la banda podemos rescatar algunos recitales en particular: Los ofrecidos el 8 de abril de 2000 (ante 650 personas), el 7 de abril de 2001 (al que asistieron 750 personas) y el 5 de abril de 2003 (con la presencia de casi 950 personas) en el Teatro Payró de Banfield, superando, en los tres casos, la capacidad del lugar. El recital en el Teatro IFT de Capital Federal, el 23 de septiembre de 2000, donde se llevó a cabo la presentación oficial de “GONDWANA”, con una cantidad de publico superior a las anteriores citadas. La noche del 6 de abril de 2002, fecha en que fue presentado oficialmente “7° HIJO” en la Cámara de Comercio de Lomas de Zamora ante, también, más de 800 personas. Y, por último, la tarde del 21 de septiembre de 2002, en el Centro Cívico de Bariloche, ante más de 1200 personas. Aunque también, no por la cantidad de público sino por lo significativo del hecho, se destaca la presentación del 3 de agosto de 2003 en Punta Princesa, en la Cima del Cerro Catedral (Bariloche), ya que nunca se había realizado allí un espectáculo musical. Los integrantes de la banda debieron transportar instrumentos y equipos a través de las aerosillas, convirtiendo el show en una verdadera proeza.El mes de octubre de 2003 marcó una serie de sucesos muy importantes para CHALA RASTA.

En la madrugada del día 11 se realizó la primer presentación en vivo en “Rock & Pop”, la radio más escuchada en Argentina, en el programa “La de Dios”, donde se tocaron más de 20 temas. El día 21 la banda se presentó nuevamente en “Rock & Pop”, esta vez en “Cuál es?”, el programa de mayor audiencia en FM, conducido por Mario Pergolini, volviendo a tocar en vivo. Finalmente, el viernes 24 se llevó a cabo el primer show en Cemento como única banda, a donde concurrieron alrededor de 1300 personas.El Recital de Reencuentro tras la Gira por la Costa 2004 también se realizó en Cemento, el 17 de abril de ese año. Esta vez la concurrencia superó las 1600 almas que vibraron al son de un show que duró más de cuatro horas.

CHALA RASTA está siempre dispuesto a participar en recitales a beneficio, de hecho lo realizó en diversas oportunidades. Esa predisposición se debe no sólo al espíritu solidario del grupo, sino también a que todos los integrantes de la banda saben que los seguidores responderán masivamente. Una muestra clara de esto es el recital realizado el 1º de mayo de 2004 en la Plaza Grigera de Lomas de Zamora, a beneficio de dos comedores municipales, al que concurrieron 3000 personas que aportaron innumerable cantidad de alimentos, ropa y útiles escolares, transformando esa tarde, además de una jornada inolvidable por la ayuda brindada, en el momento de mayor convocatoria de la agrupación.Casi un año después, más exactamente el 17 de abril de 2005, en ocasión del Recital de Reencuentro tras la Gira por la Costa 2005, nuevamente la Plaza Grigera (esta vez a beneficio del comedor comunitario "La merienda" ) se vio desbordada. Esta vez fueron más de 5000 almas las que acompañaron a la banda. Afortunadamente la popularidad y adhesión del público va creciendo día a día, transformando a CHALA RASTA en una de las bandas más convocantes del reggae nacional.Un momento que llenó de orgullo al grupo fue cuando la productora televisiva Pol-ka seleccionó el corte “Milagrero” (de “GONDWANA”) para cerrar dos de los más importantes capítulos de la exitosa tira “Campeones” (Canal 13), los días 24 de agosto de 2000 y 8 de enero de 2001. Pero más que lo antedicho, lo que enorgullece a CHALA RASTA es la fidelidad de sus seguidores y las demostraciones de apoyo incondicional ante diversas vicisitudes: Llenando la sala de un teatro ante la presentación de un disco o brindándose por entero ante momentos adversos. Esto último es en clara referencia a un pavoroso incendio que se ha sufrido en el mes de mayo de 2001, que destruyó totalmente la sala de ensayo y ocasionó cuantiosas pérdidas (instrumentos, equipos, material en general). La banda tuvo que empezar, nuevamente, desde cero. Eso sirvió para fortalecer aún más la idea de que nunca se debe bajar los brazos.La esencia del grupo es, principalmente, hacer frente a las injusticias, pelear por una vida digna y no dejar que las fuerzas decaigan. El alma de CHALA RASTA está en las letras de sus canciones, que dicen lo que todos saben pero pocos cuentan.

Pagina: http://www.chalarastareggae.com/

Farenheit

2009-11-20T09:41:00.002-03:00

Julio Lastra y Gonzalo Romero se juntaron en La Plata y le dieron forma a esta banda, con la cual tocaron nueve años hasta que tuvieron la oportunidad de grabar un tema en un disco, junto a otras doce bandas, por haber llegado a las finales del Primer Certamen Libre de la Nueva Música Popular, auspiciado por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires.

Litto Nebbia se interesó por ese trabajo y les produjo el álbum debut, "Free Rock", en 1990. Ganaron un premio en el Festival de Cine de Mar del Plata, por la banda de sonido de un cortometraje.

Formacion:
Gonzalo Romero: guitarras y coros
Julio Lastra: batería y percusión
Leonardo Giordano: piano y teclados
Lolo Micucci: piano, teclados y coros
Ricardo Baldoni: bajo
Sergio Coronel: voz

Eddie C. Campbell

2009-11-20T09:29:00.002-03:00

Si hay algun lugar en el mundo donde se haya asentado y luego prosperado el blues, ese sitio, sin lugar a dudas o discusiones es Chicago, y si hay alguien que haya colaborado en definir el sonido WEST SIDE de la Ciudad, ese es Eddie Campbell, a quien el Festival de blues de Chicago le dio el sitio de honor de cerrar una de las noches mas importantes, coincidente con su 70 aniversario y con la edicion de su ultima creacion, Tear the world up, un soberbio cd publicado por Delmark, la mas importante y antigua grabadora de blues de la ciudad de los vientos.

Vamos por pasos a seguir la vida y la carrera de este Bluesman mississippiano (Duncan, Mississippi, 1939), un viejo conocido de los argentinos, con mas de 5 giras por el pais.

Como muchos sureños, Eddie fue criado en la granja de su abuela, en Mississippi, hasta que a los seis años se mudo con su madre a Chicago. si bien la esclavitud habia sido abolida casi ochenta años antes y que el final de la segunda guerra mundial marcaria el lento y penoso ascenso social de los afro-americanos, el Sur aun era un lugar peligroso si uno tenia un color oscuro.

Desde la abolicion, muchos afroamericanos habian migrado hacia las populosas ciudades del norte, donde, ademas de tener mejores trabajos con mejores salarios, podian integrarse entre la poblacion y disfrutar de una libertad inconcebible en el estado de Mississippi, lejos d ela opresion y los linchamientos, pan de cada dia.

"Cuando era chico, en el colegio, todos tenian una novia y yo no. Aquello me obsesionaba. Pense que la mejor forma de lograrlo seria tocando la guitarra".

En su cumpleaños numero 9 el rumbo de la vida de Eddie se marco para siempre: su madre le regalo una guitarra y le llevo a ver, por primera vez en el 1125 club de la West Madison street, a Muddy Waters, de quien por simple observacion aprendio sus primeras canciones y con quien a los 12 años compartiria escenario.

Ya para mediados de los 50's, Eddie era un asiduo concurrente a los bares de Chicago y formaba parte la banda de Willie Buckner, junto a Luther Allison y Willie James lyons.

En esa epoca era confeso admirador de Magic Sam, de quien se convirtio en amigo y vecino.

El West-Side sound

Hacia los años 40 se definian dos grandes ghettos en Chicago: el Black Belt y el Near West Side, peo entre 1950 y 1958 un nuevo crecimiento demografico negro (mas por natalidad que por inmigracion, recordemos que a partir de 1946 los soldados alistados en la segunda guerra mundial comenzaron a ser liberados de sus obligaciones militares y reincorporados a la vida civil) marcaron el crecimiento del West-Side, un barrio maginal, vilento, peligroso, eminentemente negro.

En este contexto, a mediados de los 50, se desarrollo el ultimo estilo de blues de la ciudad, el West-Side sound.

En Chicago Muddy Waters y Howlin wolf reinaban, pero fuera de la ciudad otros estilos comenzaban a florecer, estilos mas cercanos al jazz al R&B, al ambiente elegante de las grandes orquestas de Swing. El estilo de B.B. King, guitarra solistay seccion de metales, con su voz declamatoria, inspiro a los jovenes negros de los ghettos tanto como al mismo Muddy Waters.

En el west-side de Chicago - mezclando el estilo de B.B. King e introduciendo mas marcadamente las sonoridades del gospel y del blues electrico tradicional - Jovenes Bluesman ambiciosos crearon un estilo de blues tenso, aspero y desgarrador, que reflejaba el ambiente dramatico reinante en el barrio posiblemente en sus almas: Magic Sam, Otis Rush, Buddy Guy, Eddie C. Campbell, Magic Slim, etc.

Mientras este estilo se va desarrollando, eddie comienza a ganarse una reputacion y su banda acompaña a otros musicos: Percy Mayfield, Lowell fulson, Tyrone Davis y Little Johnnie Taylor.

Asi comohabia ocurrido antes con Chess, son las productoras y los productores, antes que los artistas quienes establecieron el sonido, y entreellos Willie Dixon, quien en 1956 junto a Eli Toscano forma el sello cobra, y alli moldea a estas jovenes promisorias figuras hasta que los negocios turbios de Toscano, un mafioso con todas las de la ley, hacen que dixon retorne a Chess, llevandose consigo a Buddy Guy y Otis Rush.

Tras un breve periodo trabajando para Jimmy Reed y con la recientemente fallecida Koko Taylor, grabo como lider para el sello Hawaii, poco antes de ser acogido bajo el seno de la All Stars de Willie Dixon, con quien trabaja un tiempo y, en comapñia de algunos musicos de la banda (Carey Bell, Lafayette Leake) graba el esplendido "King of the jungle, 1977", considerado hoy como uno de los discos indispensables del West -side sound y equiparado con los grandes discos de Magic Sam y buddy Guy de la epoca.

Este disco le dio la oportunidad de salir de Chicago y emprender las primeras giras por Europa, junto a las grandes leyendas del blues.

Ademasde Cobra, dominante en el West-Side sound, existian otros pequeños sellos que editaban y vendian bien en chicago pero decididamente mal en el resto del pais, ya que la musica negra se decantaba hacia nuevas formas derivadas del gospel y del soul, pero el impacto de estos jovenes guitarristas se sentiria unos años despues, del otro lado del mundo, infliuendo a Eric Clapton y Peter Green, dando comienzo al blues-rock ingles que invadiria los oidos de los estadounidenses con musica negra, hasta el momento tabu, cantada por jovenes blancos de extraños pelos largos.

La falta de trabajo y oportunidades en Chicago lo llevo en los 80 a asentarse en Europa (Como Luther allison), principalmente en Holanda, y graba varios discos para JSP, Black Magic, Double Trouble y Wolf.

en aquella epoca recibio el apoyo de la banda del tao y el excelente armonicista Vincent Bucher en vivo, lamentablemente no existen grabaciones de ellos.

En 1992 el desarraigo y que "mi hijo nazca en America" marcan el regreso de Eddie a La ciudad que lo vio emerger como uno d elos grandes bluesman de su generacion, y poco despues nece su primer hijo Lavelle David Campbell.

en el 94 edita That's when i know, con gran suceso entre la prensa lo que le vale el reconocimiento de tocar en el escenario principal del Festival de Chicago en 1995.

En su tiempo libre, Fue campeon de Motociclismo y karateca, y, consultado sobre la C en su nombre, Eddie Contesto alguna vez "en verdad era un B, pero lo cambie porque sonaba a nombre de mujer".

2009 es el año que ve nuevamente el resurgimiento de su carrera con la edicion de un disco Excepcional, "Tear the world up" para el sello Delmark, su cumpleaños numero 70 y el cierre de una de las noches en el festival de Chicago.

Pagina: http://www.myspace.com/eddieccampbell
Fuente: lamazablues.blogspot.com

Eldar

2009-11-19T09:51:00.003-03:00

Se llama Eldar Djangirov y nació el 28 de enero de 1987 en Kyrgyzstan, ex Unión Soviética. Hace diez años se radicó en los Estados Unidos. En 2004 firmó contrato con la discográfica Sony BMG.

A los cinco años, su madre descubrió que el niño podía reproducir en el piano cualquier melodía que escuchara. Inmensamente aficionada al jazz, le hizo oír los discos de grandes pianistas (Oscar Peterson, Bill Evans, Chick Corea, Herbie Hancock) y le ayudó a desarrollar su temprano talento. En 1996 Eldar intervino en el festival de jazz de Novosibirsk, donde obtuvo el admirado aplauso de los espectadores y dejó asombrado a un publicista neoyorquino que lo convenció de ir a Estados Unidos.

Eldar se instaló con sus padres en Michigan, estudió en el Centro de Artes de esa ciudad y luego se radicaron en Kansas City. Allí fue invitado a participar en conciertos con Marian McPartland y Billy Taylor. En 2001 ganó el primer premio del concurso de piano en el Lionel Hampton Jazz Festival.

El director y trompetista Wynton Marsalis lo llevó a New York para tocar en las audiciones del Lincoln Center y a partir de entonces, con un público cautivado por su juventud y virtuosismo, comenzó una carrera que promete un futuro esplendoroso. Todos se han olvidado ya de su apellido: simplemente lo llaman Eldar.

El disco "Re-imagination" (Sony BMG Masterworks 8869 705837) fue grabado en New York en diciembre de 2006. Contiene dos temas clásicos del jazz, "Out of nowhere" de Green y Heymann, y "Place St.Henri" de Oscar Peterson, un bonus track con el "Blackbird" de Lennon y McCartney, y nueve títulos compuestos por el propio Eldar.

El disco se inicia con "I remember when" y los primeros segundos pueden causar sorpresa: se oye un solo de piano que parece grabado hace ochenta años, con ruido a púa inclusive. Pero a continuación se superpone un excelente trío de piano, bajo y batería en el que Eldar deja clavado al oyente con su increíble técnica y buen gusto.

"Prairie village", "Polaris" y "South bixel", con quinteto, son composiciones que no revelan una creatividad especial, pero están vigorosamente ejecutados, con mucho swing y un poderoso ritmo llevado por James Genus (bajo), Mike Moreno (guitarra) y Terreon Gully (batería). "Tears" y "Dream song" son solos de piano, tiernas baladas de cálido sentido lírico, dulcemente interpretadas por Eldar. "Back home" muestra una clara influencia impresionista, pero se nota a menudo que el joven pianista abandona el feeling y prefiere lucirse y mostrar al oyente su abrumadora digitación

Posiblemente lo mejor del disco, "Place St.Henri" despliega el alegre y entusiasta estilo de Oscar Peterson, con sus clásicas escalas, contrapuntos de ambas manos y pasajes de stride piano. Sin aviso alguno, el CD se cierra con casi tres minutos de "Blackbird", en otro rutilante solo de piano.

En esta edición de Sony BMG no hay librillo con vida y obra del artista, ni análisis de su estilo ni de las versiones. Esta vez viene una lámina con muchas fotos de Djangirov y sus breves comentarios sobre su infancia, sus padres, las ciudades donde vivió, sus vecinos y las emociones de los recuerdos que vuelca en el teclado. Ni siquiera se mencionan su apellido ni el tema de los Beatles.

Pagina: http://www.eldarjazz.com/

Brian Setzer

2009-11-19T09:46:00.002-03:00

Brian Setzer (n. Nueva York, 10 de abril de 1959) es un compositor y guitarrista estadounidense.

Trayectoria

En enero de 1980, Setzer forma los Stray Cats junto a Lee Rocker (Leon Drucker) y Slim Jim Phantom (James McDonnell). Después de actuar desde Nueva York hasta Filadelfia, en junio de 1980 deciden ir a Londres donde pensaban que su música y su estilo iba a ser más apreciado. Tuvieron que vender sus instrumentos, en una tienda llamada "Sam Ash Music" en la calle 48, para poder comprar los tres billetes de avión. Los "Stray Cats llamaron la atención de un productor llamado Dave Edmunds y sacaron varios singles que tuvieron éxito. En 1982 consiguieron llamar la atención en América con el disco Built for speed, este incluía los singles "Rock This Town" (nº2 en el Top Ten) y "Stray Cat Strut" (nº3 en el Top Ten). El siguiente álbum Rant 'N Rave with te Stray Cats incluyó los singles "(She's) Sexy + 17" (nº5 en el Top Ten) y "I Won't Stand in Your Way" (nº 35 en el Top Ten).

Los Stray Cats se separaron en 1984, aunque se reunido ocasionalmente para grabar discos y hacer giras. En el año 2004 Brian Setzer se volvería a reunir junto con sus compañeros Slim Jim Phantom y Lee Rocker de los Stray Cats en una gira que les llevaría por toda Europa, incluyendo dos conciertos en España: el primero en la sala Razzmatazz de Barcelona, y el segundo en el marco del Crossroad Festival de Gijón. En la misma, Setzer pudo descubrir que la magia que desprende junto a estos dos monstruos del r´n´r, es difícilmente igualable a la de cualquier otra formación de este estilo, por lo que comenzando en agosto de 2008, vuelven a los escenarios de Europa, abriendo en España. Esta será la gira de despedida del grupo, conocida como "Farewell Tour".

En 1986, Setzer saca su primer disco en solitario, The Knife Feels Like Justice, con este álbum se aleja del estilo rockabilly para caer en sonido rockero mas normal. Este disco tiene menos éxito llegando al puesto 45 de la lista de ventas de US. También, a mediados de los 80s, Setzer ocupó el lugar de guitarra solista en la gira de la banda de Robert Plant The Honydrippers. En 1987, Setzer, actuó como Eddie Cochran en la película que contaba la biografía de Ritchie Valens, La Bamba.

Setzer formó The Brian Setzer Orchestra a mediados de los 90s, dicha banda era un retorno al swing y al jump blues, fue un proyecto muy ambicioso con una orquesta de 17 músicos que sacaron 4 álbumes de estudio, un disco de Navidad y varios en directo entre 1994 y 2002. Su mayor éxito fue en 1998 con el lanzamiento de The dirty Boogie, que se metió en el Top Ten de ventas de US, y contenía un single llamado Jump, Jive an'Wail, que era una versión de Louis Prima.

Setzer continuó sacando discos en solitario esporádicamente, incluyendo un directo llamado Rockin' By Myself en 1998 y Nitro Burnin' Funny Daddy en 2003. En el 2001 editó Ignition, un álbum con su nuevo trío llamado '68 Comeback Special. Un álbum tributo titulado Rockabilly Riot Vol. 1: A Tribute To Sun Records en octubre de 2006 (en Estados Unidos). Su último disco, 13, salió en octubre del 2006.

El 25 de septiembre de 2007, The Brian Setzer Orchestra publicó Wolfgang's Big Night Out que incluía piezas clásicas interpretadas por Setzer, la Sinfonía nº5 de Beethoven, el vuelo del moscardón y para Elisa. Con este disco Setzer consiguió su octava nominación a los Grammy.

Participó en el 2002 en un episodio de The Sipmsons, puso la voz a su personaje en un campamento ficticio, Rock'n Roll Fantasy Camp.

Galardones

Setzer ha conseguido tres premios Grammy: Mejor actuación en grupo de Pop por "Jump Jive An", y dos por mejor actuación Pop instrumental por "Sleepwalk" y por "Caravan".

Pagina: http://www.briansetzer.com/

Mex Urtizberea

2009-11-19T09:03:00.003-03:00

Mex Urtizberea (25 de octubre de 1960, Buenos Aires, Argentina) es un músico, actor, escritor, conductor y humorista argentino.

En música

En 1980 formó parte, junto con Lito Vitale y otros músicos, de la agrupación M.I.A. (Músicos Independientes Asociados). Ocho años más tarde, en 1988, editó La Sonora del Plata, su primer disco con su banda, La Sonora del Plata, y en 1990 salió a la venta Matina, el segundo disco de La Sonora.

En 1994 grabó, junto con Alfredo Casero, Gestando a la Halibour, con la participación de músicos como Javier Malosetti y Lito Vitale.

En 2005, Mex edita su primer disco como solista, Que la bese, el cual está compuesto de once temas y no salió a la venta hasta el año 2006.

En televisión

Integró el elenco de los programas de TV De la cabeza , que se emitía por América 2, en 1992 y Cha Cha Cha en 1993.

Fue el conductor del programa Magazine For Fai, donde los principales protagonistas eran niños que realizaban diferentes sketchs. Originalmente fue emitido en los canales de cable Cablín y TyC Sports. Su última temporada fue en América TV, durante las elecciones presidenciales de 1999.

En el 2000 trabajo en el programa Medios Locos emitido por la media noche por Canal 7 en vivo. Compartían el programa el recordado Adolfo Castello, Gillespi y Marcela Pacheco y Gisela Marziota.

En 2004 condujo un programa de entrevistas y musicales llamado La Kermex, junto a su hija que fue emitido por América TV.

En 2007 condujo todos los días por Canal 7 el programa Mañana Vemos junto a Carla Czudnowsky y Fanny Maldenbaum. En 2008 continuó en la conducción de Mañana Vemos, y además actuó en la telecomedia de Telefe, Los exitosos Pells, encarnando al personaje de Sergio, un mujeriego mejor amigo de Gonzalo Echagüe (Mike Amigorena) quien será el que suplanta a Martin Pells.

En radio

En 1994 trabaja en la radio, más precisamente en radio Mitre y en FM 100, también con Alfredo Casero.

Literaria

En el año 2003, Mex comenzó a escribir para el diario La Nación, más precisamente en su revista, la cual es llamada LNR. Allí escribió sus columnas bajo el título de "Crónicas masculinas", además de realizar algunas entrevistas a personajes del espectáculo.

Al año siguiente, en 2004, comenzó a escribir su propia columna en el diario, la cual fue llamada "El lector", que salía todos los viernes en la sección "Opinión". También en este año editó el libro "Crónicas masculinas", el cual fue realizado por Editorial Sudamericana y era una recopilación de sus columas en el diario.

En el año 2006 editó el libro "Malas palabras. Setenta columnas y ninguna flor", el cual está compuesto de la recopilación de las columnas del diario "La Nación" y fue editado por Editorial Sudamericana. Ese mismo año escribió para la revista El conocedor.

Pagina: http://www.mexurtizberea.com/

Joe Henry

2009-11-19T08:49:00.001-03:00

Muy pocos artistas alcanzan el estatus y la categoría suficiente como para ser considerados un género en sí mismos. Joe Henry pertenece a ese pequeño grupo de elegidos, ese pequeño conjunto de nombres en el que podríamos incluir a Bob Dylan, a Tom Waits, o a Randy Newman.

Joe Henry nació en Carolina del Norte, creció en Michigan, pasó los primeros años de su carrera musical en Nueva York, y finalmente se instaló en Los Ángeles a principios de los noventa. Su historia está llena de desencuentros con la industria musical, lo que poco a poco le ha ido llevando a ejercer un control absoluto sobre sus trabajos, convirtiéndose de este modo en un productor reputadísimo.

Tras dos primeros trabajos con los que no quedó satisfecho, Talk of Heaven (1986) y Murder of Crows (1989), Joe editó en 1990 Shuffletown, un álbum de concepción acústica en el que podemos vislumbrar algunas de las influencias que le han acompañado a lo largo de todos estos años de investigación musical. Short Man´s Room (1992) y Kindness of the World (1993) le llevaron a profundizar en la música de raíces, el country y el folk. Grabados con The Jayhawks como banda de acompañamiento, recibieron excelentes críticas por parte de la prensa especializada, y fueron acogidos con igual cariño por parte del público. Pese a tener en ese momento una posición privilegiada dentro de la escena, Joe Henry necesitaba afrontar otros retos y buscar nuevos rumbos a los que dirigirse. Instaló un estudio en su garaje, y allí es donde se gestó Trampoline (1996), un álbum más orientado hacia lo rítmico, en el que se funden sonoridades de instrumentos acústicos con loops de batería, guitarras eléctricas, voces misteriosas, y distintas texturas. Es el comienzo de una etapa de grandes hallazgos, de amor al riesgo. Fuse (1999), mezclado con la ayuda de Daniel Lanois y T-Bone Burnett, profundiza en la misma línea. Con Scar (2001) su carrera da un nuevo giro. En este disco mezcla de manera asombrosa distintos estilos, soul, jazz, folk, funk… Colaboran en él reputadísimos músicos de jazz, como Brad Mehldau o el gran Ornette Coleman, contribuyendo a que el álbum suene original, interesantísimo, fresco, arriesgado, intenso. Es su primera obra maestra. Tiny Voices (2003), sigue jugando con músicos de jazz con melodías folk y soul en sus manos. El resultado sigue siendo fantástico. Durante estos últimos años Joe se ha hecho un nombre como productor para otros artistas. Son cada vez más los que reclaman sus servicios, desde Aimee Mann, Ani DiFranco, hasta el mismísimo Elvis Costello, para el que produjo su último disco junto a Allen Toussaint, The River in Reverse. Fue merecedor de un Grammy como mejor productor por Don´t Give Up On Me, el disco que supuso el renacimiento de Solomon Burke.

Civilians, una auténtica joya, era un álbum accesible, lejos de la complejidad de sus dos anteriores trabajos. Una auténtica obra maestra que perdurará a lo largo de la historia, que se convertirá en un clásico.

Y ahora llega Blood from stars, totalmente alejado de sus anteriores trabajos. Mucho más eléctrico y evocativo, este nuevo trabajo es un absoluto manjar de dioses. Complejo, oscuro, precioso, requiere toda nuestra atención para ir descubriendo escucha tras escucha nuevos detalles asombrosos. Un auténtico placer. Sin duda, su mejor trabajo hasta la fecha.

Pagina: http://www.joehenrylovesyoumadly.com/

System of a Down

2009-11-18T10:34:00.001-03:00

System of a Down (también conocido abreviadamente como System o por sus siglas, SOAD) es una banda de metal alternativo, de ascendencia armenia, formada en Glendale, California, en el año 1995. En un comienzo se llamaron Soil, pero luego adoptaron el nombre "System of a Down" inspirados por el poema Victims of a Down escrito por el guitarrista Daron Malakian. Son famosos por realizar canciones en cuyas letras se manifiestan en contra del maltrato infantil, la violencia, la guerra, la pornografía violenta y machista, el predominio de los intereses materialistas en la sociedad, las desigualdades sociales, físicas e ideológicas, la intolerancia o la discriminación entre otros.

Está compuesta por Serj Tankian (voz/teclado/ocasionalmente guitarra), Daron Malakian (guitarra/voz), Shavo Odadjian (bajo) y John Dolmayan (batería).

En sus cinco discos editados hasta la fecha, System of a Down usa una amplia gama de instrumentos, incluyendo guitarras eléctricas barítonas y hasta una botella vacía sirve de instrumento (en el tema Psycho, del Toxicity), mandolinas eléctricas, cítaras, guitarras clásicas de 12 cuerdas (tiple), y otros instrumentos de Asia. Sus más notables influencias provienen de las bandas que empezaron con el heavy metal. También tuvieron influencias de géneros como el jazz fusion, folk, hard rock, rock psicodélico, funk, rock clásico, blues e industrial. Además tienen influencias políticas que se reflejan en sus discursos contra el sistema estadounidense, la inconsciencia social y el abuso de poder. Esta fórmula social y musical le ha acarreado, desde el lanzamiento de su primer álbum (en 1998) buenos resultados tanto del público, que hizo de System of a Down un disco de platino, como de una parte de la crítica musical. Fue elegida mejor banda alternativa del año 2005 en los MTV Europe Music Awards celebrados en Lisboa.

Historia

Soil (1992-1994)

Daron Malakian conoció a Serj Tankian en 1992, mientras ambos compartían la misma sala de ensayo en diferentes bandas. Ellos formaron una banda de improvisación llamada Soil (Serj en voz y teclados y Daron en guitarra) con Domingo Laranio (batería) y Dave Hakopyan (bajo). Por entonces, también conocen a Shavo Odadjian. Después de cerca de un año, con una sesión de improvisación grabada y un espéctaculo en vivo, Dave y Domingo dejan la banda, pensando que ésta no iba hacia ningún lado (Hakopyan luego cofundaría la banda The Apex Theory, que en 2007 cambió su nombre a Mt. Helium).

Inicios (1994–1997)

Luego, la banda se separa y Tankian y Malakian forman una nueva banda llamada System of a Down, adoptando el nombre de un poema escrito por Daron que se titulaba Victims of a Down. Shavo Odadjian pensó que la palabra System apuntaba a una audiencia más amplia que Victims, y además querían que sus discos fueran guardados cerca de los de Slayer. Odadjian fue el mánager y promotor original de la banda, pero cuando tomó el lugar de bajista estas tareas fueron realizadas por el Velvet Hammer Music and Management Group y su fundador, David Beno Benveniste.

System of a Down rápidamente grabó lo que se conoce como Untitled, su primera demo, que tiene canciones como Mr. Jack (llamada PIG), Flake y The Metro, una versión de la canción de Berlin. Existe el rumor de que hay grabaciones de versiones preliminares de Friik, 36 (llamada .36) y Roulette. Otras dos canciones, X (llamada Multiply) y Honey fueron grabadas en actuaciones en vivo y tocadas en algunos de los primeros conciertos. Después de esto, la banda grabó tres demos públicas, que han sido numeradas como Demo Tape de 1 a 3, ya que la demo de principios de 1995 no fue descubierta hasta mucho después. Muchas de las canciones que estaban en las demos finalmente formarían parte del álbum debut de la banda. A mediados de 1997, Khachaturian dejó la banda debido a una lesión en su mano. Poco después de tocar en Whisky-A-Go-Go y en Viper Room con el nuevo baterista, John Dolmayan, la banda llamó la atención del productor Rick Rubin, quien les pidó que se mantuvieran en contacto con él. Mostrando un gran interés, grabaron otra demo antes de fin de año. Esta demo, sin embargo, fue hecha solo para ser enviada a compañías discográficas. No fue lanzada al público hasta varios años después, cuando se filtró en Internet. Después de que Rick los ayudara a que firmaran contrato con American/Columbia Records, System of a Down comienzó a grabar en el estudio. En 1997 el grupo ganó el premio Best Signed Band en los Rock City Awards.

System of a Down (1998-2000)

En junio de 1998 la banda sacó su primer álbum de estudio, System of a Down. La banda obtuvo un éxito moderado con su primer sencillo, Sugar, que se convirtió en un favorito de las radios estadounidenses, seguido por el sencillo Spiders. System of a Down realizó una larga gira abriendo conciertos para Slayer y Metallica antes de conseguir un lugar en el segundo escenario del Ozzfest. Después de Ozzfest salieron de gira con Fear Factory y con Incubus antes de encabezar la gira Sno-Core con Puya, Mr. Bungle e Incubus de soportes. En el 2000 la banda participó en el álbum Nativity in Black 2 (homenaje a Black Sabbath) con su versión de la canción Snowblind.

Toxicity (2001-2002)

La gran oportunidad vino cuando la crítica aclamó su segundo álbum, Toxicity, presentándose en el puesto número 1 en las listas estadounidenses y canadienses, finalmente alcanzando disco multiplatino. Desde entonces, el álbum ha vendido alrededor de 5 millones de copias en todo el mundo. Este fue número 1 en Ámerica en la semana de los ataques del 11 de septiembre y el ambiente político causado por los ataques añadido a la controversia que envolvía su single Chop Suey! causó que fuera suprimido de la radio durante varias semanas ya que contenía una fuerte letra política tal como «I don't think you trust in my self-righteous suicide» («No creo que confíes en mi suicidio autosuficiente»). A pesar de eso, el vídeo ganó constante reproducción en MTV y otros canales populares de Estados Unidos, también como el segundo single Toxicity. Incluso con la controversia rodeando Chop Suey!, canción por la cual ganaron una nominación al Grammy, System of a Down todavía recibe constante reproducción al aire en los Estados Unidos a lo largo de finales de 2001 y 2002 con sus éxitos Toxicity y Aerials.

Steal This Album! (2002-2003)

A finales del año 2001 algunas canciones nunca lanzadas que habían sido grabadas durante la creación de Toxicity llegaron a Internet: Bubbles, y Defied You (una versión preliminar de Nüguns pero con diferente letra). La banda declaró que los fans estaban escuchando material que no estaba terminado y pronto la banda volvió al estudio para regrabar esas canciones. El resultado fue su tercer álbum, Steal This Album!, lanzado en noviembre de 2002. Se agregaron nuevas canciones como Innervision, Fuck The System, Ego Brain y Roulette.

El diseño original del CD se parece a un disco grabable que está escrito con un rotulador indeleble. La carátula de este tiene un significado: fue por un suceso que le ocurrió a John Dolmayan en un viaje con su mujer a Marruecos. Los otros integrantes de la banda le dijeron que cambiase el ritmo de la canción I-E-A-I-A-I-O, y que la tendría que traer preparada del viaje para tocarla el mismo día que llegase de Marruecos. Él, al no tener ninguna base, tuvo que comprarse una batería y un CD, pero no lo encontraba por ninguna parte, por tanto fue a un zoco y lo encontró, pero era una falsificación; al ver que no tenía nada más, tuvo que comprarla. Al llegar a Los Ángeles se lo contó a los además integrantes, y decidieron usar la idea para la carátula.

El álbum fue único dentro de los propios, ya que no tenía cuadernillo. También fueron publicadas 50 000 copias especiales del álbum con diferentes diseños del CD, cada una diseñada por cada miembro del grupo. El álbum es una referencia al libro de contracultura de Abbie Hoffman titulado Steal This Book. Los singles Innervision e I-E-A-I-A-I-O fueron publicados como promociones sólo para radio y recibían constante reproducción al aire en radios alternativas. Un video, Boom!, fue filmado por el director Michael Moore por la protesta a la invasión de Iraq de 2003. System of a Down dio pocas presentaciones en vivo de Steal This Album!; una de ellas fue en el Reading Festival 2003, donde la banda participó. Una curiosidad de este álbum es que el baterista John Dolmayan se empezó a dejar crecer el cabello.

Mezmerize/Hypnotize (2004-2005)

Entre 2004 y 2005, la banda produjo un álbum doble, llamado Mezmerize/Hypnotize, cada uno de los cuales fue lanzado por separado. La primera parte, Mezmerize, fue lanzado en mayo de 2005, y recibió críticas favorables. Debutó en el primer puesto en Estados Unidos, Canadá, Australia y alrededor del mundo, convirtiéndose en su segundo álbum en llegar al puesto #1 en ventas. La primera semana de ventas consiguió unas 800.000 copias en todo el mundo. Hubo un explosivo triunfo en los Grammy Award por su primer single 'B.Y.O.B. (Bring Your Own Bombs)', el cual cuestiona la integridad de la guerra. El siguiente single, Question!, fue lanzado junto al video que co-dirigió el bajista Shavo Odadjian. Siguiendo el lanzamiento de Mezmerize, la banda hizo extensas giras en los Estados Unidos y Canadá con The Mars Volta y Bad acid trip haciendo de teloneros.

Siguiendo el lanzamiento del single de 'Hypnotize' ,la segunda parte del álbum doble Mezmerize/Hypnotize , Hypnotize fue lanzado en noviembre de 2005. Como Mezmerize, al debutar fue número #1 en los Estados Unidos, haciendo de ellos, junto con los Beatles, Guns N' Roses y el rapero DMX, los únicos artistas que consiguieron dos álbumes de estudio, en el puesto #1 en un mismo año. El álbum tuvo una fuerte respuesta por parte de la crítica. Su segundo single, fuera del álbum Hypnotize, es "Lonely Day", lanzado en febrero en los Estados Unidos.

Receso indefinido

En febrero de 2006, System of a Down ganó el Grammy por Mejor Ejecución Hard Rock, por el sencillo B.Y.O.B., derrotando a otros artistas tales como Nine Inch Nails o al veterano rockero Robert Plant. En mayo de ese año Daron Malakian anunció que se tomarían un descanso bastante prolongado tras su participación en la gira Ozzfest. Sin embargo, aclaró que no se trata de una disolución del grupo.

Cuando se anunció la separación del grupo después del Ozzfest se comenzaron rumores acerca de que el guitarrista de la banda Daron Malakian durante un concierto del Ozzfest había cambiado la letra de la canción Lonely day por "hanging out with the band, these motherfuckers I can't stand." Alegando también que durante esa gira los integrantes de SOAD viajaban en autobuses separados. Este rumor fue desmentido por el mismo Daron en una entrevista diciendo que se refería al dia que había pasado (This en lugar de These el primero traduciéndose como este y el segundo como estos) y no a los compañeros de su banda. "La gente distorsiona las palabras para que se cree un poco de controversia pero no fue verdad, nosotros nos tomamos un receso sin odios ni remordimientos" aclaró el guitarrista.

Serj continua con su propio sello (Serjical Strike Records), anunciando a Bad Acid Trip y en su propio proyecto solista donde lanzó su primer disco bajo el nombre de Elect the Dead, el 7 de octubre del 2007.

Daron presentó en abril del 2008 el primer material de la banda que tiene junto con Jonh llamada Scars On Broadway, la cual lanzó su primer sencillo "They Say" el 26 de Julio del 2008 a través de Yahoo! Music.com, y su álbum debut autotitulado el 29 de Julio del 2008.

En cuanto a los proyectos de Shavo, trabaja en conjunto con RZA y GZA de Wu-Tang Clan, con los que trabajó anteriormente en una canción para System of a Down:Shame on a nigga, Shavo ha anunciado a Achozen.

En junio de 2008, corrieron rumores de que Serj Tankian expresó su intención de que el grupo represente a Armenia en el Festival de la Canción de Eurovisión 2009 que se celebrará en Moscú, más tarde, el mismo Serj Tankian dijo en una entrevista que él no había dicho tal cosa, simplemente un periodista le había preguntado si participaría en un concurso musical donde pudiesen tocar una canción sobre el genocidio armenio, y él dijo que podría ser buena idea, pero nunca dijo que quería participar en Eurovisión, ni siquiera sabía lo que era.[3] Malakian en una entrevista en internet aseguro que no estaba presionado por una reunion imediata de la banda estaba enfocado en su proyecto de Scars on Broadway y que segun el nadie estaba hablando abiertamente de ello.

Género

System of a Down ha sido etiquetado como nu metal por algunos fanáticos y medios en sus comienzos. Esto puede ser atribuido a la publicación de su primer álbum, que ocurrió durante el boom del nu metal, a mediados de los años 90. Añadido a esto, la banda participó del festival Ozzfest, festival conocido por presentar bandas significativas en el género nu metal. Aquellos[¿quién?] que creen que la etiqueta nu metal no debe ser atribuida a la banda argumentan que no existe rapeo o pinchadiscos utilizados en sus canciones. Aunque se pueden apreciar las influencias del hip hop, características del nu metal pero que no definen el género.

La banda no se considera a sí misma como nu metal. El guitarrista y compositor Daron Malakian dijo en una entrevista con Guitar World que está complacido de que System of a Down no se haya deslizado al género nu metal. Durante un concierto en el 2005, dijo: «Solían decir que éramos un grupo de nu metal, ahora dicen que somos de rock progresivo. Yo creo que nos llaman de cualquier forma que sea popular».

En una entrevista del año 2005 con Houston Press, Daron dijo: «Últimamente hemos estado haciendo entrevistas, y la gente ha estado diciendo algo como “vosotros estáis liderando realmente el nuevo movimiento progresivo”, y me pregunto si es así. Porque hace un par de años estas personas nos comparaban con Limp Bizkit y Korn, y ahora que todavía estamos aquí y esas bandas no, están hablando del progresivo. Es bastante irritante que la gente siempre tenga que tener algo con qué compararnos o agruparnos. No estoy diciendo que seamos la banda más original del mundo, pero realmente no siento que caigamos en una categoría del heavy metal o de rock puro. Hay diversos elementos entremezclados en uno».

Integrantes

- Serj Tankian - Voz principal , teclados y guitarra (ocasionalmente) . (1995 – 2005 en receso indefinido)
- Daron Malakian - Guitarra y voz secundaria. (1995 – 2005 en receso indefinido)
- Shavo Odadjian - Bajo. (1995 – 2005 en receso indefinido)
- John Dolmayan - Batería. (1998 – 2005 en receso indefinido)

Pagina: http://www.systemofadown.com/

George Thorogood

2009-11-18T10:24:00.001-03:00

El 24 de febrero de 1950 nació en la ciudad de Wilmington, del estado norteamericano de Delaware el guitarrista blanco George Thorogood. De la vida privada y personal de este músico él no habla nunca, pero si se sabe que le gusta mucho la música, la cerveza, el whisky, las mujeres y el béisbol, de lo que fue jugador semi profesional. Se interesó por el Blues en 1970, cuando a sus veinte años vio a John Paul Hammond grabando en Chicago, tres años más tarde formó 'The Destroyers' en Delaware: Michael Levine al bajo y Jeff Simon a la batería. Otros músicos que le influenciaron: John Lee Hooker, Elmore James, Chuck Berry, Willie Dixon, Muddy Waters y Howlin' Wolf, aunque la música de George no tiene nada que ver con la música de éstos anteriores, es mucho más dinámica, mezclando el Blues con el Rock llevándolo a un plano mucho más atractivo para los oídos. En 1975 hacían pequeñas actuaciones en locales nocturnos, aprovechando para grabar una maqueta, pero ninguna compañía apostó por ellos. En una de esas actuaciones por Boston, John Forwad, a parte de convertirse en su fan número 1, consiguió que ese mismo año grabasen su primer álbum homónimo, "George Thorogood & The Destroyers" pero por diversas razones no lo publicaron hasta 1977. Unos dicen que George no estaba convencido por la foto de portada, o que no le gustaba como había quedado el bajo, así que Levine fue sustituido por Bill Blough. En este disco hace una fantástica versión del tema "One bourdon, one scotch, one beer" el cuál fue incluido en un capítulo de la banda sonora de 'The Simpsons'. Al año siguiente, 1978, graba su segundo disco, "Move it over". En este disco resalto la gran versión que hace del tema de Chuck Berry "It wasn't me"... ¡impresionante!. Con este disco consiguió ya un éxito razonable, entrando en las listas de Estados Unidos entre los cuarenta más escuchados y siendo disco de oro. Sus discos empezaron a también a venderse por Europa. A mi juicio, es el mejor disco de George Thorogood. En el año 1980 introdujo el saxo en su banda, Hank Carter, y después de tantos años sigue con George. Se estrenó grabando el "More". Hasta ese año, el guitarrista hacía pequeñas actuaciones en clubs y pubs, actuando con seudónimo para evitar la masificación. La gira más famosa que hizo se llamó '50/50', esto quería decir que viajaron cincuenta estados en cincuenta días al más puro estilo de Willy Fog. Todas, lleno total. La gran compañía 'EMI' entonces se fijó en él, y grabó uno de los iconos de la música Blues & Rock gracias a la saturación de la cadena musical 'MTV': "Bad to the bone" (1982) además la introdujo en la película escrita por Stephen King "Chistine", con lo que consiguió mayor repercusión. Este tema, pronto se pronunció como uno de los himnos de los 'Ángeles del Infierno' en los Estados Unidos, además del "Born to be Wild" de la Stephen Wolf. El disco fue Oro y pasó un año completo en las listas de venta. En 1985 lanza el disco "Maverick", con las colaboraciones especiales de dos leyendas del Bluses: Albert Collins y Bo Diddley. Posteriormente, grabó el disco "Live" (1986)... gran éxito comercial, y tras éste, se dedicaron The Destroyers a ser más meticulosos en sus trabajos, lanzando un disco de estudio cada dos años, hasta nuestros días. A mi juicio personal, creo que George Thorogood es un gran guitarrista, digno de ser escuchado por todos. Y añado que si este hombre hubiese fallecido tan prematuramente como Hendrix, Lennon, Joplin, Cobain o Mercury, también hubiese sido erigido al Olimpo de los Dioses del Rock, pero tiene un defecto: sigue vivo.

Pagina: http://www.georgethorogood.com/
Fuente: indyrock.es

Creed Bratton

2009-11-18T10:08:00.001-03:00

Creed Bratton nació en el año 1943 en Coarsegold, California, Estados Unidos.

Sus padres y abuelos eran músicos, y Creed le tomó cariño a la música desde pequeño.
A los 13 años de edad recibió su primer guitarra, y se convirtió en músico profesional durante la secundaria y la universidad.

Decidió probar suerte viajando con su música, y realizó entonces una excursión global en la que se dio a conocer como Creed Bratton. Viajó por Europa, Africa y Medio Oriente.
Junto a su grupo, “The Young Californians”, tocó la guitarra durante un largo festival de folclore en Israel, y fue entonces que conoció al guitarrista Warren Entner, quien le dijo que se comunique con él a su regreso a Estados Unidos.
En 1966, Bratton y Entner formaron un grupo llamado “The 13th Floor” junto a Rick Coonce y Kenny Fukomoto. Juntos grabaron un demo y lo enviaron a una discográfica dirigida por Lou Adler.
Los productores P.F. Sloan y Steve Barri escucharon el demo y les gustó, pues necesitaban miembros para una nueva banda de folk rock que habían creado en 1965.
“The 13th Floor” perdió a su baterista durante este tiempo, y rápidamente se unió a ellos Rob Grill. Fue entonces que cambiaron su nombre a “The Grass Roots” y rápidamente llegaron al top 10 con su primer material “Let´s Live For Today” en el año 1967.
El grupo siguió cosechando éxito y realizaron giras por Estados Unidos.
Muchos escritores musicales ofrecieron sus canciones a “The Grass Roots”, quienes también se dedicaron a componer varios de sus temas.

En 2001 y 2002, Bratton lanzó tres álbumes que incluían sus canciones como solista desde los 60´s.
En 2008, lanzó otro disco con el productor Jon Tiven, y actualmente está grabando otro álbum junto al productor Dave Way.

A finales de los 60´s, Bratton comenzó a dedicarse también a la actuación. Se lo pudo ver desde entonces en películas como “Máscara”, junto a Cher y Sam Elliott, “The Wild Pair”, “Corazón sobre ruedas”, y más recientemente en la película protagonizada por Lindsay Lohan “Un trabajo embarazoso”.

En televisión se lo pudo ver como invitado en las series “The Bernie Mac Show”, pero sin dudas su trabajo más importante hasta el momento en la pantalla chica ha sido en la exitosa “The Office”, en la que interpreta a una versión ficticia de si mismo.

Bratton también ha realizado películas para televisión como “A Fighting Choice” y “Secret Sins of the Father”.

Pagina: http://creedbratton.com/

Boom Boom Kid

2009-11-18T10:01:00.002-03:00

Carlos Rodríguez, el cantante de Fun People dejó de llamarse Nekro y cambió su seudónimo artístico por Boom Boom Kid, o simplemente BBK, por mediados de 2001. Precisamente junto al disco "Angustia no, no" de Fun People ya se vendían los primeros simples de esta nueva etapa.

"Okey dokey" se llamó el primer disco, editado por su sello Ugly Recordz a fines del 2001. Luego de una gira por la Costa Atlántica argentina, los primeros meses del 2002 lo encontraron de gira por varios países de Europa, como España, Portugal, Italia, Alemania, Bélgica y Francia.

"I don't mind" fue un maxisimple de cinco temas lanzado a finales del '02.

"Sin sanata y con el tupé de no callar" es un material registrado junto a Los Pirexia Kids y que se entregaba únicamente con la entrada a un recital en Témperley, en 2008.

Paginas:
http://www.myspace.com/boomboomkid
http://www.boomboomkid.info/

Pavlov's Dog

2009-11-17T10:14:00.001-03:00

Pavlov's Dog es una banda estadounidense de rock progresivo y AOR formada en 1972 en la ciudad de Saint Louis.

Historia

La banda estaba compuesta originalmente por David Surkamp (vocal y guitarra), Steve Scorfina (guitarra), Mike Safron (batería), Rick Stockton (bajo), David Hamilton (teclado), Doug Rayburn (mellotron y flauta) y Siegfried Carver (nacido Richard Nadler). Richard Nadler dejó la banda después del primer álbum. En 1976, después del lanzamiento del segundo álbum At the Sound of the Bell, David Hamilton dejó la banda, siendo sustituido por Tom Nickeson. El ex-batería de Yes Bill Bruford participó en algunas sesiones de la banda, y el tercer álbum, contaba con Kirk Sarkisian en la batería.

Este es un grupo que puso dos discos en el mercado, luego uno de material nunca realizado que sólo comerciaban los integrantes del grupo, se desintegraron y se contagiaron por la «redinosaurización» a principios de los ‘90.

Principalmente PAVLOV’S DOG es un grupo de rock en la corriente principal, pero en su primer disco sobre todo, demuestran una gran creatividad, momentos sinfónicos, algunos toques progresivos y sobre todo una gran instrumentación dominada por el violín y una voz que si te descuidas un poco, podría remplazar a la de Geddy en RUSH. El segundo disco también tiene sus momentos, aunque ya se inclina hacia un sonido más melódico que en el anterior.

Para los primeros dos discos, la alineación estuvo a cargo de David SURKAMP (voz principal, guitarra), David HAMILTON (teclados), Doug RAYBURN (melotrón, flauta), Mike SAFRON (percusiones), Rick STOCKTON (bajo), Siegfried CARVER (violín, viola) y Steve SCORFINA (guitarra principal).

Pagina: http://pavlovsdogband.tripod.com/index2.html

Pascal Comelade

2009-11-17T09:50:00.002-03:00

Pascal Comelade es uno de los músicos catalanes más reconocidos internacionalmente.

Biografía

Nacido el 1955 en Montpellier, en la región de Languedoc-Rosellón (Francia). Durante un tiempo se decía que había nacido en Sant Feliu de les Forxetes, un pueblo que no existe. Siendo pequeño, por su casa pasaron muchos músicos del lado sur de la frontera.

Su madre, Eliane Thibaut-Comelade, es cocinera y autora de varios libros sobre cocina, especialmente cocina (medieval) catalana. Su padre, Pere Comelade, es psiquiatra.

De 1974 a 1978 vivió en Barcelona, en casa de Lluís Llach. Conoció, entre otros a, Maria del Mar Bonet, Francesc Pi de la Serra y Toti Soler, e hizo amistad con Ovidi Montllor y Víctor Nubla (músico experimental, miembro de Macromassa).En 1983 fundó la Bel canto Orquestra con Cathy Claret y Pierre Bastien.

Tras unos años en Montpellier volvió otra temporada a Barcelona, concretamente al barrio de Gràcia de Barcelona donde entró en contacto con una cierta bohemia, representada principalmente por el poeta Enric Casasses, con quien continúa colaborando, o el dibujante Max.

Actualmente vive en Vernet.

Música

Pascal Comelade es un músico difícil de definir. Es compositor y multiinstrumentista. Sus obras son a menudo muy cortas, de 2 o 3 minutos, y casi siempre instrumentales. De él se ha llegado a decir que es un rocker ultra minimalista o un clásico post-moderno. Hace música de vanguardia sin olvidar las raíces.

Disfruta de un gran reconocimiento en Francia y en Japón. Se han editado recopilatorios especialmente para este último país, e incluso existe una banda japonesa, denominada Pascals que han editado dos discos, Pascal Comelade presents Pascals y Abiento. El primero es de versiones del músico catalán y el segundo incluye, además de dos versiones de él, varias composiciones propias y un par de adaptaciones de otros músicos.

Ha actuado por todo Europa y Japón.

Ha colaborado con infinidad de músicos. Como ejemplo, a nivel catalán con Toti Soler y Gerard Jacquet y a nivel internacional con PJ Harvey, Robert Wyatt y Richard Pinhasy Cathy claret que incluyo un título de comelade en su disco "cathy claret" delabel/virgin. Hace tiempo que afirma que hará un disco con la cantante británica PJ Harvey. Colaboró con Sisa en la composición del álbum Visca la llibertat.

Ha hecho varias bandas sonoras, especialmente para films franceses, y música para danza y teatro. Por ejemplo para los espectáculos Zumzum-ka y Psitt!!, Psitt!! de la compañía de Cesc Gelabert y para la adaptación teatral de La plaça del diamant hecha por Joan Ollé.

Versiones

Una de las constantes en sus álbumes es el hecho de adaptar melodías de otros a su estilo. Hasta tiene un álbum entero dedicado, Dances et Chants de Syldavie, con, por ejemplo, Honky Tonk Women de los Rolling Stones, Brand New Cadillac de los The Clash, Egyptian Reggae, The Third Man Theme, Mexican Theme from Rio Bravo, Amapola, The Godfather Waltz, Bésame mucho o The Midnight Special.

También ha adaptado música tradicional catalana, como en los álbumes Música Pop - Dances de Catalunya Nord y los dos volúmenes de Pop Songs del Rosselló, con Gerard Jacquet. Aparte, no es extraño encontrar sardanas en sus discos, como L'espinosa ètica de la santa espina, de la Santa Espina de Enric Morera, o la Sardana dels desemparats.

Ha versionado también varios himnos revolucionarios, como A las barricadas, Hijos del pueblo, Pozo Mª Luísa o La bella Ciao.

La Bel Canto Orquesta

Al parecer, el hecho de oír Music for Amplified Toy Pianos, de John Cage, lo afectó bastante y decidió explorar este camino.

Para mucha gente, Pascal Comelade es "aquel músico loco que toca con instrumentos de juguete". Aun así, en realidad lo que hace es, por un lado, usar juguetes como instrumentos, y por otro tocar pianos y guitarras reducidos, no realmente juguetes.

La Bel Canto Orquesta es la orquesta con la que suele tocar estas (y otras) composiciones en directo. Las grabaciones las suele hacer a solas o acompañado por (unos pocos) músicos diferentes en cada tema.

Discografía

Pascal Comelade es capaz de publicar un par o tres de discos por año, de forma que es bien difícil de seguir su discografía. Además, a menudo hace ediciones diferentes en España y Francia, y ediciones especiales para, por ejemplo, Japón.

Según él sus discos pertenecen a dos series diferenciadas, una mayor y otra menor. En la mayor habría discos de larga duración tipo El Cabaret Galàctic o Cent Regards. En la menor, discos más temáticos y de corta duración, como Música pop, un disco de menos de 25 minutos, con versiones personales de danzas tradicionales de la Cataluña Norte.

Aparte, tiene varias bandas sonoras de películas, como André le Magnific o La Isla del Holandés, música para danza contemporánea, como Zumzum-Ka, y directos como Live in Lisbon and Barcelona ninetynine.

Su última aventura es un cómic-CD realizado con el dibujante MAX: "Lo piano vermell/El piano rojo" que incluye una narración gráfica de Max de 64 páginas a color y un CD inédito de Pascal grabado con la Bel Canto Orquestra durante su gira de 2006 por diversas localidades catalanas. Se han publicado versiones en catalán y castellano.

Pagina: http://www.pascalcomelade.com/

Eric Burdon

2009-11-17T09:29:00.001-03:00

Eric Victor Burdon (nacido el 11 de mayo de 1941, en Walker, Newcastle upon Tyne) fue el cantante de The Animals y después de The War.

Fue miembro fundador y vocalista de The Animals, banda originalmente formada en Newcastle en los primeros años sesenta. Burdon cantó muchos clásicos de los Animals como "The House of the Rising Sun", "Good Times", "Don't Let Me Be Misunderstood", "Bring It On Home to Me" y "We Gotta Get Out of this Place". El teclista Alan Price y el batería John Steel, Animals originales, dejaron la banda, y fueron reemplazados por Dave Rowberry y Barry Jenkins respectivamente. En 1966, los miembros restantes Chas Chandler e Hilton Valentine se fueron del grupo, excepto Barry Jenkins y Burdon, y la banda se reformó como Eric Burdon and the Animals. A este grupo se le unieron el futuro miembro de Family John Weider y el futuro guitarrista de The Police Andy Summers. Esta nueva formación tuvo éxitos con canciones como "When I Was Young", "Sky Pilot" y "Monterey". Esta unión duró hasta 1969, pasando por grandes cambios en la formación, y cambiando el nombre de la banda de Eric Burdon and the Animals a Eric Burdon and the New Animals. Cuando los New Animals se fueron, Burdon unió fuerzas con el grupo funky de Los Ángeles War. El álbum, Eric Burdon Declares War creó clásicos como "Spill The Wine" y "Tobacco Road". En 1971 Burdon empezó su carrera en solitario.

Burdon se volvió a unir con los otros Animals originales en 1976 y 1983, pero esta unión acabó pronto, aun así en la reunión de 1983 se sacó el ignorado en las listas de ventas single "The Night". Burdon dirigió unos cuantos grupos llamados Eric Burdon Band o alguna variación parecida, con constantes cambios en la formación. Su popularidad se hizo más fuerte en la Europa Continental que en el Reino Unido o en los Estados Unidos. Hoy en día continúa grabando y dando conciertos, en solitario o al frente de otra versión de "Eric Burdon and the Animals". En 1990, un reformado "Eric Burdon and the Animals" grabó una versión del single "Sixteen Tons" de Merle Travis para la película Joe contra el Volcán, donde salía en los créditos de apertura de la película.

Pagina: http://ericburdon.ning.com/

The Twilight Singers

2009-11-12T11:01:00.004-03:00

The Twilight Singers es un grupo musical estadounidense de rock. El grupo lo formó Greg Dulli, líder del grupo The Afghan Whigs, en 1997. Cuando los Whigs se separaron Dulli se concentró en su carrera con los Twilight Singers. De hecho, el único miembro permanente es el propio Dulli. Se puede decir, por tanto, que The Twilight Singers es un proyecto personal de Dulli, los músicos cambian disco a disco y gira a gira. Llevan publicados cuatro álbumes y han realizado varias giras internacionales.

Historia: Las maquetas

Greg Dulli grabó las primeras maquetas del grupo en medio de una disputa con la discográfica Elektra, para la que grababan los Afghan Whigs. Estas maquetas las grabó entre Nueva Orleans (Los Ángeles) y Seattle (Washington), junto a sus compañeros y amigos como Shawn Smith (que militaba en Brad, Satchel y Pigeonhead) y Harold Chichester (que hacía lo propio en Royal Crescent Mob y Howlin' Maggie).

The Afghan Whigs cerraron su disputa con Elektra y terminaron fichando por Columbia Records (subsidiaria de Sony BMG) en abril de 1998. Su nuevo sello se interesó por las maquetas de los Twilight Singers, pero sus preferencias eran lanzar un nuevo álbum de The Afghan Whigs. El canto de cisne de los Whigs, 1965, apareció en octubre de 1998 y fue un gran éxito de crítica. La banda estuvo un año de gira y decidieron disolverse en febrero de 2001.

Primeros álbumes

Con el final de los Whigs cerca, Greg Dulli retomó el proyecto de The Twilight Singers, regrabando el material original con la colaboración del grupo de música electrónica Fila Brazillia. El álbum se editó con el nombre de Twilight as Played by the Twilight Singers en septiembre de 2000. El sonido (cercano al big beat) desagradó a los fans de los Whigs. Para la gira de promoción del disco, Dulli eligió a músicos de Howlin' Maggie y a Michael Horrigan (baterista de The Afghan Whigs) al bajo.

En 2001, Dulli comenzó a trabajar en la continuación de Twilight..., que iba a llevar por título Amber Headlights. La muerte de Ted Demme en enero de 2002, amigo de Dulli, le hizo dejar a un lado el proyecto y tomarse un descanso. Después de leer el libro Martin Eden de Jack London y de sufrir la experiencia de un terremoto, Dulli terminó de componer un álbum conceptual que acabó llamándose Blackberry Belle.

Con un amplio elenco de artistas, incluidos Apollonia (la protegida de Prince y cantante de Vanity 6) y Mark Lanegan (el cantante de The Screaming Trees), Blackberry Belle se convirtió en un examen del lado oscuro del amor y la pérdida, temas recurrentes en los álbumes de The Afghan Whigs, lo que le hizo reconciliarse con la crítica y los antiguos fans de los Whigs. El álbum lo editó la independiente One Little Indian en octubre de 2003. Dulli, después de sus últimos trabajos con Columbia, quería recuperar parte de su independencia y continuó grabando con discográficas pequeñas.

She Loves You y Powder Burns

Para la gira de su segundo álbum, Dulli eligió como banda a Jon Skibic (guitarras), Scott Ford (bajo) y Bobby Macintyre (batería), con los que recorrió Estados Unidos y Europa durante 2003 y 2004.

En agosto de 2004, la banda editó su tercer álbum, She Loves You, una colección de versiones de artistas como Fleetwood Mac ("What makes you think you're the one"), Björk ("Hyperballad"), John Coltrane ("A love supreme") o George Gershwin ("Summertime").

En septiembre de 2005, Dulli editó Amber Highlights como su primer disco en solitario, a la vez que continuó trabajando en el cuarto álbum de los Singers titulado Powder Burns, que grabó en Nueva Orleans después del paso del huracán Katrina, por lo que tuvo que ser grabado utilizando un generador eléctrico (de ahí su nombre). El álbum apareció el 16 de mayo de 2006.

Para la gira de Powder Burns, los nuevos Twilight Singers son, aparte de Dulli, Dave Rosser (guitarras), Scott Ford (bajo) y Bobby Macintyre (batería).

Pagina: http://www.thetwilightsingers.com/

Lisandro Aristimuño

2009-11-12T10:19:00.001-03:00

Lisandro Aristimuño nació en Viedma, Río Negro, instalado en buenos aires desde 2002 este joven solista nos muestra a través de sus canciones vientos del sur ,extensiones húmedas de colores y paisajes humeantes, fusionando en su estilo ritmos folklóricos ,efectos electrónicos y un particular instinto pop.

La crítica especializada de Buenos Aires, ha calificado a su primer disco "Azules turquesas" (2004) (editado por el sello independiente los años luz ) entre los 50 mejores discos del año y artista revelación en las revistas Rolling Stone e Inrockuptibles , finalista de los premios Carlos Gardel en el rubro folclore nuevas formas y calificado MUY BUENO en la revistas Veintitrés y G7.

Lisandro junto a su banda conformada por: Carli Aristide (guitarras) Ari Corder (teclados) Rocío Aristimuño (percusión y coros) y Alberto Estela (sonido) presentó Azules turquesas en diversos lugares como el Teatro San Martín (Sala AB ) junto a Kevin Johansen; Código País, Teatro el Globo; Chacarerean Theatre; Notoriuos Gandhi ; Torcuato Tasso junto a la banda Me Darás Mil Hijos; Pan y Arte; No Avestruz, y en el bar cultural La Vaca Profana.

En el año 2005 edita su segundo disco titulado ¨Ese asunto de la ventana¨ editado por el sello independiente Los Años Luz con calificativos como "EXCELENTE" y entre los 50 mejores disco del año en la revista Rolling Stone , "MUY BUENO" Diario Clarín , "MUY BUENO" y disco del año Diario La Nación.

Presentándolo en dos shows a sala llena en "La Trastienda", teniendo como invitados a los músicos Kevin Johansen y Mariano Fernández voz de el grupo Me Darás Mil Hijos quienes también, participan en el disco.

Durante los meses de febrero y marzo del 2006 realizará, una gira por España. Llevando canciones de sus dos discos en un formato acústico.

Realizará conciertos en las ciudades de Madrid, Vigo, Oviedo, Salamanca y Alicante, abriendo los conciertos del músico español Iván Ferreiro (ex Piratas); la invitación por parte del mismo Ferreiro, surgió cuando los músicos se conocieron participando de la experiencia del Laboratorio Ñ documental organizado por la SGAE de España acerca de la composición en conjunto entre músicos españoles y argentinos en el mes de noviembre del 2005 en los estudios Del Cielito Records.

“En un estado febril Don Quijote de la Mancha enfrentó a los gigantes… no eran más que molinos de viento”

Un nuevo disco creado en la intimidad de los estados de la fiebre Nuevas canciones que mantienen su vínculo con el folklore, el pop y la electrónica con melodías y letras surgidas en días de alta temperatura. Este es el tercer álbum de Lisandro Aristimuño.

Lisandro Aristimuño nació en Viedma, Rio Negro y el viento del sur está presente en sus melodías. Llegado desde su ciudad natal hace 5 años, se instaló en la escena de Buenos Aires con su propio aire y mostró su estilo de hacer canciones.

Acompañó su primer disco “Azules Turquesas” con varias presentaciones en vivo recibiendo apoyo del público y reconocimiento de la crítica.

Su segundo trabajo “Ese asunto en la ventana” confirmó su crecimiento y reafirmó su cercanía con la gente.

La nueva obra de Lisandro - "39º" es su tercer disco, formado por 11 composiciones propias, tiene como invitados de lujo a Liliana Herrero, Cristobal Repetto y Mariana Baraj.

“El concepto de esta obra tiene que ver con la fiebre y sus estados de mutación” dice el propio Lisandro: “las canciones son así: estado normal, cama con frío y delirio; calor, sal en la piel y labios quebrados...”

Los temas mantienen la variedad de estilos de sus trabajos anteriores con la canción como pilar de su creación. Hay aportes de elementos electrónicos, sobre el folk, el pop y la chacarera. La sonoridad es prolija y contundente.

“Los instrumentos que usé son mi computadora, mi guitarra acústica y mi voz, más mi banda: Los Azules Turquesas”. “39°”

Pagina: http://www.lisandro.biz/

David Bisbal

2009-11-12T09:35:00.002-03:00

David Bisbal Ferre (n. Almería, 5 de junio de 1979) mejor conocido como David Bisbal es un cantante español surgido del concurso de telerrealidad musical Operación Triunfo de Televisión Española, donde quedó en segundo lugar.

Biografía

David Bisbal ha vendido más de 4 millones de discos en España y América, consiguiendo 30 Discos de Platino y 15 de Oro i 1 de diamante. 'Corazón latino' y 'Buleria' atesoran cada uno de ellos un IFPI Platinium Award, certificación oficial por la venta de más de 1 millón de copias en territorio europeo. David Bisbal ha ofrecido tres grandes giras mundiales, ofreciendo un total de 300 conciertos.

El nombre de David Bisbal luce en la camiseta oficial de la Unión Deportiva Almería, a cambio de él prestar su imagen para la campaña de abonos. Es la primera vez que el nombre de un artista figura en una equipación de un club de fútbol de primera división.

- La canción Dígale aparece en muchas escenas de la telenovela mexicana Cuidado con el ángel cuando Juan Miguel (William Levy) piensa y llora por Marichuy (Maite Perroni).

La canción Esta Ausencia es la BSO de la telenovela mexicana Piel de otoño, que se pudo ver en el mexicano Canal de las Estrellas y en el canal español La 1.

El primer pais en el que David Bisbal se presento por primera vez e hizo su primera actuación musical internacional, fue en Costa Rica.

En 2008 lanzó su fragancia DB Black & DB Rose.

En su juventud, David perteneció a un equipo de ciclismo en Almería y también recibia clases de matematicas en la academia de su barrio.

Primeros años

David Bisbal nació el 5 de junio de 1979 en Almería, (España), hijo de José Bisbal, boxeador profesional y componente de un trío de música flamenca, y María Ferre. Es el menor de tres hermanos, uno llamado José María y una hermana llamada María del Mar.

Durante su infancia, David ya desde niño demostraba talento para el canto, los cuales su familia fue conociendo poco a poco, ya que desde niño cantaba, pero siempre era muy tímido a la hora de hacerlo. Ya en su adolescencia, David fue poco a poco enamorándose de la música y dejando a un lado su tímidez al cantar y utilizaba la música como su mejor aliado. Bisbal dejó sus estudios en tercer año de colegio (noveno año), y su padre lo llevó a trabajar de guardabosques (Jardinero), en el vivero municipal de Almería, que fue su primer empleo. Años despúes conoció al productor de la orquesta Expresiones, quien descubrió a David cantando, y después de escuchar y descubrir su calidad vocal, le ofreció empleo como la voz principal de esta orquesta.

Allí David empezó a trabajar en la Orquesta Expresiones, y poco a poco empezó a desenvolverse como cantante, y a descubrir su pasión por la música. Después de haber estado en la orquesta, David va a las audiciones de Operación Triunfo, en Barcelona, España, en busca de una oportunidad aún mayor, para lograr su sueño de ser artista. En 2001, fue uno de los 16 concursantes de la primera edición española de 'Operación Triunfo', concurso concebido para elegir al representante para el festival 'Eurovisión' de aquel año. Finalmente quedó segundo finalista por detrás de Rosa López.

Una vez terminado Operación Triunfo, Firma un contrato con Vale Music compañía que le ofreció la oportunidad de grabar su primer álbum debut como solista. Éste, titulado Corazón Latino, salió a la venta en verano de 2002, grabado en Miami con producción de Kike Santander. El álbum alcanzó el número uno en su primera semana de debut vendiendo más de 600.000 copias batiendo record de ventas, el disco se mantuvo durante siete semanas consecutivas en el número uno de las listas de ventas de España. En agosto empezó su primera gira en solitario por España dando 75 conciertos de los cuales 45 con la cantante y compañera de academia Chenoa, de la cual terminariá en el Palau Sant Jordi de Barcelona con las entradas agotadas. Con más de 900.000 copias vendidas en España, bisbal se lanza a los países de habla hispana, para promocionar su álbum debut, el disco se pondría a la venta el 15 de octubre. En 2003, en eneroBisbal recogió el premio amigo en enero en el madrileño Palacio de Cristal de la Arganzuela.

El primer álbum de bisbal, fue el disco que más discos vendió en España en 2002, superando las ventas de más de 1.100.000 copias obteniendo un disco de diamante. Ha sido el objetivo de varias revistas; ha sido entrevistado en muchos programas incluyendo el Billboard Latin Music Awards o el Festival de Viña del Mar en Chile. También ha recibido un premio como mejor artista internacional nuevo en los premios TV y Novelas de México. En julio bisbal recogió en miami ocho discos de oro por las ventas en Latinoamérica y Estados Unidos, asi mismo contribuyendo a las ventas en españa, el álbum debut Corazón latino superó las ventas de más de 1.500.000. En septiembre ganó n 'Grammy Latino' como mejor artista revelación y fue nominado como mejor vocalista de álbum pop. El 31 de octubre inició su primera gira en americá, en Argentina, donde recorrio 12 paises y 17 conciertos en directo. En noviembre se pusó a la venta en México una edición especial de 'Corazón latino'.

El 7 de enero se estrena el primer single del segundo álbum "Bulería" donde alcanzó el Número 1 en la listas de ventas y radios de España y America. El 11 de febrero salió a la venta Bulería el mismo nombre que el primer single. El álbum debuto en el número en la listas de ventas de España donde vendio más de 300.000 copias en una semana, también alcanzó en dos semana obtener disco de oro en Colombia y Venezuela. En 3 semanas consecutivas en el número uno en españa, vendió más de 500.000 copias. Bisbal fué premiado en miami a los premios 'Lo Nuestro'. Bisbal emprendió 'Bulería Tour 2004', una gira por españa de 80 conciertos durante la primavera y verano y vendiendo más de 600.000 entradas conbiertiendose en la gira más importante de 2004 en España. El 11 de marzo dondé se produjo el Atentado de Atocha en Madrid, bisbal lamento en Caracas dicho atentado. En abril realizó varios conciertos acústicos en Chicago. En mayo bisbal recogio el premio al mejor disco de un artista revelación en la gala de los Premios Billboar y al premio Espíritu Latino, unos dias después, alcanzó el disco de oro en Estados Unidos trás vender más de 100.000 copias.

En septiembre, Bisbal actuó en la plaza de toros de las ventas en Madrid actuando dos veces consecutivas y entradas agotadas. El 12 de noviembre de 2004 empezó una gira por Estados unidos, México y Puerto rico donde realizó 11 conciertos. Su segundo álbum, Bulería consige vender más de 1.300.000 copias a nivel internacional, de los cuales 1.000.000 en españa consiguiendo el segundo disco de diamante y volviendo en la carrera musical del cantante, siendo el álbum más vendido del 2204, asi mismo bisbal conseguio la consagración. Durante el 2005 Bisbal realizó un duo con Alicia Villarreal con el tema 'Tu ausencia'. En la primeravera realizó un tour por ameria ce 21 conciertos. El 29 de marzo sale a la venta el primer DVD en concierto, titulado Todo por ustedes un disco con doble Dvd+cd, una semanas más tarde, alcanzó el doble platino por vender más de 50.000 en España. En septiembre recibió el premio 'orgullosamente latino', el almeriense ganó el galardón a la Canción Latina del Año con Desnúdate mujer y el de Video Latino del Año por Bulería. En Noviembre piso por primera vez Alemania para promocionar el duo con la cantante Joana Zimmer, un duo con el tema 'Let’s make history',[44] unos dia después de presentar el videoclip con Joana Zimmer, Bisbal, apareció en la gala 'homenaje a Rocío Jurado', cantando con la cantante.

Su primer single se presentó en agosto titulado 'Quién me lo iba a decir', conseguio ser número uno en las listas de ventas y radios de España y América. Antes de publicar su tercer disco, lanzó su propia línea de perfume llamada 'Pura esencia', en la que incluyó también productos personales como cremas y desodorante, convirtiendose así en empresario del mercadeo de perfumería, a nivel internacional. El 3 de octubre lanzó su tercer material discográfico titulado "Premonición", alcanzó el número uno en su debut, donde conseguió alcanzar los cinco discos de platino, distribuyendose más de 900.000 copias. El 24 de octubre actuó en Estrasburgo, La sede del Parlamento Europeo en Estrasburgo donde dió un concierto exclusivo, en el que interpretó los temas de su álbum, ante representantes de los 25 países miembros.[49] El álbum se mantuvo durante 1 mes en en número uno en las listas españolas.[50] El cantante ganó el premio 'Ondas' celebrado en el Teatre Musical de Barcelona la 53ª Gala de Los Premios Ondas.

En diciembre de 2006, fue premiado en Madrid por su su perfume 'Pura Esencia'. En 2007, en enero, Su segundo single 'silenció' permaneció durante 8 semanas comnsecutivas en el número uno en los 40 principales, 'Premonición conseguio ser disco de oro en Estados Unidos y Venezuela y su primer single siendo número uno en Argentina, Puerto Rico, Colombia y Chile.[54] En marzo recibió en Sevilla el galardón por vender más de un millon de descargas legales de premonición. EL 10 de marzo empezó su gira mundial en Bogotá donde recorrerá todo Latinoamérica, y donde recorrera más de 60 localidades en España[56] En mayo la canción 'Oye el boom' del segundo disco de Bulería, conseguió el número uno en Japón, gracias a un cantante japonés que versionó el tema, unos dias después el cantante viajó a Alemania y Japón para promocionar su tercer disco. En verano, el cantante lanzó dos ediciones especiales de 'Premonición', una con Dvd y otra en formato USB. En septiembre, se estrena la cancion de "Ave maría" en Alemania y Austria. El 27 de noviembre, se publico 'Premonición Live' con dvd+cd. En 2008, lo marcó el duo con Rihanna con el tema 'Hate That I Love You' que incluye en la reedición del disco 'Good girl, gone bad'. En diciembre, el cantante, viajó hasta Bélgica y Rumania para promocionar su ultimo álbum. Su gira "Premonición Tour" la finalizó el sábado 8 de Agosto de 2009 en el concierto que dio en la Playa Victoria de la ciudad de Cádiz, con motivo del festival «Cádiz Latino 2012», ante más de 100000 personas.

Su nuevo disco: "Sin mirar atrás"

En verano, el cantante dio varios conciertos por algunos paises en Europa, donde entre los nuevos mercados que incursionó Bisbal con su música fue en Francia, donde tuvo mucho éxito presentandose en la cuidades francesas de Toulouse y París siendo éstos, algunos de sus últimos conciertos de la gira de su anterior disco "Premonición". Después de estas presentaciones participó en diferentes eventos televisivos, radiales, etc, en América Latina y Europa. Al mismo tiempo Bisbal se encontraba dando los toques finales a esta nueva producción discográfica llamada Sin mirar atrás.

El primer single de este disco, lleva por título "Esclavo de sus besos" bajo la producción del compositor mexicano Armando Ávila. Su estreno mundial fue el 24 de agosto y el videoclip salió el 7 de septiembre. La fecha de salida para este nuevo material discográfico de David Bisbal será el 20 de octubre del 2009. A día de hoy el single ha sido número 1 durante tres semanas consecutivas en España, vendiendo más de 40.000 copias y recibiendo el Disco de Platino.

Solidaridad y obras benéficas

David también ayuda y colabora en nobles causas de bien social, por los niños y las personas, de diferentes partes del mundo. Él pertenece a la fundación Red Hand, que se encarga de ayudar y apoyar a los niños y niñas soldado, quienes son enviados al ejército en diferentes países, donde son explotados y maltratados. Bisbal es el único artista que lucha por estos niños(as) soldado, del mundo. También participa en la fundación ALAS, donde colaboran también otras grandes estrellas de la música como Chayanne, Ricky Martin, Shakira, entre otros, para ayudar los niños pobres de latinoamérica. Ha colaborado también en otras actividades benéficas como la famosa campaña Teletón, el concierto por los niños Todos Somos Niños organizado por grandes artistas como Juanes, Luis Fonsi, Juan Luis Guerra, Ricardo Montaner, y otras estrellas musicales, también la actividad que se realizó en España Todos Somos Inocentes, entre otras. David Bisbal recauda dinero, para todas estas causas, donando por cada disco que se venda de él $1 dólar, y asi lo recauda al final.

Pagina: http://www.davidbisbal.com/

Alison Krauss

2009-11-12T09:25:00.002-03:00

Alison Krauss (Decatur, Illinois, Estados Unidos, 23 de julio de 1971), es una cantante y violinista de bluegrass de gran éxito en su país natal. Ha conseguido varios discos de platino y 26 Premios Grammy, siendo la mujer que más Grammys ha ganado como solista, productora, colaboradora y junto a su grupo Union Station (y a solo un Grammy del record absoluto, ostentado por Quincy Jones).

Biografía

Inicialmente estudió violín clásico, pero a los ocho años empezó a interesarse por el violín de bluegrass, y comenzó a tocar en fiestas y festivales y a obtener varios premios. Además de su virtuosismo con el violín, llamó pronto la atención de la crítica su voz de soprano. En 1985 se publicaron sus primeras grabaciones en el disco Different Strokes, una colección de temas bluegrass y folk interpretados, además de por ella, por su hermano Viktor, Bruce Weiss y Jim Hoiles. Ese mismo año, contando ella catorce, firmó un contrato con el sello discográfico Rounder Records, especializado en música tradicional de los Estados Unidos, que en 1987 editó Too Late to Cry, su primer disco en solitario, que tuvo un gran éxito. En su siguiente disco, Two Highways (1989), contó con la colaboración de la banda de bluegrass Union Station: Mike Harman (banjo), Jeff White (guitarra) y John Pennell (bajo). En esta obra, Krauss hizo incursiones en el country, el gospel e incluso el rock, con una versión de la canción Midnight Rider, de The Allman Brothers Band. A partir de ese momento, Krauss y Union Station empezaron a colaborar de manera continuada y como grupo, en el que Alison aporta su voz y toca el violín.

Ha producido discos para otros músicos, como The Cox Family y Nickel Creek.

El 29 de octubre de 2007 salió a la venta un nuevo disco de versiones llamado Raising Sand, en el que es acompañada por Robert Plant, famoso cantante del grupo Led Zeppelin. Este álbum ganó la séptima edición de los premios de la Americana Music Association (AMA), celebrada en el histórico Ryman Auditorium de Nashville, con los premios al Mejor Album y al mejor duo/grupo de la temporada, y también se hizo con el galardón a Mejor colaboración Country de los Premios Grammy, con la canción "Killing The Blues".

Pagina: http://www.alisonkrauss.com/

La Mancha de Rolando

2009-11-11T10:26:00.002-03:00

Es una banda de rock de la provincia de Buenos Aires, más precisamente de Avellaneda, nacida en los '90. Comenzaron a tocar en el barrio y con amigos, hasta que en el '94 deciden grabar su primer disco, que se llamaría "El cóctel del Tío Pupi".

Los cuatro integrantes de la banda inician en el '95 su primera gira por la Costa Atlántica. Ese año son votados como "Banda Revelación" en la encuesta del Sí de Clarín y superados en la del No de Página 12 solamente por La Renga.

En el '96 graban "La ley del gomero", su segundo disco, con invitados como Chizo de La Renga, el Pelado Cordera de Bersuit Vergarabat y Calvin de Los Auténticos Decadentes.

La banda estuvo tocando en parques, teatros, bares y facultades, rápidamente en las esquinas se comenzaron a leer graffitis con el nombre de la banda y cada show tenía más público y más discos se vendían. En enero del '98 registran su tercer disco "Cabaña Elderly", cuentan con la producción del ex V8, Miguel Roldán. Con el disco bajo el brazo, alquilan un micro y parten, una vez más hacia la Costa Atlántica.

Durante el '98 tocan en varios lugares, entre ellos Cemento, y continúan con su ya tradicional gira de recitales gratuitos por diferentes barrios, plazas y parques de Buenos Aires.

1999 comienza con otra exitosa gira por la Costa Atlántica, al igual que en años anteriores, donde presentan su última producción: "Cintas mágicas"; un compilado de edición limitada que reúne nuevas versiones de temas ya editados, temas en vivo, acústicos y las últimas canciones de la banda.

El 2000 los encontró presentando su quinta producción: "Animal humano". "Primer Cemento" es la grabación en vivo del recital del 27 de abril del 2001, y "10 años en la ruta" es un compilado con lo mejor de los recitales realizados durante el 2000 y el 2001, lanzado como festejo por la primera década de vida del grupo.

A fines del 2001 editaron "Juego de locos", que es presentado en la Costa Atlántica durante el verano, con gran convocatoria en los balnearios, teatros y bares. Invitados a participar del Cosquín Rock, luego hacen la presentación oficial de "Juego de locos" en Cemento y realizan una gira por el interior del país, que los lleva a ciudades como Córdoba, Rosario, Santa Fé, Mendoza, Río Negro y Neuquén.

El verano del 2003 los encuentra nuevamente por las playas y por segundo año consecutivo en Cosquín. "Cintas mágicas volumen 2" (2003) es un disco con nuevas versiones de clásicos y algunos temas estreno, todo en formato acústico.

"Viaje" fue lanzado en marzo de 2004 a través el sello PopArt. Producido por el ex-GIT Pablo Guyot, tuvo muy buenas críticas de la prensa y gran difusión gracias a los cortes "Calavera" y "Buscar".

En abril de 2006 lanzan "Espíritu", también a través del sello PopArt. Producido por la misma banda, sus doce tracks terminan de darle un sonido que los identifica.

Con el título "Riesgo, amor y fantasía" lanzaron el primer DVD de la banda, con videoclips, sets acústicos y videos inéditos del realizador Diego Pernía.

"Viviré viajando" es un CD+DVD con 18 canciones grabadas en vivo entre 2006 y 2007. El disco, producido por Mancha de Rolando y Alvaro Villagra, cuenta con invitados como Fidel Nadal, Facundo Soto (Guasones) y Gillespie.

Formacion:

Carlitos: bajo
Conde: piano
Franchie: guitarra
Tano: batería
Manuel "Negro" Quieto: voz y guitarra

Pagina: http://www.manchaderolando.com/
Fuente: Rock.com.ar

Coco Montoya

2009-11-11T09:50:00.001-03:00

Coco Montoya (Henry Montoya, nacido el 2 de octubre de 1951 en Santa Monica, California, Estados Unidos) es un importante guitarrista de blues que formó parte de John Mayall & the Bluesbreakers.

Carrera musical

La carrera de Montoya comenzó a mediados de los años 1970 cuando Albert Collins le invitó a formar parte de su banda como batería. Collins apadrino a Montoya y le enseñó su estilo icy hot. Han seguido siendo amigos aún después de que Montoya abandonara la banda de Collins.

A principios de los años 1980 John Mayall oyó tocar la guitarra a Montoya en un bar de Los Ángeles. Poco después Mayall invitó a Montoya a formar parte de los otra vez reformados Bluesbreakers. Montoya permaneció en la banda durante 10 años.

A principios de los años 1990 decidió que era hora de probar por sí mismo. Ha editado varios discos de blues de gran éxito.

En 1995 apareció con los Cate Brothers cuando volvieron a editar discos con, Radioland.

En 2002, apareció en el álbum tributo a Bo Diddley Hey Bo Diddley - A Tribute!, con la canción Pills.

Instrumentos

Montoya es zurdo y toca con la guitarra al revés aunque manteniendo las cuerdas en el orden normal. En otras palabras, esto quiere decir que toca con guitarras para diestros giradas, que llevan las cuerdas graves en la parte superior del mástil y las agudas en la inferior, como usa su mano derecha para poner los acordes y la izquierda para percutirlas, para él las agudas están en la parte superior y las graves en la inferior. Esto contrasta con el estilo de otros zurdos como Jimi Hendrix y Tony Iommi, entre otros, cuyas guitarras llevan las cuerdas recolocadas para zurdos (aunque Hendrix podía tocar también con guitarras con las cuerdas sin recolocar).

En la mayoría de las fotos actuales de Montoya aparece tocando con una guitarra tipo Stratocaster, con cuerpo adaptado para zurdos (imagen especular de un cuerpo para diestros), con mástil y clavijero típicos de Stratocaster para diestros, de tal manera que las clavijas le quedan en la parte inferior, y con las cuerdas dispuestas al revés respecto a la colocación típica de una guitarra para zurdos.

Pagina: http://www.cocomontoya.com/

Tom Waits

2009-11-11T09:20:00.002-03:00

Thomas Alan Waits (n. Pomona, California; 7 de diciembre de 1949) es un pianista, cantante, compositor y actor estadounidense, famoso por sus canciones de tono áspero, inspiradas en escritores como Charles Bukowski y otros de la generación Beat, en especial Jack Kerouac.

Biografía

En 1967 comenzó a trabajar en los cabarés de Los Ángeles, ambiente que le influyó mucho para las canciones de su primer disco, Closing Time (1973), aunque este álbum se vio eclipsado por The Eagles y Tim Buckley, pero fue con el álbum Heart of Saturday Night (1974) el que dio a conocer su personal estilo. Más tarde en 1975 con el disco en directo Nighthawks at the Diner combina canciones muy personales (entre ellas Better off without a wife) con entretenidos monólogos introductorios.

Tras Small Change (1976), sus siguientes discos no consiguieron situarse en las listas de éxitos. En esos años interpretó pequeños papeles en películas como La cocina del infierno (1978, de Sylvester Stallone) o Corazonada (1981, de Francis Ford Coppola), para la que también compuso la música.

Volvió a las listas de ventas en la década de 1980 con Swordfishtrombones (1983), Rain Dogs (1985) y Frank’s Wild Years (1987), discos en los que confluyeron una gran variedad de estilos desde el blues hasta el tango, que dieron a sus canciones una atmósfera especial que le aseguró el éxito de ventas y la aceptación del gran público. También participó en películas como Bajo el peso de la ley (1986, de Jim Jarmusch), Drácula (1992, de Coppola) y Vidas cruzadas (1993, de Robert Altman) con papeles de más importancia que en sus anteriores incursiones en el cine. Asimismo, compuso la música de la película Noche en la Tierra (1991, de Jim Jarmusch) y al año siguiente, graba Bone Machine (1992). Un año más tarde colaboró con William S. Burroughs en la ópera cómica de carácter siniestro The Black Rider. El 2002 fue un año especialmente prolífico con la publicación de dos discos: Alice y Blood Money.

Más recientemente, en octubre de 2004, publicaría Real Gone uno de los discos más representativos hasta la fecha de esa particular mezcolanza característica de Tom Waits. Y el último trabajo de Waits, un triple álbum, se publica en 2006 con el nombre de Orphans.

Aparece junto a Iggy Pop en la película de Jim Jarmusch Coffee and Cigarettes (2003).

En 2005 aparece cantando en el sueño de Atilio que da pie a toda la película El tigre y la nieve.

En 2006 actúa y canta una canción suya en la película Domino de Tony Scott.

El 12 de julio de 2008 actúa por primera vez en España, concretamente en el Kursaal de San Sebastián (España).

Pleitos

Waits ha rechazado rotundamente permitir el uso de sus canciones en anuncios y se ha burlado de otros artistas que lo hacen. “Si Michael Jackson quiere trabajar para Pepsi, ¿por qué no consigue una traje y un despacho en la oficina central y acaba con el problema?”. Ha presentado varias demandas contra empresas que usaron su material sin permiso. En referencia al coche Mercury Cougar, una vez declaró: “Al parecer, la mayor virtud que nuestra cultura reconoce a los artistas es salir en los anuncios preferiblemente desnudos y fardando en el capó de un nuevo coche”. “Yo he rechazado muchas veces este dudoso honor”.

Waits fue la voz en off del anuncio televisivo de la comida de perros Purina en 1981.

El artista presento su primera demanda contra Frito Lay en 1988. El juzgado sentenció una indemnización de 2,375 millones de dólares a su favor. Frito Lay había propuesto a Waits usar una de sus canciones en un anuncio pero él rechazó la oferta. La compañía contrató a un imitador de Waits para que cantara una canción muy parecida a "Small Change’s, Step Right Up". Curiosamente, esta canción fue descrita por Waits como “una crítica a la publicidad”. Waits ganó el juicio y se convirtió en uno de los primeros artistas en demandar y ganar a una compañía por contratar a un imitador sin permiso.

En 1993, Levi’s usó en un anuncio la versión de Waits de la canción "Heartattack and Vine" del músico afro-americano Jay Hawkins. Waits les demandó, por lo que Levi’s acordó no poner más la canción y ofreció una disculpa de una página en la revista Billboard. En el año 2000, Waits se encontró en una situación similar a la de Frito Lay; Audi le propuso usar la canción "When You Dream" en la emisión de uno de sus anuncios en España. Waits rechazó la propuesta pero el anuncio mostraba música muy parecida a la canción, y como consecuencia tomó acciones legales. Un tribunal español reconoció que había habido una violación de los derechos morales de Waits además de una violación del derecho de autor. La compañía, Tandem Campany Guasch, tuvo que pagar una compensación a Waits a través de su editorial española. El cantante y músico se burló más tarde diciendo que la compañía debió equivocarse en la canción y haber escogido Innocent When You Scheme (“Cuando planeas eres inocente”).

En el 2005 demandó a Opel AG, reclamando que después de haber rechazado cantar para ellos en un anuncio para la zona de Escandinavia, la compañía contrató un imitador. En el 2007 el juicio fue resuelto; Waits donó el dinero a una organización benéfica. También ha tenido un juicio que no está relacionado con su música. Fue arrestado en 1997 fuera de la tienda Duke’s Tropicana Coffe Shop en Los Angeles por intentar detener, junto a un amigo, a dos hombres que querían robar a otros clientes. Resultó que eran policías vestidos de civil por lo que Waits y su amigo fueron arrestados bajo custodia y acusados de perturbar la paz. El jurado declaró a Waits inocente; demandó el departamento de policía y fue indemnizado con 7.500 dólares.

Pagina: http://www.tomwaits.com/

The Tragically Hip

2009-11-11T09:14:00.001-03:00

The Tragically Hip son un grupo de rock canadiense de Kingston, Ontario. Sus miembros son Gordon Downie (voz y guitarra de acompañamiento), Paul Langlois (guitarra), Rob Baker (guitarra), Gord Sinclair (bajo) y Johnny Fay (batería). La banda es muy influyente y muy popular en Canadá; en el 2005 fue inducida en el Salón de la fama de la música canadiense.

Trayectoria

The Tragically Hip — frecuentemente se les conoce como The Hip — se integró en 1983. Tomaron su nombre de una escena en la película Elephant Parts de Michael Nesmith de The Monkees.

En 1987, la agrupación firmó un contrato a largo palzo con la disquera MCA. Más tarde ese mismo año sacaron el EP The Tragically Hip, aunque pasaron desapercibidos para muchos hasta que sacaron su LP Up to Here en 1989, que los colocó como una de las mejores bandas de Canadá. En 1992 crearon el festival Another Roadside Attraction que recorre Canadá promocionando bandas locales.

La agrupación es inmensamente popular en Canadá. Nunca han tenido mucho éxito en los Estados Unidos, pero en realidad nunca lo han perseguido. Su actuación más visible en aquel país fue el 20 de marzo de 1995, cuando aparecieron en el programa Saturday Night Live al lado del también canadiense Dan Aykroyd y con John Goodman como conductor. En 1999, The Hip fueron también una de las bandas presentes en Woodstock '99. La agrupación permite a los fanáticos que graben sus conciertos, por lo que existe una activa comunidad de intercambio de estas grabaciones. El tono y contenido de casi toda su música apela a la experiencia de ser canadiense e incluyen tópicos tales como la vida rural, la geografía y el hockey.

A pesar de que The Tragically Hip son bastante desconocidos en Estados Unidos, su álbum en vivo Live Between Us, fue grabado en Detroit, Míchigan en 1996. En 1998, la agrupación sacó su séptimo LP, titulado Phantom Power, que contiene los éxitos "Poets", "Bobcaygeon", y "Fireworks".

El 10 de octubre de 2002, la banda tocó dos canciones, "It's A Good Life If You Don't Weaken", y "Poets", como parte de un espectáculo para la Reina Isabel II del Reino Unido.

En 2004 The Tragically Hip sacó su décimo LP, In Between Evolution. Muchos fans cosnideraron que el álbum representaba un regreso a las raíces de su música, despu´pes de haber experimentado con nuevos sonidos en Music @ Work (2000) e In Violet Light (2002).

La banda tiene una estrella en el Paseo de la fama canadiense; el 3 de abril de 2005 fueron inducidos al Salón de la fama de la música canadiense en la emisión 2005 de los Premios Juno.

En octubre de 2005 muchas estaciones de radio suspendieron la programación de su canción clásica "New Orleans is Sinking", para evitar ofender a las víctimas del Huracán Katrina, que había devastado la ciudad de Nueva Orleans en septiembre de ese mismo año.

En 2005, la banda sacó un CD y DVD doble, en box set, titulado Hipeponymous. La caja contenía todos sus videos musicales, un cortometraje con música de The Hip titulado "The Right Whale", dos canciones nuevas ("No Threat" y "The New Maybe"), la grabación de un concierto entero, That Night In Toronto, y una colección de grandes éxitos, Yer Favourites (seleccionados en línea por más de 150,000 fanáticos del grupo).

En 2006 The Hip completó una gira mundial y la grabación de un álbum titulado World Container, publicado en octubre de ese mismo año. El primer sencillo del álbum, "In View", alcanzó el lugar #1 en las listas de popularidad de rock en Canadá.

Pagina: http://www.thehip.com/

Ronnie Earl

2009-11-10T11:20:00.003-03:00

Ronnie Earl (nacido Ronald Horvath, 10 de marzo de 1953) es un guitarrista de blues, jazz y soul estadounidense. Su fraseo y su forma de ejecución, elegante y sentida, mezclando el sonido del blues (principalmente con el estilo de Chicago y Texas) con improvisaciones propias del jazz, le sitúan como uno de los grandes instrumentistas actuales del blues.

Biografía: Primeros años

La relación de Earl con la música pudo iniciarse temprano (sus padres intentaron que aprendiera piano con diez años), pero la disciplina exigida por el aprendizaje le repelía. Hasta diez años más tarde, durante su estancia en la Universidad de Boston, no mostraría un serio interés por la música, que en esta ocasión vendría dado por el blues.

En 1973, estando en tercer año de carrera universitaria, tuvo ocasión de escuchar a Muddy Waters en un club de la ciudad. Compró una guitarra acústica, que inmediatamente cambió por una Fender Stratocaster, e inició una intensa práctica que le llevó a dominar el instrumento en un tiempo relativamente corto.

Tras su diplomatura en Educación y Educación especial pasó un tiempo trabajando con niños con necesidades especiales; pero el blues se había convertido en su pasión. Su primer trabajo profesional, aún con su nombre original, fue en la sección rítmica de The Speakeasy. Empezó a frecuentar a los grandes bluesmen que llegaban a Boston (cuando estaban en la ciudad, compartía apartamento con Otis Rush y Big Walter Horton). También viajó a Chicago, donde pasó un tiempo con Koko Taylor, que le introdujo en el ambiente del blues local.

En 1978 pidió una excedencia en su trabajo y viajó al sur junto a Johnny Nicholas; visitaron los clubes de Atlanta y Nueva Orleans, y recalaron en Austin (Texas), donde Ronnie trabó una importante amistad con Kim Wilson y Jimmie Vaughan, de The Fabulous Thunderbirds. Al regreso de este viaje, Earl fue consciente de que no podía seguir compaginando el rigor de la enseñanza con su naciente carrera musical, y abandonó la primera. En 1979 fue guitarra rítmica en la única grabación del grupo Guitar Johnny & the Rhythm Rockers, liderado por Nicholas, y en el primer disco de Sugar Ray & the Blue Tones, liderado por el armonicista Sugar Ray Norcia. Esa fue la época de su cambio de nombre: compartía escenario con Muddy Waters y, dado que este no atinaba a pronunciar correctamente su apellido cuando le llamaba al escenario o lo presentaba, decidió cambiar Horvath por Earl en honor a su admirado Earl Hooker.
Roomful of Blues

En 1979, Earl fue invitado a unirse al grupo Roomful of Blues en sustitución de Duke Robillard, fundador del mismo. El jump blues revivalista practicado por el conjunto precisaba de cierta sensibilidad jazzística a la vez que de un intenso sentido del blues, y pareció encontrar ambas virtudes en Earl.

Comienza así una colaboración de ocho años (1979-1987) que se inicia con el notable disco "Hot little mama" (1981) y se prolonga hasta el "Live at Lupos Heartbreak Hotel" (1986). Pero estos años significarían mucho más en la vida de Earl. En el campo profesional, el reconocimiento a nivel nacional como brillante guitarrista se une a una escalada creativa que, como compositor, le llevará a la necesidad de encontrar cauces para expresar su música con voz propia. En lo personal, el inicio de un historial de abuso de alcohol y drogas se añadirá a graves crisis depresivas y marcará los siguientes veinte años de su vida. Las giras prolongadas y el entorno en que se desenvuelven los músicos durante las mismas no hacen sino aumentar las tendencias adictivas del guitarrista, y las adicciones agravan su depresión. En sus propias palabras:

Lo que te encuentras muchas veces son alcohólicos y adictos que medican su depresión con esas sustancias nocivas. Es lo que me pasó a mí: mediqué mi depresión con cocaína, aunque empecé por la marihuana.
Entrevista con Brian Holland

En el terreno profesional, el renombre de Roomful como banda de blues iba en aumento, lo cual provocó que fueran solicitados para grabar como grupo de acompañamiento de auténticas leyendas de la música, como Eddie "Cleanhead" Vinson en el disco "Eddie Cleanhead Vinson and Roomful of Blues" (1982), Big Joe Turner en "Blues train" (1983) o Earl King en "Glazed" (1988); todas estas grabaciones fueron nominadas para los premios Grammy, lo que hizo que la fama de Roomful of Blues rebasara los límites del género para hacerse cierto nombre en el mercado de la música convencional.

Earl, por su parte, empezó a dar cauce a sus inquietudes musicales más personales grabando sus primeros discos en solitario mientras aún militaba en Roomful. Su primera grabación (y germen de lo que sería en adelante su grupo de acompañamiento, the Broadcasters) fue "Smokin'" (1983), y en ella contó con las voces de Kim Wilson y Sugar Ray Norcia. Al año siguiente, "They call my Mr. Earl" confirmaría que, aunque estos discos fueran aún una actividad secundaria, la carrera de Ronnie Earl en solitario ya había comenzado.

Mientras Roomful of Blues seguía acumulando éxitos como conjunto (su sección de viento fue reclamada para tocar con Stevie Ray Vaughan en su "Live at the Carnegie Hall" (1984), y la banda en pleno estaba en una gira constante de costa a costa de EE.UU.), sus componentes iban sufriendo las consecuencias de un ritmo tan intenso. Corría el año 1987, y la enfermedad y el agotamiento provocaban bajas; un caso notable fue el del saxo tenor Greg Piccolo, líder de facto del grupo desde la marcha de Robillard. En cuanto a Earl, sus adicciones se iban agravando a la vez que se desarrollaba un grave estado depresivo que no sería diagnosticado hasta unos años después. Pero musicalmente, fue el momento decisivo: a finales de 1987 dejaba definitivamente Roomful of Blues.
Ronnie Earl and the Broadcasters

En 1988 Earl formó oficialmente the Broadcasters con intención de continuidad. El grupo tomó el nombre de la primera guitarra fabricada por Fender. Esta primera formación estaba compuesta por Darrell Nulisch (voz), Jerry Portnoy (armónica), Steve Gomes (bajo) y Per Hanson (batería). Ese mismo año realizaron su primer álbum, "Soul searchin'", seguido por "Peace of mind" en 1990.

Entre uno y otro disco, Earl había aceptado y enfrentado sus problemas con el alcohol y la cocaína, y empezaba a replantearse seriamente un camino musical que había ido madurando con el tiempo. Como él mismo recordará años más tarde:

Esto viene de cuando estaba con Roomful, probablemente hasta de más atrás [...] A pesar de haber compuesto muchas canciones con letra, yo no sentía la necesidad de palabras, y al final me sentía como si no pudiera expresar con ellas lo que sí podía hacer decir a la guitarra [...] Mi guitarra es mi voz.
Entrevista con Bob Putignano

En sus discos de estas fechas se alternan las composiciones con voz y las puramente instrumentales, pero en 1993 se concretará la decisión que había venido madurando durante años: "Still river" es un álbum estrictamente instrumental; pero tal vez lo más importante es que no se trata de un experimento, sino del inicio de una serie de discos que prescinden por completo de la voz, lo que convierte a Earl en una rareza dentro del mundo del blues. El grupo reunido para este disco está formado por Rod Carey (bajo), Laurence Etkin (trompeta), Anders Gaardmand (saxo), Per Hanson (batería) y Bruce Katz (órgano y piano).

Acompañando la publicación de "Still river", la banda se embarca en una gira por Europa durante la cual madura su estilo y compenetración, y consigue el aplauso de crítica y público: "Blues guitar virtuoso - Live in Europe", grabado en Bremen (Alemania) durante dicha gira, obtuvo el premio al mejor álbum de blues en la votación de final de año de la revista Pulse. Al año siguiente, "Grateful heart: Blues and ballads", consiguió el premio al mejor álbum de blues de 1996 de la revista DownBeat.

Los premios, las actuaciones y la atención mediática conseguida, le permiten firmar contrato con un sello importante, Verve, en el cual debuta en 1997 con la grabación de "The colour of love": vende más de 65.000 copias y se convierte en uno de los mayores éxitos en la carrera de Earl; musicalmente, supone un paso más en dirección a los sonidos de jazz e instrumentales (solo uno de sus once temas tiene letra: 'Everyday kinda man', cantado por Gregg Allman. Ese mismo año le conceden el primero de sus dos premios W.C. Handy ( Blues Music Awards a partir de 2006) como mejor instrumentista de blues; el siguiente lo ganó en 1999.

En lo personal, en cambio, la situación no acompañaba al éxito profesional. Puede decirse que esa época fue el segundo momento decisivo en la vida privada de Earl. Como él mismo dice:[2]
Sobre esta época, mi mujer me dijo: Quiero cultivar un jardín, recuperar la apariencia de una vida real y dejar la carretera. Además, yo estaba exhausto, peleando contra la diabetes y la depresión, así que estaba quemado; tanto física como mentalmente.

Lo que Earl describe aquí someramente es una grave crisis vital y psicológica que se traducirá en la ruptura con el sello Verve y la disolución de the Broadcasters. Y, en su vida posterior, en temporadas de inactividad y reclusión,un alejamiento de las grades giras, y lo que ha sido la tónica general en la carrera de Earl desde esas fechas: la limitación de sus apariciones en directo a lugares de poco aforo en localidades a corta distancia de su domicilio, en Nueva Inglaterra.

Su disco siguiente, "Healing time" (2000), grabado con un sello menor, Telarc, se introduce mucho más en el camino del jazz y cuenta con la participación del legendario organista Jimmy McGriff. En 2001 aparece "Ronnie Earl and friends", un homenaje mutuo entre él y los artistas invitados que participan: un disco de vuelta al blues más tradicional, que huye de experimentos y que alcanza su mejor sonido en los blues lentos. Nueva desaparición (sigue luchando con su diabetes, la depresión y un lastrante síndrome de fatiga crónica) y retorno en 2003 con "I feel like goin'on", grabado con el pequeño sello canadiense Stony Plain Records; se trata de una nueva incursión en el blues instrumental, con un solo tema cantado.

En 2004, la aparición de "Now my soul" significa una reunión con viejos amigos como Kim Wilson o Greg Piccolo, la recreación de the Broadcasters (por primera vez en una portada desde 1997), y la manifestación pública de una profunda religiosidad que ayuda a Earl a superar sus muchos problemas fisicos y psicológicos; miembro de la Primera iglesia baptista de Littleton (Massachusetts), es habitual verle tocar en sus ceremonias. Toda esta orientación personal queda expresada en el tema 13 del disco, un mensaje hablado del guitarrista. La crítica en general acoge con satisfacción este álbum, en el que muchos destacan el tema 'Double Trouble', magnífica versión (con Wilson como voz y armónica) de más de 10 minutos del original de Otis Rush, a quien Earl ha reconocido en diversas ocasiones como su mayor influencia y a quien ha homenajeado musicalmente a lo largo de su carrera.

Su reunión en 2005 con Duke Robillard para crear "The duke meet the earl", supone el reencuentro de dos grandes amigos y de dos grandes guitarras, cuyo diálogo a lo largo del disco (Earl sonando en el canal izquierdo y Robillard en el derecho) deparan al oyente algunos momentos memorables, como una insuperable versión de 'My tears' de casi 16 minutos. Invitados a esta fiesta, el órgano de Jimmy McGriff y la voz de Mighty Sam McClain. En 2007 regresa al jazz-blues instrumental con "Hope Radio", grabado en vivo en el estudio durante dos días y ante una pequeña audiencia de invitados (al mismo tiempo se grabó en DVD). La formación de the Broadcasters en este disco (idéntica desde la reunificación de 2004) la componen Jim Mouradian (bajo), Dave Limina (teclados) y Lorne Entress (batería); como invitados, Michael "Mudcat" Ward (bajos y piano) y Nick Adams (segunda guitarra).

Pagina: http://www.ronnieearl.com/

Sikarios

2009-11-10T11:09:00.002-03:00

Ariel Díaz y Ezequiel Salanitro habían participado de El Ajenjo, una conocida banda rosarina que llegó a grabar cuatro discos. En julio de 2003 se unieron al baterista Lisandro Hedin para darle forma a Sikarios.

La diversidad musical de la banda mezcla Rage Against The Machine, Foo Fighters, Soundgarden, Divididos, Radiohead y también el folklore de Atahualpa Yupanqui y Peteco Carabajal.

El debut en vivo tuvo lugar en el García Bar de Rosario, y luego telonearon a Cielo Razzo. Gracias a ésta banda viajaron a Buenos Aires, para presentarse en Cemento.

Durante el 2005 registraron "Réquiem rustico", su primer trabajo independiente, editado en el 2006. El corte de difusión fue "Esperanzado", con videoclip incluido.

Cielo Razzo vuelve a invitarlos a Buenos Aires para presentarse en El Teatro y luego en Willie Dixon, de Rosario.

Formacion:
Ariel Díaz: bajo
Ezequiel Salanitro: guitarra y voz
Lisandro Hedin: batería

Pagina: http://www.sikarios.com.ar/
Fuente: Rock.com.ar

Steve Miller Band

2009-11-10T10:59:00.000-03:00

La Steve Miller Band es un influyente grupo estadounidense de blues rock liderado por Steve Miller; guitarrista y vocalista.

Historia

Steve Miller, junto al teclista Barry Goldberg, el bajista Roy Ruby, el guitarrista Craymore Stevens y el batería Lance Haas, fundó la Goldberg-Miller Blues Band poco después de trasladarse a Chicago para tocar blues. La banda firmó un contrato con Epic Records después tocar en muchos clubes de la ciudad. Su única publicación fue un single, "The Mother Song".

Tocaron en el Hullabaloo con el Four Tops and the Supremes e hicieron una actuación en un club de Manhattan. Entonces Miller se mudó debido a la creciente actividad musical de la ciudad de San Francisco y formó la Steve Miller Blues Band. Cuando firmaron con Capitol Records en 1967, acortaron su nombre al definitivo: Steve Miller Band. El cuarteto de Miller, James Cook (guitarrista), Lonnie Turner (bajista) y Tim Davis (batería) tocó con Chuck Berry en un concierto en el Fillmore West, que más tarde se editaría como álbum en vivo. Tim Davis había sustituido a Lance Haas, quien había dejado el grupo.

Poco después, el guitarrista Boz Scaggs se unió a la Steve Miller Band y tocaron en el Monterey Pop Festival en junio. Su álbum debut fue Children Of The Future, grabado en Inglaterra y que salió a la venta en mayo de 1968. Este primer disco no tuvo éxitos destacables y no logró colarse en la lista Top100, pero algunos temas dignos de mención son la melodía acústica "Baby's Calling Me Home" y el tema funky blues "Steppin' Stone". Cerrando el álbum, se puede encontrar una lenta canción titulada "Key To The Highway". La Steve Miller Band publicó un segundo álbum en octubre, llamado Sailor, que tuvo mucho más éxito y alcanzó el puesto 24 en la lista Billboard.

Los seguidores del grupo iban aumentando con cada nuevo álbum. Brave New World, de 1969, llegó al puesto 22; incluía el éxito "Space Cowboy" y el tema "My Dark Hour", en el que también participaba Paul McCartney como bajista. El disco Your Saving Grace, también de 1969, se situó en el puesto 38 y Number 5 llegó más arriba, hasta el 23, ya en 1970.

En 1971, Steve Miller se rompió el cuello en un accidente de coche y Capitol Records editó un nuevo álbum, Rock Love, que incluía material inédito tanto de directo como de estudio. Éste y Recall the Beginning... A Journey From Eden son los únicos dos álbumes de Steve Miller Band que no se han sacado en CD.

En 1972 se puso a la venta el doble álbum Anthology, una recopilación de dieciséis temas de los cinco primeros discos. El siguiente año, The Joker supuso un cambio en la Steve Miller Band. El sonido era más rápido y enérgico y su primer tema, que daba título al álbum, se convirtió en un número 1. Mientras tanto, el disco consiguió posicionarse en el segundo puesto y fue premiado como álbum de platino por su más de un millón de copias vendidas.

Tres años más tarde, la Steve Miller Band regresó con el LP Fly Like An Eagle, que logró un meritorio tercer puesto en las listas. Sus tres sencillos fueron: "Take The Money And Run" (puesto 11º), "Fly Like An Eagle" (puesto 2º) y "Rock N' Me", que fue su segundo sencillo en llegar a lo más alto de las listas. En Fly Like An Eagle se encuentra también el tema "Serenade", versionado muchos años más tarde por el grupo español M-Clan con el título "Llamando a la Tierra". Éste es uno de los temas más famosos del grupo español, y de él existen tres versiones: en el disco Usar y tirar, de 1999, se pueden escuchar una con las letras originales en inglés y otra con la nueva letra de M-Clan. En el disco acústico Sin enchufe, de 2001, hay una muy buena versión (acústica) con grandes solos de guitarra.

En 1977 publicaron Book Of Dreams, que llegó al puesto 2º y también incluía tres éxitos: "Jet Airliner" (puesto 8º) "Jungle Love" (puesto 23º) y "Swingtown" (puesto 17º). En 1982 volvieron a conseguir un nuevo número uno con el tema que compartía título con el disco, Abracadabra.

Desde entonces han grabado esporádicamente pero no se han publicado más álbumes desde Wide River, de 1993.

The Steve Miller Band's Greatest Hits 1974-1978, sacado en 1978, ha vendido más de ocho millones de copias y la banda sigue aún ofreciendo actuaciones en vivo.

Pagina: http://www.stevemillerband.com/

Ray Manzarek

2009-11-10T10:20:00.000-03:00

Ray Manzarek nació el 12 de febrero de 1939 en Chicago, Illinois y su nombre original es Raymond Daniel Manzarek, fue el tecladista de el grupo The Doors.

Sus primeras notas en el piano fueron a los 9 años.

Fue tecladista de The Doors entre 1965 y 1973, período en el que la banda actuó con su formación original compuesta también por Jim Morrison (Voz), Robby Krieger (guitarrista) y John Densmore (baterista).

Conoció a Jim Morrison mientras estudiaba cinematografía en la UCLA. Tras finalizar el curso, en un encuentro casual de ambos en las playas de Venice, California, Morrison leyó y cantó una canción que acababa de escribir, Moonlight Drive, y Manzarek quedó facinado con al crudeza y composición de la misma, Ray invitó a Jim a la banda de él y sus hermanos, llamada Rick & The Ravens, pero al resto de la banda no le parecían las ideas de Jim Morrison, así que Manzarek llamó a unos compañeros de meditación, Robby Krieger y John Densmore, ambos provenientes de una llamada The Psicodelic Rangers; se puede decir que Manzarek junto a Morrison son los elementos fundadores del que posteriormente sería famoso cuarteto.

Los teclados de Manzarek son básicamente el sonido característico de The Doors, gracias a su estilo psicodélico. Como The Doors no contaban con bajista, ese sonido lo realizaba Manzarek con un "Fender Rhodes Piano Bass" (un teclado que suena como un bajo) en las actuaciones en vivo. En las grabaciones de estudio la banda contó con distintos bajistas contratados para tocar, ya que según Paul A. Rothchild, el ingeniero de sonido de la banda, el bajo ejecutado por los "Fender", no tenía un sonido nítido.

En los conciertos en vivo también se contó con su participación vocal, en temas como Close To You, y una versión de Hello, I Love You en vivo desde Europa, también grabó sesiónes en estudio, tales como Tightrope Ride y You Need Meat, incluido en el álbum L.A. Woman (Deluxe Edition).

Después de la muerte de Jim Morrison en 1971, Ray Manzarek junto con el resto de la banda, lanzaron un par de discos con mediano éxito, donde él y Robby Krieger hacían de vocales. Manzarek decide disolver la banda en 1973. Ray lanzó algunos discos al mercardo, con muy poco éxito.

Para finales de los 70's y principios de los 80's, Ray Manzarek fue productor de la banda de punk californiana The X.

Para el año 2000, Ray Manzarek junto a Robby Krieger y Ian Astbury (ex miembro sucesivamente de Southern Death Cult, Death Cult, The Cult y Holy Barbarians), tocan los temas clásicos de la legendaria banda con el nombre de Riders on the Storm, realizando giras internacionales. John Densmore no forma parte del proyecto ya que sufre de acúfenos (tinnitus), enfermedad que le limita para tocar la batería.

En febrero de 2007, Ian Astbury decide volver a su legado con The Cult, dejándole el puesto de vocal a Brett Scallions.

Pagina: http://www.raymanzarek.us/

Roy Rogers

2009-11-10T10:16:00.001-03:00

Roy Rogers (5 de noviembre de 1911 – 6 de julio de 1998), fue un cantante y actor cowboy estadounidense.

Primeros años

Su verdadero nombre era Leonard Franklin Slye, y nació en Cincinnati, Ohio. Sus padres eran Andrew ("Andy") y Mattie (Womack) Slye. Insatisfecho con su trabajo y con la vida urbana, Andy Slye y su hermano construyeron una casa flotante, y en julio de 1912 la familia flotó por el río Ohio hacia Portsmouth, Ohio. Allí adquirieron unas tierras y vivieron unos años, hasta que en 1919 se mudaron a una granja cercana a Lucasville, Ohio. En la granja Leonard tuvo un caballo con el cual aprendió a cabalgar.

Tras completar los estudios de octavo grado, Leonard Slye fue a la high school de McDermott, Ohio. Cuando tenía 17 años de edad su familia volvió a Cincinnati, donde su padre comenzó a trabajar en una fábrica de zapatos. Leonard dejó la high school y entró a trabajar con su padre en la fábrica, a la vez que acudía a una escuela nocturna. En esta escuela fue ridiculizado por quedarse dormido, y por ello abandonó definitivamente sus estudios.

Su hermana mayor, Mary, en 1929 vivía en Lawndale (California) con su marido. Por ello la familia decidió trasladarse a California a pasar unos meses antes de volver a Ohio. Allí le surgió a Leonard la posibilidad de viajar por California con el suegro de Marys, y el resto de la familia les siguió en la primavera de 1930.

Sin embargo, con la llegada de la Gran Depresión la familia se encontró sin trabajo y viviendo en campamentos de trabajadores En este ambiente Leonard cantaba y tocaba la guitarra. Viendo la cálida acogida que recibían sus interpretaciones decidió dedicarse a la música, viajando finalmente con su primo Stanley Slye a Los Ángeles y buscando trabajo como músicos llamados The Slye Brothers.

Leonard se casó en 1936 con Grace Arline Wilkins. En 1941 adoptaron una hija, Cheryl Darlene. En 1942 cambiaron legalmente sus nombres por los de Roy y Grace Arline Rogers. En 1942 tuvieron una hija, Linda Lou, y en 1946 otro hijo, Roy Jr. ("Dusty"). Sin embargo, Arline falleció a los pocos días como consecuencia de complicaciones del parto.
Carrera

Tras cuatro años de poco éxito, en 1934 formó Sons of the Pioneers, un grupo de música cowboy. El grupo tuvo éxitos como las canciones "Cool Water" y "Tumbling Tumbleweeds".

Desde su primera actuación cinematográfica en 1935, trabajó constantemente en el género western, incluyendo un gran papel de reparto como cowboy cantante, todavía bajo el nombre de "Leonard Slye", en una película de Gene Autry. En 1938, cuando Autry dejó temporalmente su contrato cinematográfico, Slye cambió inmediatamente su nombre por el de "Roy Rogers" y asumió el primer papel de Under Western Stars. Rogers se convirtió en un ídolo y en una figura legendaria. A Gene Autry le había surgido un competidor como cantante cowboy favorito del país. Además de trabajar en sus propias películas, Rogers hizo un papel de reparto en el clásico de John Wayne Dark Command (1940). Rogers se convirtió en una atracción para la taquilla, y su futura esposa Dale Evans trabajó con él en una película en 1945.

Roy y Dale se casaron en 1947 en Davis, Oklahoma, donde unos meses antes habían filmado "Home In Oklahoma". Roy y Dale permanecieron casados hasta la muerte del artista en 1998.

Rogers fue un ídolo del público infantil gracias a sus programas televisivos y a sus películas. La mayor parte de sus filmes tras la Segunda Guerra Mundial se rodó en Trucolor, cuando casi todo el cine de serie B de la época se filmaba en blanco y negro. En algunas de sus películas había una trama animal, con el caballo de Rogers, un palomino dorado llamado Trigger, centrando la acción. Rogers también aparecía acompañado de un pastor alemán llamado Bullet. Hizo más de cien títulos de su serie. El show se emitió por la radio durante nueve años, y después por la televisión entre 1951 y 1957. En estas producciones usualmente existía un compañero, a menudo Pat Brady, o Gabby Hayes. El mote de Rogers era "Rey de los Cowboys". El de Dale era "Reina del Oeste."

En 1940 Rogers puso una cláusula en su contrato con el estudio por la cual él tenía derechos sobre su imagen, su voz y su nombre con vistas a su comercialización.[3] Así, hubo una figura de acción de Roy Rogers, novelas de aventuras cowboy, una tira de cómic, juguetes, una serie de libros de cómic de Dell Comics (Roy Rogers Comics) escrita por Gaylord Du Bois, y diversos éxitos comerciales. Solamente Walt Disney superaba a Rogers en la comercialización de artículos propios.

El grupo Sons of the Pioneers conservó su fama entrada la década de 1950, aunque Rogers ya no era miembro por entonces. Sin embargo, siguieron actuando como grupo de apoyo en sus intervenciones para el cine, la radio y la televisión.

En agosto de 1950, Dale y Roy tuvieron una hija, Robin Elizabeth, que falleció a causa de complicaciones de un Síndrome de Down poco antes de cumplir los dos años. Evans escribió sobre ello en su libro Angel Unaware.

Además, ambos se declaraban cristianos, y Rogers era Francmasón y Shriner. El matrimonio era partidario de la adopción, y por ello adoptaron varios niños. También colaboraron en diversos proyectos de caridad infantil. Por ello, en Apple Valley, California, donde residían, numerosas vías públicas y edificios llevan su nombre en reconocimiento de sus esfuerzos en pro de las personas sin hogar y de los niños discapacitados.

En el otoño de 1962 la pareja presentó un programa de variedades en clave de humor y western, The Roy Rogers and Dale Evans Show, emitido por la ABC. Se canceló a los tres meses, al no lograr competir con la audiencia de The Jackie Gleason Show, en la CBS.

Rogers poseía una empresa en Hollywood que producía su propia serie. También filmaba otros productos, como la serie western de 1955-1956 emitida por la CBS Brave Eagle, interpretada por Keith Larsen, Kim Winona, y Anthony Numkena.

Por su contribución a la industria cinematográfica, Roy Rogers tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 1752 de Vine Street. Por su contribución a la radio tiene una segunda estrella, en el 1733 de la misma vía. Finalmente, en el 1620 tiene una estrella por su actividad televisiva.

Roy y Dale fueron incluidos en el Western Performers Hall of Fame del National Cowboy & Western Heritage Museum en Oklahoma City, Oklahoma en 1976. Rogers entró de nuevo en 1995 como miembro de Sons of the Pioneers. También fue elegido en dos ocasiones para entrar en el Museo y Salón de la Fama del Country, primero en 1980 como miembro del grupo Sons of the Pioneers, y después en 1988 como solista.
Fallecimiento

Rogers falleció a causa de una insuficiencia cardiaca en 1998 en Apple Valley, California. Fue enterrado en el Cementerio Sunset Hills de Apple Valley.

Pagina: http://www.royrogers.com/

Rubén Patagonia

2009-11-10T09:50:00.002-03:00

Rubén Patagonia es un músico folclórico argentino de origen tehuelche y un defensor incansable de las causas de los pueblos originarios argentinos. Nació en Comodoro Rivadavia, en la provincia de Chubut. Su verdadero nombre es Rubén Chauque pero eligió hacerse conocer artísticamente por el nombre de su región como una manera de reafirmar su identidad y de contribuir a la difusión de esa cultura usualmente relegada a nivel nacional. También por eso su repertorio se nutre de estilos originarios tehuelches como el kaani y mapuches lonkomeo, así como de canciones de autores patagónicos como Epuyén González, Marcelo Berbel, Milton Aguilar o Hugo Giménez Agüero. Patagonia también ha participado como actor en películas y series nacionales e internacionales, y también suele brindar charlas y conferencias sobre las culturas originarias. Además tiene grabados varios temas en colaboración con artistas de primer nivel como León Gieco, Ricardo Iorio y Claudio Marciello, de Almafuerte.

Segun sus palabras:

Mi nombre es Leandro Javier Salinas, naci en 1986 y soy de la provincia de Buenos Aires. Recuerdo aquel dia fue en Cosquin (Cordoba) del año 1991. Por primera vez tuve el honor de conocer a esta grata y agradable persona. Mirada como el viento, inspiraba paz...Fue en aquella carpa de salta, pequeño y acogedor lugar. Tuve la oportunidad de cantar con el en un escenario, inocente y fragil niño era, mirandolo desde abajo, como con su alma generaba la armonia y diversion.
Desde aquel dia, que he hecho todo para que como me ha pasado a mi, siga pasando por generaciones. Es por eso que hasta el dia de hoy sigo creyendo, y esperando con ansias cuando Ruben se presenta ante nosotros. He aqui el agrado de brindarles esta humilde pagina, donde podrán encontrar gratuitamente mucho material y recursos sobre Rubén Patagonia.
Es por eso tratare de que esto siga creciendo con su ayuda.

Pagina: http://usuarios.lycos.es/rubenpatagoniaweb/home.html

Vertical Horizon

2009-11-10T09:31:00.002-03:00

Vertical Horizon es una banda estadounidense de rock de Washington, D.C. formada en 1990. Su disco más remarcable es Everything You Want, el cual contiene su único número uno en EE.UU. hasta la fecha, "Everything You Want".[1]

Historia

Vertical Horizon se formó en 1990 en la Universidad de Georgetown. En un principio se trataba únicamente de un dúo formado por Matt Scannell and Keith Kane. Tras la graduación en 1992, se transladaron a Boston. Allí grabaron su primer disco There and Back Again, en el cual, entre Matt y Keith, tocaron todos y cada unos de los instrumentos que aparecen en el disco, aunque el instrumento dominante de su primer disco era la guitarra acústica. Tanto la composición musical como las letras de las canciones, fueron escritas por ambos.

Varios artistas se les unieron a lo largo de sus primeros años para tocar en conciertos, pero no sería hasta su primer directo, Live Stages, donde pasarían a formar un grupo junto a Ed Toth y Ryan Fisher. Ryan al poco tiempo abandonó la banda, siendo sustituído por Sean Hurley.

Su reconocimiento y éxito no llegaría hasta su cuarto álbum Everything You Want y primero con Sony BMG. El primer single "We Are" tuvo escasa repercusión en las radios estadounidenses, cosa que cambio con su segundo single "Everything You Want", canción que se convirtió un éxito rotundo, fundamentalmente en Estados Unidos. A este single le siguieron otros con un impacto también destacable: "You're a God" y "Best I Ever Had (Grey Sky Morning)".

En 2003 publicaron su quinto album, Go, con un éxito más reducido. Tras esto, la banda fue baja de la discográfica Sony BMG. La banda firmó con Hybrid Recordings en 2005, y estos reeditaron su quinto album añadiendo el single "Better When You're Not There". Poco después, el batería Ed Toth abandonó el grupo.

Pagina: http://www.verticalhorizon.com/

La Máquina de Hacer Pájaros

2009-11-09T10:40:00.003-03:00

La Máquina de Hacer Pájaros fue un grupo argentino de rock progresivo, con fuertes influencias de Genesis, Yes, y Steely Dan que tuvo una escasa aceptación del público argentino durante su época de actividad, y no fue hasta unos años después que alcanzaron un verdadero reconocimiento tanto a nivel nacional como internacional.

Tras la disolución de Sui Generis, Charly García emprende un nuevo proyecto que llamó La Máquina De Hacer Pájaros, el cual fue su incursión en el rock sinfónico en la Argentina hasta el momento, introduciendo la novedad de dos teclistas simultáneos en escena.

Al principio, en una sala de ensayo de amigos comunes comienzan a tocar como trío, Charly García en teclados, Oscar Moro en batería y el ex-crucis José Luis Fernández en bajo, para debutar con esa formación en Córdoba, poco después.

En ese show conocen a un fan, también músico, que tocaba guitarra, llamado Gustavo Bazterrica, que se transformaría en el cuarto miembro del grupo.

Estaba todo listo para el gran salto a la capital y a la masividad, pero la complejidad musical que pretendía dar García necesitaba de mayor "musicalidad", invitan entonces a unirse al grupo a un quinto miembro, el destacado teclista Carlos Cutaia, exPescado Rabioso.

Con el material suficiente para un disco (mucho del cual ya venía de Sui Generis), comienzan a tocar en locales para no más de trescientas personas, para terminar de afianzarse y testear los detalles finales, corría mediados de 1976.

Había por esos años una simpática tira de humor gráfico, cuyo protagonista era un tal García y la historieta se titulaba " García y La Máquina de Hacer Pájaros", la coincidencia hizo que adoptaran ese nombre para la banda. El dibujante y humorista autor de esa tira, llamado "Crist", les hizo una graciosa historieta para la portada del álbum debut, en donde el protagonista presentaba a la banda, definiéndola como "un pájaro progresivo".

Con ese material, totalmente escrito por García, aún en contra de lo que él pretendía, ya que deseaba ser uno más adentro del grupo y no el líder, (pero la cantidad y la calidad de su producción musical pudo más) se disponen a grabar su debut discográfico.

La banda editó dos discos bajo este nombre: La Máquina De Hacer Pájaros en el año 1976 y Películas en 1977, los cuales no tuvieron el éxito que ellos esperaban.

La banda se disolvió en el año 1977 por problemas internos. Su último show fue el 11 de noviembre en el Festival del Amor, dónde compartieron escenario con Nito Mestre, León Gieco, Marìa Rosa Yorio, Raúl Porchetto y Gustavo Santaolalla entre otros.

Finalmente García viajaría a Brasil y más adelante fundaría Serú Girán.

Formacion:
Carlos Cutaia: teclados
Charly García: teclados y voz
Gustavo Bazterrica: guitarra
José Luis Fernández: bajo
Oscar Moro: batería

The Moody Blues

2009-11-09T09:15:00.002-03:00

The Moody Blues es un quinteto de músicos británicos que se formó en Birmingham en 1964. Su primera voz fue Denny Laine, que más adelante sería compañero de Paul McCartney en Wings. También participaban en el grupo Graeme Edge (batería), Ray Thomas (flauta y voz), Clint Warwick (bajo, voz) y Mike Pinder (teclados).

Sus comienzos fueron como una banda de R&B típica de la Inglaterra de la época y sacan su primer single Steal Your Heart Away en septiembre. No fue hasta su segundo single Go Now whit the Moody Blues cuando prueban las mieles del éxito y ventas, lo que les permite salir de gira, hacer las americas y editar su primer LP The Magnificent Moodys (Go Now en norteamérica).

Tras el primer disco, Denny Laine cedió su sitio a Justin Hayward (guitarra y voz) y también se incorporó al grupo John Lodge (bajo). Su segundo trabajo, Days of future passed (1967), representó un enorme cambio en los planteamientos musicales, y fue un enorme éxito, y aún hoy se sigue reeditando.

La concepción del disco fue un cúmulo de aciertos y casualidades. La casa discográfica buscaba una versión Rock de la sinfonía de Dvorak "El nuevo mundo". Pretendían con ello potenciar y rentabilizar los nuevos aparatos estéreo de los estudios. Los Moody Blues, sin conocimiento de la discográfica y con la buena vista del productor, Tony Clark, lo convirtieron en una obra personal (con la orquesta perfectamente ensamblada); un álbum conceptual que fue el disco más representativo de lo que en esos años se llamó Rock Psicodélico.

Otros discos de éxito fueron On the Thresold of a Dream (1969), Question of Balance (1970) o, su último gran éxito Long Distance Voyager (1981). El resto es historia, con los Moody Blues funcionando hasta el siglo XXI, con cambios (Pinder abandonó la banda, Thomas se retiró de la música) y reconversiones, pero convertidos en unos clásicos del Rock (si no Dinosaurios del Rock).

Pagina: http://www.moodyblues.co.uk/intro.htm

Meat Loaf

2009-11-04T09:36:00.002-03:00

Meat Loaf (* 27 de septiembre de 1947) es el nombre artístico de Marvin Lee Aday (cambiado en 2001), es un actor y cantante de rock estadounidense. También bajo el nombre de Meat Loaf se conoce a la banda que lidera y de la que es vocalista. Es conocido por su álbum Bat out of Hell y por muchas canciones pertenecientes a bandas sonoras de películas.

Infancia

Marvin Lee Aday nació el 27 de septiembre de 1947 en Dallas, Texas. Se dice que llegó a odiar el nombre de Marvin, tras unos anuncios de Levis que usaban la imagen del pequeño Marvin y el lema que venía a decir "pobre Marvin el gordito, no puede llevar Levis".

Su padre era un veterano de la Segunda Guerra Mundial caído en problemas de alcoholismo. Su madre fue una cantante gospel.

Según él mismo refirió en alguna ocasión, fue su propio padre quien le puso el apodo de meat loaf (pedazo de carne), por su obesidad, desde muy pequeño. Otras teorías dicen que se lo puso su entrenador de fútbol americano en el instituto.

En 1958 su madre es diagnosticada de cáncer de pulmón.

En 1968, cursa estudios en el colegio "Norte de Texas". Muere su madre. Se separa de su padre, que tenía problemas de alcoholismo, tras un intento por parte de éste de asesinarle.

Actor

"Meat Loaf es un actor, los actores no cantan"... Ésto le vinieron a decir cuando buscaba compañía para publicar Bat Out Of Hell, pues por aquella época era habitual ver en las tablas de los teatros.

Trabajó en las obras musicales "Rainbow in New York" y "More Than You Deserve", esta última escrita por Jim Steinman, encuentro que llego a ser trascendete en el futuro de ambos. En Los Ángeles participo en la obra de teatro llamada Hair. También hizo el doble papel de Eddie y Dr. Scott en The Rocky Horror Show.

Participó en la versión cinematográfica de la obra musical The Rocky Horror Picture Show haciendo el papel de Eddie.

Protagonizo la película Roadie, junto a Alice Cooper, Roy Orbison, y Deborah Harry, en donde hacia de un camionero que por circustancias se convierte en roadie.

Tiene una pequeña participación en "Wayne´s World" -el portero de la discoteca-

Aparece en Fight Club interpretando a Bob, -el tipo gordo con un problema en las mamas-

Actúa como el padre de JB en "Tenacious D in The Pick of Destiny", sin llegar a aparecer en los títulos de crédito.

Tiene un largo historial cinematografico, con muchas pequeñas actuaciones que nunca le han otorgado el favor del publico. Hizo el papel del sheriff en el debut como director de Antonio Banderas, Locos En Alabama.

Músico

Comienza su carrera musical con 20 años, en Los Ángeles, con la banda "Meat Loaf Soul", siendo teloneros de The Who, The Stooges y Ted Nugent.

Tras trabajar un tiempo como aparcacoches en el Beacon Theather, es contratado en la ópera-rock Hair, de estilo hippy, con la que se va de gira por EE. UU..

Grabó un disco en Detroit, con una cantante llamada Stoney (compañera de reparto en Hair). Siendo los primeros blancos que graban para la Motown. Tuvieron un relativo éxito, hasta que las emisoras negras se enteraron que eran blancos.

En 1971 decide asociarse con el compositor y pianista Jim Steinman. Dos años después deciden ir a Los Ángeles para presentar su disco, pero es rechazado en todas las discográficas. Deciden financiar el disco por sus propios medios.

En 1976, en un concierto en Woodstock (Nueva York), conoce a su mujer, Leslie Edmond, que trabajaba para el manager de Bod Dylan y Janis Joplin.

Tras grabar ellos mismos el disco "Bat out of Hell", siguen sin conseguir apoyo de ninguna discográfica. Pero si el apoyo de Todd Rundgren, integrante del grupo Utopia, que produce el disco.

En 1977, tras aceptarlo EPIC, comienza a comercializarse con éxito bajo la firma de Cleveland Records y en algunos países de Europa. Inician a lo largo de 1977 una gira para darse a conocer por EE. UU., con gran éxito: Boston, Massachusetts; Phoenix, Arizona; Arlington, Virginia; Minneapolis, Minnesota.

Su mujer queda embarazada de su hija Amanda. Según algunas versiones, deciden tomarse un tiempo de descanso que la discográfica no acepta, porque quiere sacar un segundo disco ("Bad for Good"). Al parecer, Meat Loaf comenzó con una afección en las cuerdas vocales, achacado a un origen psicológico al descartarse su origen físico. Este problema le hizo abandonar. Lo cierto es que el disco salió como una obra solista de Steinman.

En 1981 se encontraba en graves dificultades económicas, y su trabajo como actor, así como su disco "Dead Ringer" no tuvieron el éxito esperado. El disco de Jim Steinman y el del propio Meat Loaf competían en las tiendas y en las campañas de marketing, pues el disco de Jim Steinman llevaba la leyenda del "creador de Bat Out Of Hell".

En 1983 triunfa en una gira por Europa. Pero sus problemas económicos se agravan debido a demandas judiciales desde su primera discográfica, por lo que acaba arruinado. Pese a ello consigue grabar "Midnight At The Lost And Found" que pasa sin pena ni gloria, con un tema llamado "Wolf At Your Door" que hace referencia a sus múltiples problemas económicos.

En 1984 cambia de compañía y se va a Arista Records -que previamente había rechazado el Bat Out Of Hell- para grabar "Bad Attitude" y "Blind Before I Stop". Salieron singles en versiones de singles picturados y troquelados, siendo un elemento de marketing que no repercutió como se suponía en las ventas de los discos.

Apenas consigue mantener cierto éxito a costa de mantener una gira constante de conciertos, hasta que en 1989 vuelve a asociarse a Steinman, editando "Bat Out Of Hell II", que sale al mercado en 1993, siendo número uno en ventas en todo el mundo. El single I'd Do Anything For Love (But I Won't Do That) se convierte en todo un número 1 y pese a su extensión es radiado y el vídeo clip dirigido por Michael Bay es emitido en todo el mundo. Consigue -de nuevo- el reconocimiento internacional siendo galadornado con un grammy. Objects In The Rear View Mirror May Appear Closer Than They Are, la versión del tema que Jim Steinman grabó en 1981 Rock And Roll Dreams Come Through y I'd Lie For You (And That's The Truth) fueron los otros tres singles con sus sendos vídeos.

Tras el rotundo éxito de la segunda parte del Bat y su correspondiente gira mundial se embarca en un nuevo disco, que saldría en 1995 "Welcome To The Neighbourhood", pero no cosecha el éxito esperado y se vuelca en faceta de actor, sin dejar de dar conciertos y hacer giras aunque sin discos. En este periodo de tiempo se le puede ver en "Locos en Alabama" de (Antonio Banderas) o en El club de la lucha de (David Fincher).

En 2003 saca un nuevo disco titulado Couldn't Have Said It Better (Myself) que concluye con una versión del clásico de Bob Dylan "Forever Young" como despedida de todos sus fans.

En 2006 se vuelve unir a Jim Steinman para crear la tercera parte de la saga. Esta no va a estar completamente escrita por Jim Steinman lo que creó polémica. El disco salió a la luz el 23 de octubre de 2006 bajo el nombre de Bat Out Of Hell III: The Monster Is Loose.

Su faceta con actor se salda con multitud de pequeños papeles. Siendo el más representativo en el clásico The Rocky Horror Picture Show -ya intervino en la versión teatral.

Meat Loaf canta un tema del álbum Slash & Friends, primer disco en solitario de Slash que se publicará en febrero 2010.

Pagina: http://www.meatloaf.net/

Wings

2009-11-04T09:29:00.003-03:00

Wings fue un supergrupo musical de rock formado en agosto de 1971, apenas un año después de la separación de The Beatles, por Paul McCartney. A lo largo de su historia, los únicos tres componentes que se mantendrían desde el inicio serían Paul McCartney, su mujer Linda McCartney y el anterior guitarrista de Moody Blues, Denny Laine.

Historia

Tras la separación oficial de The Beatles el 14 de abril de 1970, Paul McCartney se embarcó en una carrera en solitario que, en el caso de su primer álbum, McCartney, compartiría de forma exclusiva con su esposa, Linda McCartney. Desde su matrimonio el 12 de marzo de 1969, Paul McCartney quiso su mujer participara en los proyectos musicales que él llevaba a cabo, por lo que insistió en que formara parte de Wings a pesar de las críticas de la prensa. Para el siguiente álbum, Ram, McCartney se rodeó de más músicos, como el baterista Denny Seiwell.

Primera formación (1971-1973)

En agosto de 1971, Seiwell y el guitarrista Denny Laine se unirían a Paul y Linda McCartney para grabar el tercer álbum de Paul tras la separación de The Beatles. El resultado fue Wild Life, el primer proyecto acreditado a nombre de "Wings". En un intento de capturar la espontaneidad de las interpretaciones en directo, cinco de las ocho canciones que componían Wild Life fueron las primeras tomas hechas en el estudio. Pese a todo, el disco no recibió buenas críticas.

En 1972, McCartney añadió al grupo al ex-guitarrista de Joe Cocker y Spooky Tooth Henry McCullough, iniciando su primera gira tras la separación de The Beatles que llevaría a la formación a Universidades británicas, donde ofrecieron conciertos sin previo aviso, y posteriormente una segunda gira, Wings Over Europe Tour, en pequeños locales, donde McCartney no interpretó ninguna canción de su etapa con The Beatles.

En febrero de 1972, Wings editó el single "Give Ireland Back to the Irish", como respuesta al Domingo Sangriento vivido en Irlanda del Norte el 30 de enero. La canción, debido a su política anti-unionista, fue prohibida por la BBC, siendo únicamente mencionada por el canal en las listas de éxitos como "un disco de Wings". A pesar de su escasa difusión en los medios de comunicación, el single alcanzó el puesto #16 en el Reino Unido y el puesto #1 tanto en Irlanda como en España.

En cierta medida como reacción a la prohibición de "Give Ireland Back to the Irish", Wings editó como sencillo la canción infantil "Mary Had a Little Lamb". De todos modos, en noviembre de 1972 el siguiente single del grupo, "Hi Hi Hi", sería nuevamente censurado por la BBC debido a las referencias al sexo y a las drogas, aunque en este caso, la cara B, "C Moon", sí fue emitida.

A finales de 1972, McCartney rebautizó el grupo como "Paul McCartney and Wings" para el álbum Red Rose Speedway, el cual daría el primer número uno al grupo en Estados Unidos con la balada "My Love". Entre las canciones inéditas de Wings grabadas durante las sesiones de grabación del álbum, que se extendieron durante siete meses y se levaron a cabo entre dos continentes, figuraban la composición de Linda, "Seaside Woman", finalmente editada en 1977, y el tema "I Would Only Smile", de Denny Laine, que se publicaría en el primer álbum en solitario del artista tras la separación de Wings.

Cerca del final de las sesiones de grabación de Red Rose Speedway, en octubre de 1972, Wings grabó el tema "Live and Let Die" para la película de James Bond Vive y deja morir, reuniéndose por primera vez en el estudio de grabación con el que fuera productor de The Beatles George Martin. El tema, publicado como single a mediados de 1973, se convertiría en uno de los mayores éxitos de Wings y una de las piezas más destacadas en los conciertos de Paul McCartney tras la separación del grupo, generalmente acompañada de fuegos artificiales.

Tras una gira británica entre mayo y junio de 1973, Wings comenzó los ensayos para el que sería el siguiente álbum de estudio. Pese a ello, Henry McCullough y Denny Seiwell abandonaron la formación en agosto, dejando a la familia McCartney y a Laine como únicos componentes para Band on the Run, uno de los álbumes más significativos del grupo y grabado en un primitivo estudio de 8 pistas en Lagos, Nigeria. El álbum alcanzó el primer puesto tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, mientras los tres singles extraídos del mismo, "Jet", "Helen Wheels" (originalmente incluida en la versión americana) y el tema que da título al álbum, "Band on the Run", conseguirían importantes puestos en las listas de éxitos. El disco recibió buenas críticas por parte de la prensa y ayudó a realzar la carrera en solitario de Paul McCartney tras la separación de The Beatles.

Segunda formación (1974-1977)

Después de Band on the Run, Jimmy McCulloch, guitarrista de Thunderclap Newman y de Stone the Crows, se unió al grupo. Poco después, Geoff Britton entraría en la nueva formación como batería. El primer proyecto de la nueva formación les llevaría hasta Nashville, donde el grupo estuvo en la granja del compositor Curly Putman Jr. El viaje fue inmortalizado en el último single editado bajo el sello Apple Records, "Junior's Farm", con el tema "Sally G" como cara B. Durante las sesiones de grabación, Wings, junto a artistas invitados de la talla de Chet Atkins y Floyd Cramer, grabaron un single atribuido a "The Country Harms" y titulado "Walking in the Park with Eloise", canción escrita por el padre de Paul McCartney, James, años antes. Así mismo, una canción acreditada a Laine/McCartney, "Send Me the Heart", fue grabada en Nashville, aunque no sería publicada hasta el primer trabajo en solitario de Denny Laine.

La nueva formación, nuevamente bajo el nombre de "Wings", comenzó nuevas sesiones de grabación en Londres a finales de 1974, aunque posteriormente se trasladarían a Nueva Orleans para completar Venus and Mars, el primer trabajo de Paul McCartney editado en MPL Communications y distribuido por EMI (Parlophone en el Reino Unido y Capitol Records en Estados Unidos). Tanto el álbum como el single "Listen to What the Man Said" consiguieron el puesto #1 en Estados Unidos. Al tiempo que las sesiones de grabación se trasladaron a Nueva Orleans, Geoff Britton abandonó la formación, siendo reemplazado por Joe English. Como anteriormente pasaría con Denny Seiwell, Joe English se ganó el puesto con una audición previa para Paul McCartney.

A mediados de 1975, Wings se embarcó en la gira Wings Over the World Tour, que comenzó en Bristol y que posteriormente les llevaría a Australia (en noviembre), a Europa (en marzo de 1976), a los Estados Unidos (entre mayo y junio) y nuevamente a Europa en septiembre, poniendo fin a la gira en el Wembley Empire Pool de Londres. Durante la gira, Wings grabó Wings at the Speed of Sound, editado a finales de marzo de 1976 para seguir con la gira por Estados Unidos. Los dos singles extraídos del álbum, "Silly Love Songs" y "Let 'Em In", alcanzarían el puesto #1 en Estados Unidos. Cuatro de los temas incluidos en el álbum fueron tocados durante el resto de la gira, al tiempo que por vez primera Paul interpretaba temas de The Beatles. Así mismo, tanto Laine como McCulloch interpretaron temas en directo: Laine tocó algunos temas de su anterior banda, Moody Blues, como "Go Now", mientras que McCulloch haría lo mismo con composiciones incluidas en álbumes de Wings como "Medicine Jar". Uno de los conciertos ofrecidos por el grupo en Seattle fue filmado y editado en 1980 bajo el título de "Rockshow", aunque previamente sería editado un triple álbum, Wings Over America, que recogía los mejores momentos de la gira.

Tras la gira, y seguido por la edición de una versión en directo de "Maybe I'm Amazed" como single, Wings tomó un descanso. A finales de año, el grupo volvió para comenzar la grabación de su siguiente álbum en las Islas Vírgenes, aunque las sesiones fueron aplazadas en un primer momento por el nuevo embarazo de Linda McCartney y posteriormente por la marcha de Joe English y Jimmy McCulloch. McCulloch, que se unió a The Small Faces, murió de sobredosis de heroína en 1979. English fundaría más tarde una exitosa banda de orientación cristiana llamada Joe English Band.

A pesar de la marcha de English y McCulloch, Wings editó el single "Mull of Kintyre", canción dedicada a una región costera de Escocia donde el matrimonio McCartney erigió su casa a comienzos de 1970 y que llegaría a convertirse en un éxito internacional, dominando las listas de éxitos de Gran Bretaña, Australia y otros muchos países durante el periodo navideño. De todos modos, "Mull of Kintyre" no fue un éxito en Estados Unidos, donde sólo entraría en los cuarenta primeros puestos.

En 1978, Wings editó el álbum London Town, que tuvo cierta repercusión comercial aunque fue el primer álbum del grupo tras Wild Life que no alcanzó el puesto #1 en Estados Unidos. Laine compuso de manera conjunta con McCartney cinco temas del disco y cantó dos de ellas. El single "With A Little Luck" alcanzó el puesto #1 en Estados Unidos y el #5 en el Reino Unido. Sin embargo, "I've Had Enough" y "London Town" fueron verdaderos fracasos en ambos países.

Tercera formación (1978-1981)

A finales de 1978, el guitarrista Laurence Juber y el batería de Elton John, Steve Holly, se unieron al grupo. En 1979, McCartney firmó un nuevo contrato con Columbia Records, abandonando Capitol tras lo que él consideraba una mala promoción de su anterior disco de estudio. A pesar de ello, mantuvo el contrato con EMI para la distribución de sus discos a nivel global. Influenciado por las nuevas tendencias del punk y del New Age, Wings abandonó su toque melódico para tomar un nuevo rumbo en su música. Para la grabación de su nuevo álbum de estudio, McCartney contó con la colaboración de Chris Thomas, ingeniero de grabación que anteriormente trabajó con The Beatles en el Álbum Blanco.

El resultado pudo notarse tras la edición del single "Goodnight Tonight", acompañado por "Daytime Nighttime Suffering", que entró en el Top 5 tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido. Sin embargo, el nuevo álbum, Back to the Egg, que no fue bien recibido por las críticas, tuvo escasas ventas en comparación con sus discos predecesores. El álbum contenía el tema "Rockestra Theme", resultado de una reunión en octubre de 1978 con miembros de The Who, Led Zeppelin y Pink Floyd, así como otras dos canciones extraídas del álbum como sencillos que no entrarían en las listas de éxitos.

Durante 1979, Wings se mantuvo inactivo debido al proyecto que Paul McCartney estaba desarrollando de forma individual, con la única ayuda de su mujer, Linda McCartney. En noviembre y diciembre de 1979, Wings realizó su última gira en el Reino Unido, que terminaría con un concierto repleto de músicos y artistas conocidos en ayuda de los regufiados de Kampuchea. Una versión en directo de "Coming Up", extraída del primer álbum en solitario de Paul McCartney tras Ram, fue grabada en Glasgow y editada como el último single de Wings, el cual alcanzó el puesto #1 en Estados Unidos. Este tema fue la canción oficial en la Vuelta ciclista a España 1980

Los planes para una nueva gira mundial de Wings fueron descartados cuando Paul McCartney fue arrestado por posesión de marihuana en el aeropuerto de Tokio el 16 de enero de 1980. Otros componentes de Wings fueron arrestados y posteriormente liberados sin cargo. Sin embargo, McCartney permanecería en prisión durante nueve días, hasta el 25 de enero. Como resultado, la gira por Japón fue cancelada, al tiempo que otros planes para el futuro eran descartados.

Durante 1980, Wings continuaría ensayando nuevas canciones. Sin embargo, mientras el grupo seguía aletargado, Juber y Holly abandonaron la formación. Finalmente, el 27 de abril de 1981 Denny Laine abandonaba definitivamente el grupo y anunciaba la disolución de Wings.

El nombre

El nombre del grupo sobrevino a Paul McCartney mientras rezaba en el hospital donde su esposa, Linda, estaba dando a luz a la segunda hija del matrimonio, Stella. En el documental "Wingspan", Paul McCartney asegura que el nacimiento de Stella tuvo severas complicaciones, en las que tanto el bebé como Linda podrían fallecer. Durante el tiempo en que se mantenía rezando, la imagen de unas alas le vino a la mente, de modo que acabó por llamar a su nueva banda "Wings".

Legado

Wings puede ser visto como una banda autónoma y no sólo como un grupo de acompañamiento de Paul McCartney. Tanto Denny Laine como Jimmy McCulloch escribieron canciones dentro del grupo, al tiempo que ambos, junto a Joe English y Linda McCartney, contribuían a los coros. De todos modos, Paul McCartney era el incuestionable líder de la formación. Todas las canciones de Wings tenían al menos una mínima participación de Paul, quedando tan sólo tres canciones editadas como caras B de singles y cantadas por otros componentes del grupo: "I Lie Around" y "Deliver Your Children" (Denny Laine), y "Cook of the House" (Linda McCartney).

Durante su trayectoria como grupo, Wings consiguió colocar doce singles entre los diez primeros puestos de las listas británicas y 14 singles en Estados Unidos. Así mismo, todos los 23 singles acreditados a Wings entraron al menos en el Top 40 de Estados Unidos. En lo que respecta a los álbumes, los 9 discos editados por el grupo entraron en el Top 10 tanto del Reino Unido como de Estados Unidos, con cinco consecutivos primeros puestos en América.

"Mull of Kintyre" es, hoy en día, el single de carácter no benéfico con mayores ventas en el Reino Unido (aunque "Bohemian Rhapsody", de Queen, vendió más, sus ventas incluyen una reedición en 2002 en beneficio de una organización contra el cáncer). De modo general, "Mull of Kintyre" ocupa el cuarto puesto en la lista de singles más vendidos en el Reino Unido.

En junio de 2007, los nueve discos originales de Wings fueron editados en fomato digital a través de iTunes. A día de 4 de junio de 2007, Band on the Run es el tecer álbum más descargado.

John McLaughlin

2009-11-04T09:21:00.001-03:00

John McLaughlin (4 de enero de 1942 en Doncaster), también conocido como Mahavishnu John McLaughlin, compositor inglés y guitarrista de jazz fusion. Ganó fama con el grupo de Miles Davis a finales de la década de 1960, junto a otros interpretes como Chick Corea y Tony Williams, Se trasladó a los Estados Unidos en 1969 para unirse al grupo de Tony Williams, Lifetime. Posteriormente tocó con Miles Davis en sus discos (álbumes eléctricos transcendentales de fusión de jazz) In A Silent Way, Bitches Brew, y A Tribute to Jack Johnson. En los 70s nace la banda eléctrica Mahavishnu Orchestra, esta se distinguió por su estilo, un estilo técnicamente virtuosísimo y complicado de música, en el que se fundieron el jazz ecléctico y el rock con influencias del este y la música hindú. John se distingue al tocar la guitarra ya que ofrece versatilidad y un muy variado rango de estilos y géneros, como jazz, la música clásica india, jazz fusion, y la música clásica del oeste, McLaughlin ha influenciado a muchos guitarristas, también ha incorporado la música flamenca en una cierta cantidad de sus grabaciones acústicas. A principios de los 80 se unió al guitarrista flamenco Paco de Lucía y Al Di Meola formando el Guitar Trio. El Trio se reunió nuevamente en 1996 para una segunda sesión de grabación y una gira mundial. El maestro hindú de la Tabla Zakir Hussain dice que McLaughlin es “uno de los músicos más grandes y más importantes de nuestros tiempos”. En 2003, McLaughlin fue puesto en el lugar 49 por la revista Rolling Stone en la lista "100 Greatest Guitarists of All Time".

Proveniente de una familia de músicos (su madre concertista de violín). McLaughlin de niño estudió violín y piano, pero se interesó en la guitarra a los 11 años de edad, explorando estilos de flamenco para el jazz de Stephane Grappelli. McLaughlin se mudó a Londres de Yorkshire para involucrarse a sí mismo en la escena próspera de música en los inicios de los 60s,comenzando con The Marzipan Twisters despues estuvo en Georgie Fame's backing band, en la banda de Brian Auger, y muy importante, en Graham Bond Quartet en 1963. Durante los 60s a menudo tuvo que soportar largas sesiones de trabajo, con el que a menudo no estaba conforme, pero con esto a primera vista elevo, aumento y mejoro su modo de tocar y sus habilidades de ejecución.

Antes de mudarse a USA, McLaughlin entro a Extrapolation (con Tony Oxley y John Surman) en 1969,en el cual demostró ser un virtuoso en su técnica,demostró su gran inventiva y su singular habilidad para tocar y superar cualquier dificultad que presentara el instrumento.Él se mudó al USA en 1969 para unirse al grupo de Tony Williams Lifetime. Él en ese momento también tocó con Miles Davis en sus álbumes transcendentales In A Silent Way, Bitches Brew, On The Corner, Big Fun (Donde McLaughlin es presentado como solista en Go Ahead John) y A Tribute to Jack Johnson– Davis le rindió tributo en las líneas para Jack Johnson, llamando al modo de tocar de McLaughlin "far in"(lejos adentro).McLaughlin regresó a la banda de Davis por el recuerdo de una noche en un día de una larga semana, el cual fue relatado en el álbum Live-Evil en la canción Cellar Door boxed set.

Su reputación como fue llamada primero de músico de sesión, creció, como resultado de esto colabora en grabaciones aunque de secundario con Miroslav Vitous, Larry Coryell, Joe Farrell, Wayne Shorter, Carla Bley, The Rolling Stones, entre otros.

Pagina: http://www.johnmclaughlin.com/

Joaquín Levinton

2009-11-03T10:36:00.002-03:00

Joaquín Levinton es un músico y compositor argentino. Fue el líder de Turf, ahora lidera Sponsors. Es el creador de canciones como: "Pasos al costado", "Loco un poco", "Yo no me quiero casar y usted?", "No se llama amor" y "De vuelta".

Niñez

Cuando era niño tuvo una enfermedad que le impedía hablar, por lo que lo hizo recien a los 4 años de edad. Posteriormente, él comentó que su mamá le contó que iban en el auto a hacer compras y de pronto comenzó a cantar una canción con dificultad.

Biografía

Juana La Loca

Comenzó su carrera conformando la banda "Juana la loca", de la cuál unos años más tarde se desvincularía.

Turf

En 1995 decidió formar una nueva banda con su amigo Leandro Lopatín, para salir a tocar por el circuito under de Buenos Aires. La banda se llamó Turf y debutaron en Dr. Jeckill como soportes del grupo Demonios de Tasmania el 20 de diciembre de este mismo año, haciendo covers de Charly García y Los Ratones Paranoicos.

En agosto de 1997, grabaron su primer disco de estudio llamado "un pila de vida". En el mismo participó Charly García en el tema "Despiole generacional". Los dos cortes de difusión fueron "Casanova" y "Crónica Te Ve".

En 1999, luego que la discográfica Universal les rescindiera el contrato, editaron su segundo disco llamado "Siempre libre" ayudados por la compañía Musimundo. También en este álbum colaboró García en el tema "Esa luz". Este álbum refleja una contrariedad con el primero ya que su sonido es completamente distinto, más alegre, psicodélico en algunos momentos.

Su tercer disco grabado en 2001, se llamó Turfshow y tuvo un sonido más Pop. En el año siguiente eligen a Turfshow como mejor disco del año y a Loco un poco mejor canción. Otros temas importantes fueron "Yo no me quiero casar y usted?" y "Vago".

Su cuarto y último disco de estudio fue "Para mi para vos" en 2004, donde demuestran ser una banda consolidadas, en Pop Rock. Con temas como: "No se llama amor", "Pasos al costado", "Magia blanca" y "Oh Dios!" se convierten en una de las bandas más importantes de el Quilmes Rock de ese año. Contó con la participación de Charly García en el tema "Nos vacían la casa".

En 2007 la banda se separa por cuestiones personales.

Sponsors

Actual banda de Joaquín Levinton, la cuál grabo su primer disco de estudio en junio de 2008, llamado "110%".

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Tom Petty

2009-11-03T10:27:00.002-03:00

Thomas Earl Petty (Gainesville, Florida, 20 de octubre de 1950) es un músico estadounidense.

Trayectoria musical

Petty no tenía aspiraciones musicales hasta que Elvis Presley visitó su ciudad natal. Tras trabajar con sus primeros grupos The Sundowners, The Epics y Mudcrutch (que incluían a Mike Campbell y Benmont Tench, futuros miembros de los Heartbreakers), comenzó su carrera discográfica como Tom Petty & the Heartbreakers con un álbum titulado como la banda y publicado en 1976. El álbum tardó un año en tener éxito en su país natal. En 1977, la canción "Breakdown" fue relanzada en las radios y se convirtió en un éxito del Top 40 después de que se supiese que la banda estaba siendo muy bien recibida en Inglaterra.

Su segundo álbum, You're Gonna Get It! (1978) demostró que la intensidad del primer disco no era casual. Se convirtió en el primer disco de oro de la banda en Estados Unidos y contenía sencillos como "Listen To Her Heart" y "I Need To Know". No mucho después de su lanzamiento, la banda tuvo un litigio cuando ABC Records, la compañía matriz de Shelter, fue vendida a MCA Records. Petty se negó a ser simplemente transferido a otra compañía sin su consentimiento. Se atuvo a sus principios durante nueve meses que al final le llevaron a la bancarrota.

Tras resolverse la disputa, Tom Petty & the Heartbreakers lanzaron su tercer álbum, Damn the Torpedoes (1979), que con el sencillo «Refugee» se convirtió rápidamente en triple platino en Estados Unidos. A este disco le siguió Hard Promises (1981), que no tuvo gran éxito comercial pero recibió buenas críticas.

En su quinto álbum, Long After Dark (1982), el bajista Ron Blair fue reemplazado por Howie Epstein, con lo que se completó la formación final de The Heartbreakers. Sin embargo, Tom Petty tenía problemas para manejar el estrés y el éxito, así que decidió reducir el ritmo de trabajo.

En su disco de regreso, Southern Accents (1985), Tom Petty & The Heartbreakers volvieron donde lo habían dejado. El disco tuvo sus problemas: Petty, en un momento de frustración del proceso de mezclas, pegó un puñetazo a la pared y rompió su mano izquierda. El álbum incluía el exitoso sencillo «Don't Come Around Here No More», producido por Dave Stewart.

De la exitosa gira de conciertos que siguió al disco nació el álbum en directo Pack Up The Plantation-Live! (1985). Las capacidades de la banda en directo fueron puestas a prueba cuando Bob Dylan invitó a Tom Petty & the Heartbreakers a unirse a él en su gira "True Confessions" por los Estados Unidos, Australia, Japón (1986) y Europa (1987).

También en 1987, el grupo lanzó Let Me Up (I've Had Enough), un disco de estudio hecho para sonar como un disco en directo con una técnica tomada de Bob Dylan. Incluye «Jammin' Me», escrita por Petty y Dylan.

Petty también apareció en varios episodios de It's Garry Shandling's Show (1987 - 1990), haciendo de sí mismo como uno de los vecinos de Garry Shandling.

En 1989, Petty lanzó Full Moon Fever. Aunque nominalmente era un proyecto en solitario, otros miembros de Heartbreakers y algunos músicos muy conocidos participaron en la grabación. Mike Campbell coprodujo el disco con Petty y Jeff Lynne (de la Electric Light Orchestra). Estuvo entre los diez primeros de la lista de Billboard durante más de 34 semanas y consiguió llegar al triple platino, con éxitos como «I Won't Back Down», «Free Fallin'» y «Runnin' Down A Dream».

Antes de Full Moon Fever, Lynne y Petty habían trabajado juntos en la banda de estrellas Traveling Wilburys, que también contaba con Bob Dylan, George Harrison y Roy Orbison. Traveling Wilburys comenzaron como una broma para grabar una cara B de un sencillo de George Harrison, pero la canción «Handle With Care» tuvo tanto éxito que el grupo decidió grabar un disco completo, Traveling Wilburys Vol. 1 (1988). La repentina muerte de Roy Orbison ensombreció el éxito y poco tiempo después Del Shannon, en quien el resto de los Wilburys pensaban como reemplazo, se suicidó. Se lanzó un segundo disco de los Wilburys, llamado misteriosamente Traveling Wilburys Vol. 3 (1990), pero no estuvo a la altura de las expectativas.

Petty se volvió a juntar con los Heartbreakers para su siguiente álbum, Into the Great Wide Open (1991). Producido de nuevo por Jeff Lynne, incluye los éxitos sencillos «Learning To Fly» y «Into The Great Wide Open», cuyo video es protagonizado por Johnny Depp.

En 1994, Petty lanzó su segundo disco en solitario, Wildflowers, que también tuvo canciones de éxito como «You Don't Know How It Feels», «You Wreck Me», «It's Good to Be King», «A Higher Place» y «Honey Bee».

Petty ha recibido 10 nominaciones a los Premios Grammy desde 1981. Ese año recibió su primera nominación por su colaboración con Stevie Nicks, «Stop Draggin' My Heart Around», en la categoría de Mejor actuación de rock realizada por un dúo o grupo con voz. Petty consiguió un permio Grammy en 1989 en la misma categoría por su trabajo con los Traveling Wilburys. En 1994 recibió otros dos premios Grammy: Mejor interpretación vocal masculina (por «You Don't Know How It Feels») y Álbum mejor producido (no clásica). Wildflowers también obtuvo una nominación a los Grammy como Mejor álbum de rock.

Otros premios conseguidos por Wildflowers incluyen el Premio al mejor vídeo masculino por «You Don't Know How It Feels», otorgado en 1995 por la MTV. Tom Petty & The Heartbreakers ganaron el mismo premio en 1994 con el vídeo «Mary Jane's Last Dance». En la ceremonia de 1994, también se le otorgó a Petty el Premio a vídeo de vanguardia, citando sus contribuciones al campo a lo largo de mucho tiempo.

Como compositor de canciones, Tom Petty recibió en mayo de 1996 el prestigioso Golden Note Award de ASCAP. En abril de 1996, Petty recibió el premio George And Ira Gershwin Award For Lifetime Musical Achievement de la UCLA. En 2002 el grupo entró en el Rock and Roll Hall of Fame.

En 1999, Tom Petty & the Heartbreakers recibieron una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en 7018 Hollywood Blvd., un honor que reconoce tanto sus logros musicales como su entrega humanitaria con organizaciones como Greenpeace, la National Veteran's Foundation, USA Harvest, Rock And Wrap It Up y AmFAR (American Foundation for AIDS Research).

En 2002, Petty apareció en Los Simpson, en el episodio 'How I Spent My Strummer Vacation'. También ha puesto la voz al personaje Lucky in King of the Hill, Canta en el Concert for George en el Royal Albert Hall.

En 2005, Tom Petty comenzó su propio programa "Buried Treasure" en XM Radio. En el programa, Petty comparte selecciones de su colección de discos personal.

En 2006, Tom Petty lanza su tercer disco en solitario, Highway Companion, que entra directamente al número 4 en las listas USA. Durante el verano de 2006 realiza una gira por los Estados Unidos y Canadá para presentar el disco.

A finales de 2007 publica un documental titulado Runnin' Down a Dream en DVD + otro DVD en concierto conmemorando su 30 aniversario en su ciudad natal Gainesville grabado en 2006 + un CD recopilatorio con algunos de sus mejores temas. 4 discos componen esta caja de coleccionista Tom Petty & The Heartbreakers Runnin' Down a Dream .

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Ricardo Montaner

2009-11-03T09:25:00.003-03:00

Héctor Eduardo Reglero Montaner es un cantautor venezolano de origen argentino, conocido en el ambiente musical como Ricardo Montaner.

Biografía

Nació el 8 de septiembre de 1957 en Avellaneda Argentina. En su infancia su familia se traslada a Maracaibo (Venezuela), ya que a su padre le ofrecen un contrato en esa localidad. Al comenzar su adolescencia, Montaner compuso su primera canción, Noches de primavera, inspirado en su primera novia, Ana Vaz, con quien se casaría y tendría sus dos hijos mayores, Alejandro Manuel y Héctor Eduardo, quienes siguen los pasos de su padre, añadiendo a sus nombres el apellido Montaner.

A los 16 años (1973), formó parte como baterista de una banda de rock de Maracaibo llamada Scala, hasta que un día, durante una de las presentaciones, el cantante del grupo enfermó y él ocupó su lugar. Los asistentes a esta presentación aprobaron su actuación con nutridos aplausos. Dos años después, empezó a cantar baladas en diversas celebraciones familiares, mientras estudiaba periodismo.

El primer tema que presentó en público, en un festival en el Perú, fue Canta, viejo, canta. Sus primeros productores le propusieron lanzarse como cantante y fue ahí que escogió como nombre artístico Ricardo Montaner, utilizando su apellido materno. En 1978 grabó su primer LP, titulado Mares, que no logró atraer la atención del público. Así anduvo Montaner unos cuantos años, como telonero de artistas más conocidos y procurando presentarse en cuanto festival de voces existiera.Uno de ellos fue el festival de Ancon ( Perú ) donde se dio a conocer por primera vez con la canción " MURALLAS " con la cual participó en este desaparecido festival.

En 1986 la disquera venezolana Rodven Discos (hoy Líderes-Rodven) le contrató formalmente, siendo su primer LP en esta nueva etapa Ricardo Montaner el cual fue muy bien recibido, amén de la publicidad que la disquera (subsidiaria del Grupo Cisneros) le había hecho. Esta publicidad y la aceptación de ese LP, le hicieron obtener sus primeros discos de oro y platino.

El primer éxito internacional de Montaner fue en 1988, con el disco Ricardo Montaner 2, que incluía Tu piano y mi guitarra, a dúo con el cantautor argentino Alejandro Lerner.

En el año 1989 se casó por segunda vez con Marlene Rodríguez Miranda, hija del principal accionista del circuito de radio más grande de Venezuela, FM Center, y productora de sus videos con quien tiene tres hijos más: Ricardo Andrés, Mauricio Sebastián y Eva Luna.

En 1993, Ricardo Montaner disuelve su contrato con Sonorodven, pero sin apartarse de la actividad musical. Graba para los Estudios Disney el tema en español Un mundo ideal (versión para Latinoamérica) de Aladdín) a dúo con la cantante española Michelle.

Proyectos

Hasta el año 2007, Ricardo Montaner ha vendido más de 25 millones de discos. Lo obtenido en los últimos años por concepto de regalías de ventas y presentaciones le permitió crear su propio sello discográfico, Hecho a Mano, con el cual apoyó a grupos locales. Lamentablemente, este sello cerró sus puertas en el 2003, siendo su catálogo manejado por la disquera venezolana Latin World Music.

También tiene una fundación filantrópica, Hijos del Sol (título de uno de sus álbumes), desde 1993, en la que promueve proyectos en favor de la niñez, tales como campañas de vacunación, distribución de comida y ayuda a huérfanos.

Igualmente, como productor cinematográfico tiene en su haber la realización del guión de la cinta Muchacho solitario (protagonizada por el dúo Servando y Florentino), muy bien recibida por el público adolescente venezolano.

Su más reciente producción discográfica para Warner Music Latin fue realizada junto a la London Metropolitan Orchestra, orquesta británica de estudio, con la cual graba por segunda vez canciones que había grabado previamente en los años transcurridos desde su internacionalización. El disco vendió más de un millón de copias.

El 16 de abril de 2004 su disquera lanzó para el mercado brasileño su álbum Para meus amigos con el cual Montaner se convierte en el tercer artista venezolano en grabar en idioma portugués, junto con José Luis Rodríguez "El Puma" e Ilan Chéster.

Luego de (Ricardo Montaner London Metropolitan Orchestra) ha grabado siete discos más, (Sueño Repetido) que contiene la canción Bésame, que se hizo popular por ser la canción elegida para la telenovela "Betty la Fea"; "Suma" que contiene el éxito "Yo Puedo Hacer", "Prohibido Olvidar" con su primer sencillo "Qué Ganas"; "Ricardo Montaner con la London Metropolitan Orchestra Vol.2" otro recopilatorio acompañado de orquesta, y en el 2006 "Todo y Nada" con éxitos como "Todo", "Cuando a mi Lado Estas" y "Vida Eterna". Su más reciente producción en el 2007 es el álbum "Las Mejores Canciones del Mundo", donde graba canciones que han marcado su vida como canta-autor.

Productor cristiano

Como cristiano evángelico, Montaner produjo el cd Palabras de la cantante cristiana Noemí Luz. Allí grabó con ella a dúo el tema La gloria de Dios.

Su conversión al cristianismo evángelico fue en Uruguay, en una visita a un hospital público en la ciudad de Montevideo (Hospital Peréira Rossell), donde conoció a un niño enfermo que le influyó.

Con Maradona

En 2006, Montaner se presentó en el programa de televisión del futbolista Diego Maradona, La noche del 10 por Canal 13 de Buenos Aires, donde cantó e intentó reunirlo con su ex-esposa Claudia Villafañe —de la que Maradona está divorciado desde hace diez años—, sin mucha aceptación por parte de Villafañe. En cuanto pudo decirlo, Montaner con firmeza le dijo a Maradona (quien recientemente se había recuperado de su sobrepeso y de su adicción a las drogas, tras una lucha de casi diez años): «Tu regreso no es natural, tiene que ver con Dios».

Maradona le agradeció el gesto, y en el bloque siguiente admitió: «Estoy contento con mi “nueva vida”, como dice Ricardo».

Últimas producciones

Ricardo Montaner es uno de los cantautores más reconocidos en el mundo de habla hispana. Su producción más reciente se llama Las mejores canciones del mundo (principios del 2007), que ha vendido más de 600.000 copias.[cita requerida]

El 20 de noviembre de 2007 salió a la venta Las mejores canciones del mundo (volumen 2) y algunas mías. El primer corte es Algo de mí, de Camilo Sesto.

Montaner colaboró con el último cd de la cantante argentina Patricia Sosa Lija y tercipelo (2007), con una canción de su autoría: Un amor más grande que el amor, cantándolo a dúo con la cantante.

El 24 de febrero de 2009 lanzó su más reciente Álbum de estudio, titulado Las Cosas son como son

Aparte de promocionar su más reciente álbum, Montaner ha anunciado que planea editar un disco de tango y otro con adaptaciones musicales de los poemas del poeta chileno Pablo Neruda, a pedido de la fundación homónima.

Pagina: http://www.officialsite-ricardomontaner.com/

Pat Travers

2009-11-03T09:20:00.002-03:00

Patrick Henry Travers (12 de abril de 1954, Toronto, Canadá) es un guitarrista de Hard Rock que inició su carrera musical a mediados de los setenta. Pat Thrall, Nicko McBrain, Tommy Aldridge, Peter "Mars" Cowling, Jerry Riggs, y Carmine Appice son solo algunos de los famosos músicos que han sido parte de la banda de Pat Travers a través de los años.

Carrera

Destacan de su repertorio inicial los discos Heat in the Street de 1978, álbum en el que contó con el reconocido baterista Tommy Aldridge (Ozzy Osbourne, Whitesnake, Manic Eden, Thin Lizzy); Crash and Burn de 1980 y Radio Active de 1981. A partir de allí, la carrera de Travers no ha logrado el suceso comercial obtenido en su primera época, sin embargo, conserva una leal base de fanáticos desde entonces.

En retrospectiva, Pat Travers es considerado uno de los guitarristas más influyentes que emergió de la escena Hard Rock de los setentas. Algunos guitarristas, incluyendo a Kirk Hammett de Metallica, han citado a Travers como una de sus mayores influencias.

Pagina: http://www.pattravers.com/

Toto

2009-11-02T12:17:00.001-03:00

Toto es una banda estadounidense clasificada dentro de la línea musical conocida como Adult oriented rock o AOR, Toto es una banda reconocida mundialmente por la habilidad para combinar diferentes estilos musicales como el blues, rock, pop, jazz y funk. Toto tuvo un notable éxito comercial en la década de los 80, éxito que tuvieron mediante canciones que fueron todo un "hit" y hoy en día son todo un clásico: "Africa", "Hold the Line" y "Rosanna".

La banda realizó al 2008 19 álbumes: 13 álbumes de estudio, 4 en vivo, 1 soundtracks (Dune) y su más destacada compilación que cuenta con 4 canciones inéditas (Past to Present). Han vendido más de 33 millones de discos, en más de 10 ocasiones han sido nominados a los premios grammys, incluyendo categoría: Mejor banda nueva, Disco del año, Producción del año, Canción del año, etc. Llevándose el galardón en 6 ocasiones en el año 1983, hecho que nunca había ocurrido, pero este récord fue superado al año siguiente por Michael Jackson.

Su último disco de estudio fue lanzado en el 2006, titulado Falling in Between, disco el cual rompió todas las expectativas y para muchos es lo mejor que ha realizado Toto junto con el disco Toto IV. Con el lanzamiento de Falling in Between Toto comenzó a hacer tours extensos por todo el mundo denominado: Tour Falling in Between. En base a los tours que se hicieron en el año 2007, lanzaron su más reciente trabajo en vivo a finales del 2007 titulado Falling in Between Live in Paris.

Actualmente Toto ya no sigue el camino de los escenarios y grabaciones, debido a que en el año 2008 Steve Lukather publicó en su página de Internet que Toto se separaba definitivamente, éste dio las razones de su separación con la banda y agregó "Toto no more".

Sus comienzos

Los miembros de la banda se conocieron en el instituto, colaborando en sesiones de grabación en los '70 para otras bandas como Steely Dan. David Paich y Jeff Porcaro apostaron por salir adelante con una banda propia. La banda comenzó con el bajista David Hungate, que en 1982 fue reemplazado por Mike Porcaro (hermano de Jeff y Steve), el guitarrista Steve Lukather, el vocalista Bobby Kimball y los nombrados anteriormente: Jeff Porcaro en la batería, David Paich como el compositor y tecladista, y Steve Porcaro como segundo tecladista.

Al principio se llamaban Still life, aunque no tardaron demasiado en cambiarse de nombre a Toto, nombre sobre el que suelen bromear cuando les preguntan por su significado.

Existen diferentes versiones acerca del nombre Toto. Desde que Jeff Porcaro sugirió el nombre por el perro de la película El Mago de Oz, a la versión que Toto es una tribu localizada en las faldas del Himalaya de la que sólo quedan pocos sobrevivientes e incluso están por desaparecer; o que es el segundo nombre del cantante "Robert Toteaux Kimball", etc. aunque la versión definitiva parece sentenciar que escogieron Toto en un claro guiño a la variada música que hacen, pues en latin el significado es "todo".

Steve Lukather refiriéndose al nombre de la banda:

La verdad es que odio el nombre “TOTO”, ¡siempre lo he odiado! En serio, ¿qué significa “TOTO”? ¡pues nada! No le pusimos ese nombre a la banda por el perro de “El Mago de Oz”, tampoco se lo pusimos porque “TOTO” viene de latín “totus” que significa “todo”, ¡nada que ver! Como tu dices son muchas historias pero ninguna es cierta, lo que pasó fue que cuando armamos la banda y comenzamos a grabar nuestro primer disco, al mismo tiempo estábamos grabando en el mismo estudio música para otros artistas, entonces nuestro ingeniero de grabación, para no confundirse, le ponía a nuestros carretes una etiqueta y lo primero que se le ocurrió fue “Toto”, simplemente como una identificación para saber que esas grabaciones eran los registros de nuestras canciones y no de otros artistas. Durante todo el tiempo que estuvimos grabando el disco nunca nos preocupamos por el nombre de la banda y cuando el álbum fue finalizado y el sello ya lo quería lanzar nos preguntaron ¿y cómo se llama la banda? ¡Y no había nombre! (risas), entonces yo propuse el nombre “Ripe Jack”, pero votamos y a nadie le gustó, lo encontraban muy agresivo, entonces como no había nombre Bobby (Kimball, vocalista), dijo “y si le ponemos a la banda “Toto”, las cintas ya están rotuladas así, es un nombre corto, fácil de recordar, y todos los carretes de cinta dicen “Toto”, entonces seamos “Toto” ¡y todos estuvieron de acuerdo, menos yo! Pero como la mayoría manda… y bueno ya está, ¡lo odio y lo he odiado por 30 años! Pero esa es la verdad man, pero a pesar que encuentro terrible el nombre, agradezco a Dios que la gente haya valorado a las personas y la música que hay detrás de Toto durante todos estos años, Toto es sólo un nombre, lo importante son las personas, los músicos y la música, todo lo que envuelve al nombre, pero no el nombre en sí.

Miembros actuales

Bobby Kimball. Vocalista. Ha trabajado con: Jackson Browne, Barbara Streisand y Aretha Franklin. Es el vocalista oficial de la banda pero a comienzos del año 1984 abandonó la banda, siendo reemplazado por Fergie Frederiksen. En julio de 1998 vuelve Bobby Kimball como el vocalista oficial de Toto, grabando con la banda Toto XX (disco el cual Toto celebra sus 20 años de carrera). 1977-1984/1998-presente.

Steve Lukather. Guitarrista. Líder de Toto; reconocido como el guitarrista más versátil del mundo? y uno de los mejores guitarristas en la actualidad. Tiene una gran voz y en los discos Kingdom of Desire y Tambu fue el vocalista oficial de la banda. 1977-presente.

Michael Porcaro. Bajista. Mike Porcaro es hermano de Jeff Porcaro y Steve, entró a Toto en el año 1982.

Simon Phillips. Baterista. Ha trabajado con artistas como The Who, Peter Gabriel y Mick Jagger entre otros. Ingresó en la banda en 1992 tras el fallecimiento de Jeff Porcaro.

Greg Phillinganes. Tecladista. Tras sustituir a David Paich ocasionalmente se incorporó a la banda en 2005. Ha trabajado con Phil Collins, Michael Jackson, The Jacksons y Eric Clapton entre otros.

Miembros anteriores

David Paich. Pianista, tecladista y cantante. Hijo de Marty Paich, músico y compositor. Desde 2005 sólo participaba de los trabajos en estudio, para las giras fue contratado Greg Phillinganes.

Jeff Porcaro. Baterista y fundador de Toto, considerado uno de los mejores bateristas del mundo y del rock. Gozó de enorme prestigio en la industria musical, trabajó con Steely Dan, David Gilmour, Ray Charles, Eric Clapton, Al Jarreau, Dire Straits, Dr. John, Earth, Wind & Fire, Michael Jackson, Robben Ford], Paul Simon y Bette Middler, entre otros. Jeff era miembro de una familia de músicos junto a sus dos hermanos: Steve y Michael. Falleció a causa de una agresiva reacción alérgica a pesticidas, el 5 de agosto de 1992.

Joseph Williams. Cantante. Hijo del conocido compositor John Williams, grabó con Toto los discos Fahrenheit y The Seventh One. También ha grabado varias de las canciones centrales de algunas películas de Disney. Dejó la banda por el mal estado de sus cuerdas vocales a fines de los ochenta; posteriormente colaboró en 2006 en su álbum Falling In Between.

Steve Porcaro. Tecladista. Hermano de Jeff, fue miembro de Toto desde 1977 hasta 1986. A pesar de haber decidido salir del grupo, ha continuado trabajando en diversas grabaciones para ellos.

David Hungate. Bajista original. Perteneció al grupo desde sus inicios hasta 1982, según declaraciones, se retiró debido a problemas personales. Hungate también toca la guitarra y ha colaborado con diversos artistas del género country como Ethel and the Shameless Hussies.

Música

1978 - Toto debuta con el álbum del mismo nombre, Toto, del cual se extrajo el primer sencillo Hold The Line (todo un clásico) compuesta por David Paich, al igual que la mayoría de las canciones de este álbum. Este primer sencillo se colocó rápidamente en el número 5 en Norteamérica al poco tiempo de salir a la venta. Este disco debut, grabado en el estudio 55 en California, vendió un millón de copias.

En marzo de ese mismo año sale el sencillo I'll Supply The Love. En Inglaterra, Francia y Europa en general empezaba a escucharse Toto y el álbum empezó a venderse. Por ello el grupo no tardó en visitar Europa. Posteriormente salió un tercer sencillo Georgy Porgy, que tuvo la colaboración de una cantante de prestigio de la música soul. Por todo esto, Toto fue nominado ese mismo año para los premios Grammy como "mejor banda nueva".

1979 - En este año Toto grabó el álbum Hydra, producido por Tom Nocks. Después de su exitoso debut sólo quedaba por ver si sería una banda de un solo disco o seguirían adelante en el mundo real de la música. Su siguiente sencillo fue "99", una canción inspirada en George Lucas con su película de ese mismo año. Este disco vendería más de un millón de copias. El reconocimiento de su compañía discográfica se demostró otorgándoles un disco de Oro.

1980 - Toto era un grupo recién nacido y le correspondía dar espíritu y personalidad a su música. Empezaban los años 80s y sus músicos se perfeccionaban preparando nuevas ideas, al mismo tiempo que colaboraban con grandes bandas de los 70s.

1981 – Toto graba el nuevo álbum, Turn Back, no tan exitoso como los anteriores; de estilo progresivo, etéreo y new age, parecido al de Pink Floyd, Yes y Emerson Lake and Palmer. Este disco fue producido por ellos mismos, sin embargo no superó lo logrado por el primero.

1982 - Utilizando la fórmula que los dio a conocer, lanzan su álbum más conocido.

Toto IV

Es un álbum que en cada track tiene algo nuevo. El primer sencillo fue "Rosanna" con el cual vendieron dos millones de copias además de llegar a los 10 primeros lugares del Billboard. Posteriormente saldría el segundo sencillo titulado "Make Believe".

1983 - Este año fue clave para la carrera del grupo; en enero se lanza "Africa", una de las mejores canciones de la historia y todo un clásico. Africa entró directo al puesto No. 1 del Hit Parade estadounidense, desplazando a la canción "Down Under" de Men at Work y se colocó entre los tres primeros lugares de las listas de éxitos en Inglaterra. Nuevamente vendían 2 millones de copias. En la 25° entrega de los Grammys en febrero de ese año Toto ganó 6 Grammys. Posteriormente sacaron otro sencillo "I Won't Hold You Back", una balada tan romántica como exitosa que les otorgó un disco de platino por las ventas del álbum. Posteriormente David Hungate dejó la banda y en su lugar entró otro hermano Porcaro, Mike.

Bobby Kimball, al igual que David Hungate, se marchó e hizo su propia banda, la cual sonaba muy parecida a Led Zeppelin, pero fracasó. En su lugar entró Fergie Frederiksen "Fergie".

1984 – Recuperada otra vez la estabilidad fueron contratados para escribir el tema de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 1984. De igual forma, más tarde les fue encomendada en su totalidad la banda sonora de la película del director David Lynch Dune (ciencia ficción); a fines de este año sacaron un nuevo álbum cuyas críticas fueron hostiles y las listas de popularidad les dieron la espalda, por debajo del número 150.

Isolation

Su primer sencillo fue "Stranger In Town" y lo siguió "Holyanna".

1985 – En una contribución histórica entre muchas agrupaciones y solistas de la música pop, se lanza un proyecto llamado U.S.A. For Africa. Toto participó a nivel instrumental, haciéndose acompañar por la orquesta sinfónica de Viena.

1986 – Toto tomó un receso de unos meses. Fergie dejó el grupo y se contrató a Joseph Williams mientras tanto Steve daba una gira por Japón con Jeff Beck y Santana, donde conoce a Simon Phillips. A finales de ese año Toto graba el álbum que lo rescataría del olvido.

Fahrenheit

La balada "I'll Be Over You" rescató a Toto de su ostracismo y, aunque en las listas de éxitos no se colocó en los lugares de otras canciones anteriores, sí llegó a una muy buena posición.

1987 - En este año se lanzaron otros sencillos como "Till The End". Destaca el video-clip de esta canción con una coreografía realizada por Paula Abdul (bailando ella misma). Al final de ese año se lanzó la canción "Without Your Love". En esta temporada Steve Porcaro decide retirarse de la banda, pero aun así, ha apoyado al grupo en sus giras y apoyó bastante a la siguiente producción que Toto alistaba.

1988 - En ese año salió un disco en el cual Toto muestra totalmente su evolución, un disco maduro y con letras de más experiencia.

The seventh one

Toto acababa de cumplir una década y sacan el disco "The seventh one". El primer sencillo lleva un nombre de mujer, algo habitual en esta banda que titula frecuentemente sus canciones con nombres de mujeres, de manera similar a como Edgar Allan Poe (a quien Bobby Kimball se parece mucho) lo hacía frecuentemente con los cuentos de sus Narraciones Extraordinarias. En este caso el título de la canción es "Pamela". El segundo sencillo se titula "Stop Loving You" y el tercero "Anna", otro nombre femenino. Estas excelentes canciones aún suenan hoy en día en las emisoras de radio.

1989 – Este año terminaría de promocionarse el disco con un último sencillo, "Straight For The Heart", asimismo, dieron la gira promocional del disco The Seventh One. A finales de ese año Steve Lukather lanza su primer álbum como solista, llamado simplemente "Lukather". Se trata de un disco con sonidos más sólidos y la guitarra más suelta que con la banda.

1990 - En ese año Toto saca un álbum que recopila lo mejor de su carrera. Ésta además incluía cuatro canciones inéditas, se contrató otro vocalista, Byron Duplessis, primer miembro de raza negra.

Past to the present: 1977 - 1990

Este álbum salió en video y audio con cuatro canciones inéditas. El primer sencillo fue “Out Of Love”. El disco fue aceptado bastante bien en Europa y les dio disco de platino. Iniciaron una gran gira por todo el mundo. Tocaban ocho o nueve noches en cada país europeo. Esta gira era la más grande realizada en mucho tiempo, Toto comenzaba la década con el pie derecho y tocaban nuevamente el cielo.

1991 - Después de la exitosa gira, el vocalista Byron se marchó en búsqueda de su éxito como solista. Toto comenzaba este año la grabación de lo que sería su nuevo álbum de la década de los 90's.

Kingdom of desire

Días antes de la salida del álbum, su baterista, Jeff Porcaro, fallece debido a una agresiva reacción alérgica a los pesticidas el 5 de agosto de 1992. De este álbum se extrajo el primer sencillo "Don't Chain My Heart". A este sencillo le siguió, aun con más éxito, la balada "Only You". Fans de todo el mundo no sabían qué iba a pasar con la banda, la partida de Jeff dejaba mal parado al grupo.

1993 - Contrataron a otro baterista, Simon Phillips, con el cual salieron de gira. Aunque Simon era sólo eventual, cada actuación de esa gran gira contenía tres horas de música que mostraban la solidez de la nueva formación. En todas las actuaciones dedicaban una canción a Jeff y eso les daba más fuerza, así que decidieron sacar un álbum de esa gran gira.

Absolutely live

Este disco es doble y contiene trece tracks. El último track es un cover a Paul McCartney y en la contraportada del disco se ve una pintura de Jeff. Este disco contiene versiones acústicas de la canción "99" y "Georgy Porgy". Es un disco grabado en Holanda con Simon a la batería y también es un disco de edición limitada.

1994 - Se lanza el segundo disco de solista de Steve Lukather, "Candy Man".

1995 – Habían pasado 3 años desde el último álbum de estudio y dos de su última gira. Muchos creían que Toto se había desintegrado, sin embargo, se atrevieron con Simon Phillips como nuevo baterista a emprender un nuevo rodaje.

Tambu

En noviembre de 1995 se lanzaba mundialmente el primer sencillo de este disco "I Will Remember". Se trata de una balada dedicada a Jeff que rápidamente se coloca en las listas de popularidad. A este sencillo le siguió "The Other End Of Time". Las ventas crecían en Europa y Asia.

1996 – Se lanza otro sencillo "The Turning Point" y mientras sonaba el sencillo iniciaban una nueva gira "Tambu Tour 96". Aumentaban las fechas para conciertos, la fórmula que les trajo el éxito en los 80's estaba de vuelta.

A finales de ese año varios miembros lanzan discos como solistas. Steve Lukather lanzaba su tercer álbum solista llamado "Luke", empezaba su gira solista en diciembre y continuaría dando conferencias y conciertos. Este excelente guitarrista es considerado entre los 10 mejores de todos los tiempos.

1997 - Simon Phillips lanza su disco nuevo de solista, "Symbiosis", y realiza una gran gira a finales de este año y principios del siguiente. Mike Porcaro se une con sus hermanos y lanzan un proyecto llamado Porcaro Brothers. El sencillo se llama "Young At Heart", con Joseph Williams en las voces de la canción oficial de la Champions League.

David Garfield, amigo de la banda, lanza un disco con la ayuda de muchísima gente. El disco se llama "Tribute To Jeff". Es un homenaje a Jeff Porcaro en el que participaron ochenta músicos y también familiares y amigos.

1998 – Este año comienzan los insistentes rumores (que todos los fans deseaban que fueran ciertos) sobre un posible retorno de Bobby Kimball a la banda. En julio se confirmaba, Bobby era el vocalista otra vez.

Toto XX (1977 - 1997)

El título del álbum Toto XX es un homenaje a sus 20 años de carrera. Con el álbum a la venta los fans se preguntaban si habría gira, gira de despedida o todo terminaría en el álbum. El álbum contiene piezas inéditas, diez canciones que nunca se editaron por falta de tiempo o falta de espacio en los anteriores discos más tres canciones en vivo. El primer sencillo que se promocionó fue "Goin' Home", que suena al Toto de mezclas de 80s con 90s. En esta canción participan los dos vocalistas más destacados y reconocidos en la banda: Bobby Kimball y Joseph Williams. Había sido el primer sencillo de "Past To Present" y nunca se había editado hasta este disco de rarezas.

1999 – A principios de este año sólo promocionaron otro sencillo "Tale Of Man", pues deseaban iniciar una gran gira mundial. La gira la titularon "Meeting". Esto llega a ser memorable en la banda y en sus fanáticos, pues salieron en conciertos junto a Steve Porcaro, Joseph Williams y Bobby Kimball: los ex integrantes de la banda.

Toto iniciaba esta gira el 23 de febrero y continuaría durante todo el año con más de 80 citas en Europa y más de 25 por Asia. Visitarían ciudades como: Tallin, Oslo, Copenhague, París, Le Mans, Róterdam, Milán, Tokio, Múnich, Praga, Berlín, Viena, algunas de Estados Unidos, etc. Descansaron sólo un mes . Volvieron a reanudar la gira a mediados de junio y terminó en noviembre. Se comenzó a rumorear la reintegración de Bobby Kimball como vocalista, la cual se confirma con su siguiente álbum.

Mindfields

Era el nuevo álbum de Toto en muchos años con Bobby Kimball y se hizo esperar. El disco se retrasaba en las tiendas y empezaba a escucharse el sencillo "Cruel" pero sólo en Europa y Latinoamérica. El sencillo se colocó en el número 4 en Alemania y en el número 6 en Japón.

2000 - En este se emitía otro sencillo "Caught In The Balance" y el disco por fin se podía encontrar en Latinoamérica. El disco contiene trece tracks y un tema extra, "Spanish Steps". El disco nos lleva a un recorrido por la trayectoria de la banda y nos muestra la gran voz de Bobby. Contiene canciones finas y de gran calidad musical. Cabe resaltar que los tracks (o canciones) del álbum Mindfields fueron editados en diferente orden en Estados Unidos y en Japón. Comienzan la nueva gira titulada "Mindfields World Tour" y siguen en ella hasta el nuevo año.

Simon Phillips lanza su disco "Out Of The Blue", un disco en vivo.

Steve Lukather hace una gira por Asia y graba un disco en vivo con Larry Carlton que ya está a la venta importado de Japón.

Toto fue nominado aquel año para los Grammys con el álbum "Mindfields" en la categoría de ingeniería de álbum, la cual no ganaron.

2001 – Se lanza un disco nuevo, en vivo y puesto a la venta en todo el mundo.

Livefields

Es un álbum doble en vivo grabado en Francia en 1999, durante la gira Mindfields. Este mismo año Simon Phillips lanza su disco "Vantage Point" y este mismo año se promociona el disco de Steve Lukather con Larry Carlton llamado "No Substitutions".

2002 – Este año Steve Lukather es nominado junto con Larry Carlton para los Grammys y lo ganan por el mencionado disco "No Substitutions", en la categoría del mejor álbum instrumental de pop.

2003 - En este año realizan su 25 aniversario en Ámsterdam con un concierto con 13 canciones entre las cuales se destacan "Girl Goodbye", "Africa" y "Hold The Line" entre otras.

Through The Looking Glass

Si bien, Toto ya había terminado su gira promocional, decidió terminar su contrato con Sony Records, la disquera que los había acompañado desde sus inicios, debido a diferencias entre la banda y la compañía. Luego, el grupo saca a la venta un álbum con el sello de la compañía Capitol Records titulado "Through The Looking Glass", un CD lleno de cóvers de canciones que inspiraron a cada uno de sus integrantes a seguir la música.

2006 - Toto lanza otro disco, considerado lo mejor de la banda californiana desde el lanzamiento de Toto IV en 1983.

2007 - Toto realiza una gira por toda América, donde se tocan clásicos de la banda.

Falling in Between

Este álbum recoge todos los estilos musicales que la banda ha experimentado en casi 30 años de historia. Destaca el sencillo "Dying on my feet", cuya música recuerda los primeros tiempos de la banda. Como en otros tracks del CD aparecen invitados, en este caso, la colaboración de Chicago con su sección de metales. Un aspecto interesante de la banda en esta producción es la presencia de más de un vocalista en cada sencillo, lo que convierte a "Falling in Between" en un disco sumamente variado. El primer sencillo es "Bottom of your soul", una canción que habla de la tragedia humanitaria en Sudán y que cuenta con la participación del ex líder vocalista de la banda Joseph Williams. Trae además la balada "Simple life", sello distintivo de Steve Lukather. "King of the world" habla de la debacle la empresa estadounidense Enron. La canción es un regalo para los amantes del álbum "Isolation". Toto sorprende también con una dura crítica al gobierno de Estados Unidos por la guerra en Irak y lo hace con una de las interpretaciones más destacadas de su líder vocalista Bobby Kimball. Se trata de "No end in sight". Otra joya musical de este CD es "Spiritual Man", escrita por el alma de la banda, el pianista y tecladista David Paich, y es un mensaje que habla sobre tres de las religiones más practicadas en el mundo: cristianismo, islamismo y budismo.

En más de una ocasión el guitarrista Steve Lukather ha expresado que si la banda debía cerrar de una manera treinta años de carrera, este disco ha cumplido con todas las expectativas de sus integrantes.

Pagina: http://www.toto99.com/

Chill out

2009-11-02T12:10:00.001-03:00

Estilo musical normalmente compuesto con instrumentos electrónicos, que pretende relajar al oyente. Chill out, en inglés significa: enfriar. Un disco clásico de Chill Out es el "76:14" de Global Communication, para ser escuchado como si de una sola pista se tratara. Es un disco de ambient como sólo se hicieron a comienzos de los 90, un trabajo atmosférico incomparable que no sólo ayuda al relax y a la calma, sino que también está tan preocupado en los ambientes como en las melodías y, por tanto, en las emociones. Otro clásico es "Chill Out" de KLF, lleno de sonidos relajantes, aunque completamente diferente del melódico "76:14".

El "Chill Out" se caracteriza ante todo por la forma suave en que se combinan o remezclan algunos géneros tales como ópera, Techno, música ambiental, rock y algunos otros géneros relacionados con el uso de sintetizadores, cajas de ritmos y efectos de sonido. Junto con el ambient y el lounge (este es una variación del house), estos tres géneros han adoptado una rica variedad étnica que ha convertido al Chill Out en una subcultura que ha incubado una serie de adeptos que hallan en la armonía de los sonidos, la exaltación de los sentidos y una sublime forma de sentir la música.

El tema a la música Clásica, llegó habiéndose editado un álbum doble llamado "Chill: Classical", que aparte de composiciones y coros de ópera, contiene algunas piezas instrumentales de Beethoven, Schubert, Vangelis, entre otros.

Al contrario del Techno original, en el que se emplean ritmos y melodías simples, rápidas y muy repetitivas, el Chill Out es más complejo, usando sonidos muy variados, y ritmos diferentes que van cambiando con el transcurso de la canción. Es una combinación de estilos que busca provocar sensaciones de armonia y tranquilidad. Alrededor de esto han surgido bares y restaurantes que manejan un concepto de diseño de interiores creados especialmente para que este estilo de música combine con su apariencia.

También existen emisoras de radio internacionales que emiten únicamente este tipo de música. Hoy en día se puede encontrar la variante "chill house", con algo más de intensidad en su línea de bajos, así como ritmos más contundentes para ser bailados.

Paul Gilbert

2009-11-02T11:40:00.001-03:00

Paul Brandon Gilbert es un guitarrista estadounidense. Nacido el 6 de noviembre de 1966 en Carbondale, Illinois. Comenzó a tocar la guitarra a los 5 años, y a los 15 apareció en la revista Guitar Player junto a Yngwie Malmsteen. En 1984 se mudó a Los Ángeles para ir a estudiar al Guitar Institute of Technology (GIT), volviéndose instructor al año.

Sus influencias van desde Eddie Van Halen e Yngwie Malmsteen hasta otras no tan comunes para un guitarrista de este estilo, como The Beatles, The Beach Boys y The Ramones.

Es considerado uno de los guitarristas más rápidos del mundo, por ello salió elegido dentro de los diez primeros en una encuesta de la revista Guitar One. No sólo se destaca por su habilidad en la guitarra eléctrica, sino que también ejecuta con la guitarra acústica a un gran nivel, como demuestra en sus discos Acoustic Samurai y Gilbert Hotel.

Ha impartido algunos talleres en video, como Intense Rock - Sequences & Techniques, Intense Rock II, Guitars from Mars, Guitars from Mars II y Terryfying Guitar Trip, donde demuestra sus habilidades como guitarrista y como instructor, enseñando a tocar la guitarra con muy buen sentido del humor.

Entre sus alumnos más destacados se encuentran Buckethead (Muchos pensaron que este era en realidad Paul Gilbert), Nuno Bettencourt, Akira Takasaki, Alan Sosa y Luke Delacroix. También ha dado clases en la academia musical GIT de Japón y de Los Angeles.

Fue miembro y fundador de Racer X y Mr. Big. En 1996 dejó el grupo Mr. Big (siendo reemplazado por Richie Kotzen) y comenzó su carrera solista. Usa guitarras Ibanez y tiene varios modelos propios, como la PGM-301. Hoy en día ya no usa guitarras con puente flotante, porque prefiere el sonido del puente rígido y el vibrato natural.

Participó en Amazing Journey: A tribute to The Who, una serie de tres conciertos homenaje a la banda The Who, junto a Billy Sheehan, Gary Cherone y Mike Portnoy.

Recientemente ha participado en el famoso concierto G3 junto a John Petrucci y Joe Satriani, donde presentó canciones de su disco Get Out of my Yard.

Biografía: Inicios

Paul comenzó a tocar la guitarra con cinco años pero pronto lo dejó desanimado. A la edad de 11 la retomó en plan autodidacta y de manera poco ortodoxa. Acabó asistiendo a clases, corrigió su técnica y en poco tiempo mostraría indicios de su virtuosismo.

Con 14 años formó su primera banda llamada Missing Lynx en la ciudad de Greensburg. Tocaron juntos durante dos años y compusieron su propio material. Tras ello se unió a la banda local Tau Zero pero poco después la dejó para irse a California. Apareció entonces en la revista Guitar Player junto a un tipo en auge: Yngwie Malmsteen.

Racer X

Se formó en Los Ángeles con la formación original de Paul Gilbert (guitarras), John Alderete (bajo), Harry Gschoesser (batería) y Jeff Martin (voces). Fuertemente influenciados por Judas Priest y las reminiscencias del estilo de Yngwie Malsmteen, incluían los vertiginosos y técnicos solos de Gilbert.

En 1986 Gschoesser debió volver a Austria por el vencimiento de su visa, y fue reemplazado por Scott Travis, y Bruce Bouillet quien fue alumno de Paul Gilbert en la GIT, fue reclutado por Paul tras ver su forma de tocar y cómo sonaban sus melodías tocando juntos y se unió como segundo guitarrista. Bouillet era extremadamente hábil, ya que tenía que complementar los siempre difíciles y exigentes fraseos de Paul Scott Travis sería más tarde conocido por ser el baterista de Judas Priest, y John Alderete por ser el bajista de The Scream, y The Mars Volta.

Paul ganó el prestigio de ser uno de los guitarristas más rápidos del mundo, en parte, gracias a su quehacer en temas como Frenzy, Scarified, Technical Difficulties y Scit Scat Wah. Gilbert dejó Racer X en 1988, aunque se reunieron eventualmente en 1999, para hacer "Technical Difficulties", "Superheroes", "Getting Heavier" y el en vivo "Snowball Of Doom- Live At The Whisky GO GO", pero todos estos sin la participación de Bruce Bouillet. Hasta la fecha no ha anunciado su disolución. Paul ha dicho en varias entrevistas que no descarta un nuevo disco de Racer X, ya que fue la banda en la que surgió, y que aún ama, aunque no asegura que sea la formación original ya que todos se encuentran muy ocupados con sus proyectos paralelos (Judas Priest, The Mars Volta, etc), por otro lado, Bruce estuvo de gira con Paul en el G3 '07, locual da esperanzas de una posible vuelta a Racer X.

Mr. Big

Cuando Billy Sheehan dejó el grupo de David Lee Roth en 1988 se unió a Paul Gilbert, que acababa de deja su anterior banda Racer X. Juntos fundaron Mr. Big junto a Pat Torpey a la batería y el cantante Eric Martin. El grupo tuvo un gran éxito en Japón y se hicieron famosos en 1991 con su segundo disco Lean Into It, el cual incluye la balada To Be With You, ampliamente difundida en los medios alcanzando el número 1 de las listas Billboard.

Gilbert continuó tocando con Mr. Big hasta finales de los 90. Dejó la banda en 1997 para iniciar una carrera en solitario y fue reemplazado por Richie Kotzen.

En el recital que se llevó a cabo en el House of Blues, el 7 de mayo del 2008, Paul dio una grata sorpresa al público, al invitar al escenario a Pat Torpey y luego a Billy Sheehan, y tocaron el famoso Daddy Brother Lover Little Boy, canción en la cual una parte del solo es tocada, tanto en bajo como en guitarra, con un taladro con púas pegadas en la broca. A partir de este recital, todos se dieron cuenta de la química quehubo esa noche, y semanas después decidieron llamar a Eric Martin. Esto se mantuvo en secreto hastas enero del 2009 cuando anunciaron la gira reunion de 20 aniversario que empezara en Japón (malditos suertudos) en Junio, y quien sabe por donde seguirá.

Influencias y Estilo

Gilbert es capaz de adaptarse a una gran variedad de estilos como pop, rock, heavy metal, blues, jazz, funk y música clásica, pero su más conocida característica es su velocidad y versatilidad, hecho por el que la conocida revista Guitar One le nombró uno de los 10 shredders de todos los tiempos. También es uno de los precursores del punteo alterno, el tapping y el string skipping.

Instructor

Paul Gilbert tuvo su propia sección en la revista especializada británica Total Guitar donde enseñaba sus técnicas guitarrísticas en el CD de acompañamiento. Incluso antes de ello, contribuyó con artículos didácticos en la revista Guitar Player entre los 80 y 90. Este periodo de colaboración duró 31 ejemplares hasta noviembre de 2006. También enseña guitarra en el Guitar Institute of Tecnology (GIT) y es decano del mismo en su sede de Japón.

De hecho vivió una temporada en ese país tratando de aprender japonés de manos de Marty Friedman quien todavía vive allí y lo habla con fluidez. Uno de sus más exitosos estudiantes fue Buckethead.

Proyectos

En mayo del 2003 participó en dos ocasiones en un proyecto llamado Yellow Matter Custard: una banda imitadora de los Beatles que consta de Mike Portnoy procedente de Dream Theater, Neal Morse procedente de Spock's Beard y Matt Bissonette. Está disponible en CD y DVD. Tomaron el nombre de la letra de I am the Walrus.

Se unió junto a Portnoy y Dave LaRue y Daniel Gildenlöw para un tributo a Led Zeppelin por una banda llamada Hammer of the Gods en el 2004 y de nuevo en septiembre del 2005 con Portnoy, Sean Malone y Jason MMaster en el tributo al grupo Rush por parte de Cygnus and the Sea Monsters. También disponible en CD y DVD.

En el 2007 Paul promocionó su último disco Get Out my Yard en la que recaló en Bilbao amen de otras ciudades europeas. También tiene previsto participar en la gira del G3 con Joe Satriani

En la actualidad, Paul se encuentra de gira alrededor del mundo promocionando su último disco, Silence Followed By a Defeaning Roar, junto con su esposa, Emi Gilbert en el teclado, Jeff Bowders en la batería y Mike Szuter en el bajo. A partir de junio se embarcara en una nueva gira con su banda Mr Big que empezará en Japón.

Equipamiento

Paul tiene un apoyo especial por las guitarras de la marca Ibanez y usa ejemplares de su serie PGM Signature. Su guitarra principal es una PGM300, pero dado que hace años decidió convertir su modelo de puente móvil por uno de puente fijo en busca del vibrato natural, Ibanez le fabricó una de tales características que pasó a denominarse PGM 301. La mayoría de sus guitarras llevan pintados las aperturas de caja con forma de "f".

Hasta hace relativamente poco, utilizaba amplificadores Laney de los que decía tener "la distorsión más natural de válvulas nunca oída". En su página web dice que tocando con Joe Satriani y John Petrucci se inspiró en acercarse más al sonido de su propia guitarra y por ello comenzó a usar los amplificadores Marshall de la serie Vintage Modern.

Solía usar preamplificadores ADA para atacar a sus Laney, aunque ahora usa los Marshal Vintage mencionados anteriormente.

Pagina: http://www.paulgilbert.com/

Riddim

2009-10-30T11:03:00.001-03:00

La historia de la banda, según su propia página web:

Riddim nació en Febrero de 1996. Es una banda de 9 integrantes influenciados por el sonido jamaiquino e inglés del reggae de los años 70/80..s, el significado del nombre Riddim se debe al patrón rítmico que forman el bajo y la batería, donde se suman los demás instrumentos en la música reggae.

Desde sus comienzos la banda intercala covers clásicos jamaiquinos a su lista de temas en vivo, canciones de Burning Spear, Aswad, Steel Pulse, Dennis Brown, Mikey Dread, Israel Vibration, Luciano, Bob Marley entre otros, pueden disfrutarse en sus shows.

En su primer trabajo discográfico, la banda cuenta con la participación del poeta dub rastafari Benjamín Zephaniah, la combinación de este mundialmente conocido artista ha dejado como resultado la primer poesía dub grabada en Argentina: el tema “Truth Revolution” (Roots riddim reggae – 2000). La experiencia se repite en el 2002, esta vez con 2 temas más de Zephaniah en el album Remando.

Riddim ha oficiado de “backing band” a Benjamín Zephaniah en sus visitas al país y además junto a una leyenda viva del reggae mundial: Michael Campbell, aka Mikey Dread. Este talentoso productor, dj y cantante ha elegido a la banda para grabar un album que en un futuro cercano formará parte del catálogo del sello Dread at the Controls, propietario de Mikey Dread.

La banda pudo telonear a algunos de los grandes artistas del reggae mundial que han visitado Argentina: The Wailers, Yellowman & Sagitarious Band, Mikey Dread, Andrew Tosh, Junior Marvin, Tribo de Jah, y la Fully Fullwood band. La banda ha tocado el tema “Your house” de Steel Pulse junto Drummie Zeb (baterista de los Wailers) en una importante radio de Buenos Aires.

Formacion:

Pety: voz
Ariel Tenenbaum: trompeta y coros
Federico Echeverría: bajo
Fernando Deaño: guitarra y coros
Gabriel Leonetti: trombón y coros
Gabriel Vanasco: saxo tenor y coros
Hernán Schapira: teclados
Marcelo López: batería

Discografía:

Roots Riddim Reggae, 2000
Remando, 2002
Remando Dub, 2004
Buenas noticias, 2005
Preparen... Apunten... Fuego!, 2007
Donde brilla el sol, 2009

Pagina: http://www.riddim.com.ar/
Fuente: Rock.com.ar

Ministry

2009-10-30T10:44:00.002-03:00

Ministry es una banda de industrial metal que estuvo activa durante los años 1980, 90 y 2000. Fue una de las bandas pioneras dentro del subgénero de industrial metal. En 1992 editaron Psalm 69 que fue disco de platino y llegó a estar dentro de los top 30. Fueron pioneros en mezclar música electrónica con un poco de punk, más guitarras metaleras y, una voz distorsionada.

Historia: Primeros años

Al Jourgensen comenzó Ministry en Chicago, Illinois en 1981. Su primera banda antes de Ministry fue Special Affect con Groovie Man (de My Life With the Thrill Kill Kult). La formación original de Ministry consistía principalmente en Jourgensen (en voz y teclados) y Stephen George (en batería), y el sonido original de Ministry era esencialmente New Wave Synthpop que era más melódico que la agresiva música por la que Jourgensen se haría conocido. Con esta formación, Ministry creó cuatro sencillos de 12’’ en Wax Trax! Records en 1984 (recopilados en Twelve Inch Singles). Su primer LP, With Sympathy, fue editado por Arista Records en 1983 y se vendió muy lentamente pero terminó en el Top 100 de la revista Billboard. La música en With Sympathy, y los diversos sencillos que lanzaron en asociación con Arista Records, eran pop melódico; crítico Dean Carlson describe el álbum como “el pequeño hermano hosco de ‘Human League’” [1]. Jourgensen siempre ha expresado que lo decepciona la música de Ministry en estos años, y se refiere a With Sympathy diciendo que es un “aborto de un álbum”. Según él, después de firmar el contrato de grabación, todo el control musical de Ministry fue entregado a otros escritores y productores [2]. Algunas de sus grabaciones preferidas de esta era fueron recolectadas en el CD Early Trax (Rykodisc Records, 2004). Una canción notable fue "Everyday is Halloween."

A mediados de los ’80, Jourgensen se separa de George y de la compañía discográfica. Firmando con Sire, él realiza principalmente solo el siguiente LP de Ministry, Twitch (1986), el cuál vendió bien pero aún fue considerado “underground”. La música era electrónica bailable, pero no era música pop, y el sonido era más potente y agresivo que lo que Ministry había grabado antes. Según Jourgensen, “Twitch eran cosas que yo estaba haciendo antes de que saliera With Sympathy. Algunas de estas cosas tenían ya cuatro o cinco años, pero la compañía discográfica no las quería usar, así que...” [3]. El álbum fue fundamental para afirmar la importancia de la música industrial en los discotecas new-wave. Este álbum probaría también ser un punto de inflexión en la carrera de Ministry. Mucho del nuevo sonido fue creado usando sampleo digital y las contribuciones del productor Adrian Sherwood. La opinión que Al tiene de Twitch parece ser mejor que la de With Sympathy, ya que han tocado una versión actualizada de la canción “We believe” en el 2003.

Después de Twitch, Jougensen hace el cambio más significativo en la historia de Ministry cuando se vuelve a encantar con el instrumento que tocaba en sus primeros años: la guitarra eléctrica. Este nuevo sonido de Ministry casi con seguridad influido por Killing Joke y Big Black, quienes fueron quizás los primeros grupos en explotar la potente combinación baterías electrónicas en vivo y fuertes guitarras. Jourgensen también trajo al bajista Paul Barker de la banda Blackouts de Seattle; Barker permanecería como compañero de Jourgensen en la que es generalmente conocida como la época dorada de Ministry, y por muchos años fue la única persona reconocida como miembro oficial de la banda además de Jourgensen. Con la incorporación del baterista de Blackouts, Wiliam Rieflin, Ministry graba “The Land Of Rape And Honey” en 1988. El LP continúa su éxito en el circuito de la música “under” y ahora es considerado uno de los más importantes álbumes del Metal industrial. The Land of Rape and Honey es posiblemente el mejor ejemplo del sonido de Ministry, haciendo uso de sintetizadores, teclados, secuencias EBM, cintas, cajas de ritmos, samples oscuros, diálogos extraídos de películas, procesamiento electrónico no convencional, y en partes, guitarras eléctricas y bajos distorsionados. El álbum fue apoyado con un tour en 1988 y los sencillos y videos musicales de “Stigmata”, “Flashback” y “The Land of Rape and Money”. “Stigmata" fue también usada en una escena central del film de Richard Stanley, Hardware (1990), aunque la banda que aparentemente toca la canción es Gwar.

El siguiente disco, The Mind Is a Terrible Thing to Taste fue tan aclamado, si no más, que The Land of Rape and Honey. Ambos álbumes incluyeron sonidos similares, atmósferas densas, pero The Mind Is a Terrible Thing to Taste era ligeramente más pesado con guitarras metaleras más acentuadas. The Mind Is a Terrible Thing to Taste fue apoyada por una gira en 1990. Debido a la naturaleza compleja de la batería del álbum, fue utilizado un segundo baterista, Martin Atkins. La gira fue documentada en "In Case You Didn't Feel Like Showing Up". Fueron lanzados tres sencillos del álbum, Burning Inside (para el cual realizaron un video), Thieves y So what (una composición inspirada por la película The Violent Years).

Pagina: http://www.ministrymusic.org/

Paris Hilton

2009-10-29T10:54:00.002-03:00

Paris Whitney Hilton (Nueva York, 17 de febrero de 1981) es una socialité, autora, modelo, actriz, diseñadora y cantante estadounidense.

Biografía

Paris Hilton es la mayor de los cuatro hijos de Richard Hilton y Kathy Richards. Su hermana menor es Nicky Hilton y sus hermanos menores Barron Hilton y Conrad Hilton.

Por el lado materno de su familia es sobrina de Kim Richards y Kyle Richards, dos actores de los 70s, quienes aparecieron en la película Escape to Witch Mountain y en los programas de televisión como Nanny y el profesor, entre otros.

Sus bisabuelos paternos, Conrad Hilton y su esposa Mary Barron fueron los fundadores de los hoteles Hilton. Cuando Conrad Hilton murió en 1979, no les dejó nada en su testamento a sus hijos u otros descendientes. Barron Hilton, el abuelo de Paris, reclamó los hoteles en 1988 y ganó. Según el Forbes Magazine del 2005 Paris heredaría unos 365 millones de dolares. Los Hilton se mudaron mucho entre casas exclusivas en su juventud

Se hizo popularmente conocida por su participación en la serie The Simple Life y por un video pornográfico casero con su ex-novio Rick Salomon que fue puesto en circulación a través de Internet en 2003,[1] [2] y más tarde comercializado en 2004 con el metraje íntegro bajo el nombre 1 Night in Paris.[3] Según declaraciones de la propia Paris Hilton, el dinero que ella ha recibido proveniente del vídeo ha sido donado a la caridad.[4]

Carrera mediática

En los últimos años Paris ha cobrado mucho dinero por aparecer en películas, televisión, anuncios y en el modelaje. De acuerdo con el Forbes Magazine, del 2003-2004, obtuvo US$ 2.000.000[5] por sus variados papeles en la televisión y el cine. Pero del 2004-2005 obtuvo adicionalmente US$ 6.500.000[6] por salir en televisión, cine, modelar y también por aparecer en algunos eventos. En el 2005-2006 Paris ganó unos US$ 7 millones de dólares[7] por sus películas, perfumes, su disco, y modelar. Durante este periodo el Forbes Magazine la clasificó como una de las 100 mayores "celebridades" del mundo.

Actriz

Después de ir a la preparatoria en el Dwight School en Nueva York, Hilton decidió no ir a la universidad. Al mismo tiempo, trabajó como modelo para Catherine Malandrino y Marc Bouwer. luego, Paris hizo pequeños "cameos" para las cintas de Zoolander (2001), The Cat in the Hat (2003) y Win a Date with Tad Hamilton (2004). También ha aparecido en los pequeños cortos QIK2JDGy L.A. Knights, así como haciendo papeles menores o secundarios en La Casa de Cera, consiguiendo nominaciones y premios por su actuación[cita requerida], The Hills, Wonderland, Uptown Girls, Raising Helen y Nueve Vidas. Hizo su primer papel estelar en National Lampoon's Pledge This! (2005). Asimismo ha aparecido en videos de cantantes como Eminem o Pink.

Uno de los factores e hizo a Paris Hilton una mujer con fama fue el video pornografico 1 Night in Paris, película casera donde aparecía ella y su ex-novio Rick Solomon, que fue descargada en Internet poco tiempo después de que hiciera debut el programa The Simple Life. En noviembre del 2004, Hilton participó en la campaña de Sean P. Diddy. Sin embargo, fue acusada de hipócrita cuando se reveló que no votó, ni siquiera se registró para esto. Irónicamente, ella llenó su obligación teórica de "morir" cuando los productores de la película La Casa de Cera, usaron un anuncio que decía "Vean a Paris morir", enfocando la escena donde ella muere.

En el 2008, obtuvo su primer papel protagonico en la comedia romantica the hottie and the nottie junto a Joel Moore, la pelicula tuvo muy mal recivimiento, tanto por parte de la critica como del publico, y fue a demas obtubo 2 Raspberry.

Mas recientemente, Hilton interpreto el personaje Amber Sweet, al musical cinematografico Repo! The genetic opera, hilton obtuvo otro Raspberry, sin embargo, la critica respondio positivamente a su rol, en el cual tubo que cantar y actuar.

En televisión

Paris y Nicole Richie, participaron en un reality show para Fox, llamado The Simple Life en el cual vivían con una familia en una granja rural en Altus, Arkansas. Algunos puntos de la serie incluyen la pobre actuación de las chicas en algunos trabajos y numerosos errores mostrándolas como "peces fuera del agua". El 19 de marzo del 2004, Paris sufrió un accidente mientras montaba un caballo filmando para The Simple Life 2, requiriendo tratamiento en un hospital. Después del éxito visto en la primera temporada del show, Hilton recibe alrededor de 3 millones de dólares por temporada[cita requerida].

En enero del 2009, se reportó que Hilton se encontraba grabado un nuevo reality para MTV, titulado Paris Hilton's My New BFF, donde ella busca a su "Mejor amigo por siempre", actualmente se encuentra grabado su 3ª temporada. Recientemente Hilton junto la cadena MTV hicieron un documental autobiográfico de su vida llamado "Paris, Not France" en la que habla de su vida abiertamente.

Cantante

La canción Screwed se le había prometido a la hermana de Hilary Duff, Haylie Duff, pero Hilton quería la canción, así que finalmente la discográfica le canceló el contrato a Haylie y le dieron la canción a Paris. Para que eso no le volviera pasar, Paris fundó su propio sello discográfico llamado Heiress Records. Ella pagó unos US$ 20.000.000 y las discográficas con la que ella lanzo su primer disco Paris, es una división de Warner Brothers Records & Lico Records. Su primer disco compacto comenzó a ser preparado desde el 2004, y fue lanzado en Estados Unidos el 22 de agosto de 2006. Este disco vendió alrededor de 75.000 copias en los Estados Unidos.[8] [9] [10] El primer sencillo de Hilton fue, Stars Are Blind. El álbum obtuvo en general buenas criticas, y combina distintos generos como Pop rock, Dance con Hip hop y elementos de reggae. En el 2007, se confirmo que estaba trabajando con el productor Scott Storch para su segudno disco, ademas hiton revelo que su nuevo materia seria un álbum "más bailable". Hilton tiene un estudio profecional instalado en su casa donde estuvo trabajando en su álbum. Hilton canto el tema introductorio de su programa Paris Hilton's My New BFF titulada "My BFF". En octubre del 2008, una segunda canción fue expuesta en internet "Paris For President", parte de su parodica campaña para la presidencia. Hilton colaboro con el Soundtrack del musical Repo! The Genetic Opera.

Celebridad

En el 2000, el Natonal Enquirer, reportó la amistad casual de Paris y Leonardo DiCaprio como algo más íntimo. También ha estado enlazada con otras celebridades, incluyendo al actor Edward Furlong, el boxeador Óscar de la Hoya, el modelo Jason Shaw, el jugador de fútbol americano de los osos de Chicago Brian Urlacher y algunos cantantes como Rob Mills y Nick Carter. Mientras Hilton andaba de romance con Carter, ella se presentó en algunos lugares con golpes, lo que causó el rumor de que Carter la golpeaba. Paris no negó ni afirmó esto. Meses después, anunció que esos 'golpes' eran de una sesión de fotos para una revista.

Hilton, famosa y heredera de una fortuna, fue condenada a 45 días por violar las condiciones de su libertad condicional por conducir bajo los efectos del alcohol. Un juez en Los Ángeles determinó que debería iniciar la sentencia el 5 de junio sin posibilidad de libertad anticipada. Hilton le dijo al juez que lamentaba la situación y que "pondría atención a todo" de ahora en adelante. Hilton declaró que no sabía que su licencia de conducción estuviera suspendida cuando fue detenida por conducir sin las luces encendidas en febrero.

Productos

Hilton es socia e imagen de Sally Beauty Supply, una reconocida firma de postizos y extensiones capilares de alta calidad y, según afirman, "asequibles a todos los bolsillos", con el que lanza su linea de extenciones para el cabello. En el tope de su carrera, ha ayudado haciendo pulseras para Samantha Thavasa y juguetes, y creó su propia linea de joyería para Amazon.com. Actualmente sus diseños venden alrededor de $250,000 dólares en todo el mundo.

A mediados del 2004, tras el éxito del perfume Hilton, Perfumes Parlux creó varios perfumes con su nombre, incluyendo fragancias para los hombres. Hilton tiene su propia linea de fragancias: Paris Hilton, Just Me, Heiress, Can Can, Fairy Dust y su mas reciente Siren. Hilton asistió a la entrega de los premios FiFi de la Fundación de la Fragancia que se celebraron en el Downtown Armory en la Ciudad de Nueva York lo cual Cabe destacar el curioso dato en que Hilton fue homenajeada como ‘Celebridad del año’, una nueva categoría la cual estrenan este año.

En 2005, Hilton prestado su nombre a una cadena de clubes nocturnos, propiedad de Fred Khalilian y es conoccido como Club Paris. Esta asociación terminó en enero de 2007 después de que ella no había podido asistir a varias presentaciones de promoción programadas.

Aprincipios de agosto de 2007, Hilton firmó un acuerdo de licencia con Antebi para una línea de calzado, "Paris Hilton Footware". En la misma fecha, Hilton lanzó una línea de tops, vestidos, abrigos, pantalones vaqueros y en la boutique Kitson en Los Angeles.

En diciembre del 2007, Hilton poso desnuda, cubierta en pintura de oro, para promover "Rich Prosecco", una versión en lata de un vino espumoso italiano.

Vida privada

Hilton tiene un Chihuahua llamado Tinkerbell, asi con muchos otros perros y actualmente un gato, Hilton afirma que adora a los animales.

En Abril del 2005, Paris anunció sus peleas con Nicole Richie. Se ha dicho que Hilton organizó una fiesta para ver su video como conductora en Saturday Night Live (SNL), pero Nicole Richie puso su video sexual en lugar del de SNL.

Problemas legales

En septiembre de 2006, Hilton fue arrestada con cargos de conducir bajo influencia con un contenido en alcohol de la sangre de 0,08%, el mínimo en el cual es ilegal conducir en California. La licencia de conductores de Hilton fue suspendida posteriormente en noviembre de 2006, y en enero de 2007 ella dio su rendimiento de "ninguna competencia" a la carga que conducía bajo la influencia de alcohol. Su castigo era de la libertad condicional de 36 meses y multas de cerca de $1.500.

El 27 de febrero del 2007, Hilton fue parada por el LAPD porque conducía a 70 MPH en una zona de 35 MPH sin licencia. Ella tampoco tenía sus luces prendidas aun cuando era de noche. La Oficina del Fiscal de la Ciudad de Los Ángeles cargaron que esas acciones, junto con la falta de enlistarse en un programa corte-pedido de la educación del alcohol constituyeran una violación de los términos de su libertad condicional. El 4 de mayo de 2007 Hilton fue condenada por el juez Michael T. Sauer a 45 días en la cárcel por violar su libertad condicional. La requirieron comenzar su término el 5 de junio de 2007 de la cárcel o arriesgar de doble sentencia. El 3 de junio de 2007, después de atender los Premios de Películas de MTV, Hilton se entregó en la cárcel central correccional de Las torres gemelas en el Centro de Los Ángeles a las 11:38 P.M. De allí, Hilton fue transferida por autoridades a una sección especial “reservada para oficiales de policía, los políticos, celebridades y otros internos del alto-perfil” dentro de la facilidad regional de la cárcel femenina en Lynwood. Hilton fue dada la reservación número (9)cirno!. Con el crédito para el buen comportamiento, fue anticipado que Hilton serviría solamente 23 días de su sentencia de 5 meses.

En una vuelta inesperada de acontecimientos, órdenes firmadas por el Sherriff de Los Angeles Lee Baca, en la mañana del 7 de junio, Hilton fue cambiada de sentencia a 40 días de confinamiento casero con un dispositivo de supervisión electrónico debido a una condición médica no especificada.[11] El mismo día París fue lanzada de la cárcel, el juez Michael Sauer ordenó Hilton reaparecer en su corte la mañana siguiente (el 8 de junio). El día 8 de Junio, alguien le había dicho a Paris Hilton que podría llamar por teléfono a la corte, pero el juez no había dado tal orden y ordeno que la LAPD, recogiera a Paris de su casa en las Hollywood Hills. Luego de llegar a la audiencia, él la envió de nuevo a cárcel para servir el resto de su sentencia de 5 meses. Sobre oír la sentencia, Hilton gritó, "¡sí es correcto!" y comenzado a gritar por su madre que estaba presente en la sala del tribunal. El día 26 de junio, Hilton salió de prisión.

El 30 de julio de 2007, su abuelo Barron Hilton, patriarca de la familia, decidió desheredarla y los 60 millones de dólares que le corresponderían serán donados a una fundación.

Patrick Barron sufrió mucho con la difusión de las cintas de vídeo en las que se podía ver a su nieta practicando sexo oral con un ex novio. Pasó por alto aquello, no sin reservas, pero la reciente sentencia condenatoria contra Paris, por conducir borracha ha sobrepasado todos los límites de un hombre educado en la responsabilidad, el autocontrol y el amor al trabajo. Según ha manifestado Jerry Oppenheimer, biógrafo de la familia, "Barron sufrió una terrible vergüenza al ver cómo el buen nombre de los Hilton era destrozado por Paris."

Pagina: http://www.parishilton.com/

Jaime Roos

2009-10-29T10:20:00.003-03:00

Jaime Roos (* 12 de noviembre de 1953, Montevideo) músico y compositor uruguayo de música popular.

Biografía

De padre francés -René Roos- y madre uruguaya -Lucía Alejandro- nació en el Barrio Sur de Montevideo. Los tambores que recorren el Barrio Sur, lo que transmite la radio, la música de los tablados del carnaval, los Beatles y el rock han sido algunas de las influencias que asimiló para luego plasmar una música con personalidad y sello propio que le ha valido el éxito con el que cuenta en su país, y que se está extendiendo a nivel internacional. Estas características hacen que sea uno de los cantantes uruguayos más populares, con gran venta de discos, y conciertos con entradas agotadas.

Vivió desde chico en un departamento sobre la calle Convención a metros de Durazno, esquina que inmortalizó en una de sus canciones más conocidas. Su música fusiona rock, candombe, milonga, tango y murga, interpretando el sonido de Montevideo. Es reconocido hincha de Defensor Sporting, a cuyo primer campeonato dedicara uno de sus temas más conocidos, "Cometa de la Farola".

Su tío, el músico Georges Roos, lo introdujo a los Beatles y al jazz, y su madre a la música popular uruguaya y latinoamericana. Realizó estudios de guitarra clásica, a partir de los 13 años y hasta la edad de los quince.

Comienzos artísticos

Hacia fines de los años sesenta inicia su actividad como músico profesional, actuando en obras de teatro y grupos de rock y música nacional como Los Roberts, Epílogo de Sueños y Aguaragua, cuyo líder era Pajarito Canzani.

A mediados de 1974, integra el grupo Patria Libre, junto a Raúl "Tintabrava" Castro, Jorge Bonaldi y Jorge Lazaroff, en el cual tocaba el bajo y se dedicaba fundamentalmente a los arreglos de los temas.

En 1975 integra por un breve lapso el grupo Canciones para no dormir la siesta, y posteriormente viaja a Europa radicándose en París, donde trabaja como músico en teatros, bares, sesiones de grabación, etc.

Carrera solista

Es en París que puede ubicarse los comienzos de su carrera solista. Allí grabó sus primeros cuatro temas, luego incluidos en su primer larga duración Candombe del 31, que terminó de grabar en Uruguay en 1977 para el sello Ayuí / Tacuabé.

Luego de presentar su primer disco en abril de 1977 en la sala Millinton Drake, con muy buena repercusión tanto en el público como en la crítica, regresa a París. Entre mayo y julio de 1978, en Normandía, graba "Para espantar el sueño" teniendo como músicos invitados al percusionista uruguayo Jorge Trasante, al argentino Carlos Grasso en flautas y a la francesa Emmanuelle Parrenin en cítara y espineta.

En 1978 se radica en Ámsterdam donde es bajista en varios grupos de salsa, rock y jazz permaneciendo hasta 1984 en que vuelve a Uruguay. En 1984 edita "Mediocampo", donde se incluye un de sus más famosos temas "Durazno y Convención", en referencia al barrio donde nació.

Paralelamente a su actividad solista, integró hacia 1984 el grupo Repique junto a otros músicos como Jorge Vallejo, Alberto Magnone, Andrés Recagno, Gustavo Etchenique, Jorge Galemire y Carlos “Boca” Ferreira. Las actuaciones de este grupo junto a las de José Carbajal "El Sabalero", representaron una nueva modalidad de espectáculos llamados "candombailes", los cuales junto a otras expresiones artísticas comenzaron a dar forma a la música popular uruguaya post-dictadura. Antes del alejamiento de Roos de este grupo, participa en la grabación de dos fonogramas, titulados "Repique" y "¡Que barbaridad!".

En 1985 junto al Canario Luna en voces, se graba uno de los tema clásicos del Carnaval del Uruguay, "Brindis por Pierrot", incluido en el disco del mismo nombre. El tema fue polémico en esa época por su referencias a Zelmar Michelini y a Dogomar Martinez. Al año siguiente edita 7 y 3 cuyo nombre deviene de la popular mezcla entre gaseosa y vino. En 1988 representó a Uruguay en el prestigioso festival de la canción latinoamericana de Varadero (Cuba). En 1990, con un Estadio Obras completo, inicia en Buenos Aires su trayectoria en Argentina. En 1992 compone la música para la Selección Uruguaya de Fútbol, "Cuando Juega Uruguay".

Entre 1993 y 1994 realizó la gira "A las 10", primera ocasión en la que un músico recorrió los 19 departamentos del Uruguay con un mismo espectáculo el cual fue registrado en video. En 1997 para conmemorar sus 20 años dedicado a la música realiza en el Teatro Solís el llamado "Concierto Aniversario" que le da el nombre al CD en cual tiene una recopilación de sus mejores trabajos. En el concierto participaron Hugo Fattoruso y dos de los 3 hermanos Ibarburu. En el 2001 representa a Uruguay en el Encuentro Mundial de la Juventud realizado en Panamá. En mayo de 2002, viaja al Mundial de Fútbol en Corea y Japón con todo su conjunto, como embajador musical del equipo fútbol Uruguay, dando un show en el incio del mismo.

En el 2007 inicia una gira por todo el Uruguay (350.000 personas en 32 conciertos), Argentina y por 7 ciudades de España; la cual tiene su punto más alto en los conciertos de los días 24, 25, 26, 27, 28 y 29 de Julio en el teatro Teatro Solís de Montevideo a teatro lleno. Durante la misma sirve de promoción de su último disco Fuera de Ambiente. Complementariamente realizó conciertos en la Sala Teatro MovieCenter, Fiesta de la X, y Canteras del Parque Rodó. En el 2008 comienza con un show en el "Punta Rock", el 28 de marzo con otros artistas nacionales. El sabado 19 y domingo 20 de julio de 2008 presenta en vivo en el Teatro Solis, del cual se produce el disco "Hermano te estoy hablando", agregandole algunos tema grabados en estudio.

Productor Artístico

Como productor artístico de los siguientes músicos Washington "Canario" Luna de el disco "Todo a Momo" (1986,cuádruple platino) y "Otra vez Carnaval" (1989, cuádruple platino). También "Esa tristeza" y "Puedes oirme" de Laura Canoura (1985 y 1991), "Vals prismático" de Estela Magnone y "Cuando el río suena" de Adriana Varela. También del conjunto Trotsky Vengarán.

Artistas vinculados

Sus canciones han sido grabadas entre otros, por Rubén Blades, Nei Lisboa, Leonardo Ribeiro, Susana Rinaldi, Adriana Varela, Mercedes Sosa, Carlos Mancinelli, Liliana Vitale, Guadalupe Farías Gómez, Los Hacha, Antonio Tarragó Ros, El Lupe, Pedro Foncea, Trío Dino Saluzzi/Charlie Mariano/ Wolfang Dauner, Hugo Fattoruso, Laura Canoura, Washington "Canario" Luna, Jorge Lazaroff, Pablo Routin y Arbolito.

Murga Falta y Resto

Roos ha cantado temas del músico, publicista y letrista uruguayo Raúl "Tintabrava" Castro, director de la murga Falta y Resto, como La hermana de la Coneja (elegida una de las mejores canciones del continente) y ha musicalizado "Adiós Juventud", "Que el letrista no se olvide", "Cuando Juega Uruguay", "De la canilla" y "Colombina", entre otros.

Roos musicalizó también La Despedida del Gran Tuleque (letra de Mauricio Ronsecof), interpretado por Falta y Resto, y plasmado en el disco "La Margarita".

Roos popularizó el tema "Amor Profundo"; del disco "Contraseña", con voz de Freddy Bessio, integrante de la murga y quien le puso su voz a la versión del tema de Alberto Wolf.

Pagina: http://www.jaimeroos.com/

Jeff Healey

2009-10-28T09:26:00.002-03:00

'Norman Jeffrey Healey, (25 de marzo de 1966 - 2 de marzo de 2008), más conocido como "Jeff Healey", fue un cantautor, compositor y guitarrista de jazz, blues y rock canadiense.

Biografía

Nacido en Toronto (Canadá). Perdió la visión cuando sólo tenía un año de vida a causa de un cáncer de retina.

Contra este cáncer luchó toda su vida hasta que, finalmente, falleció en un hospital de su ciudad natal a causa de otro cáncer, esta vez de pulmón, a la edad de 41 años, el 2 de marzo de 2008.

Carrera musical

Tras obtener su primera guitarra, comenzó a emular a sus héroes del blues, tales como, John Lee Hooker, Muddy Waters y Eric Clapton, y creó un estilo propio. Apoyada sobre su regazo, mientras que su mano derecha pulsaba las cuerdas, la izquierda recorría una y otra vez el mástil, casi al estilo de una pedal steel guitar. Hizo sus primeras presentaciones en público a los seis, y alternó bandas y estilos hasta formar su propio trío, 11 años después. Desde los 14 seleccionaba música de su colección de casi 25 mil discos de pasta en la Canadian Broadcasting Corporation. Para Healey, la influencia del pop y el jazz de principios del siglo XX fue esencial en su formación. A los 17 años fundó un grupo, "Blue Direction", junto con el bajista Jeremy Litller, el baterista Graydon Chapamn y el guitarrista Rob Quail, compañero de estudios. En una de las visitas de Albert Collins a Toronto, se le abrieron las puertas del Albert Hall de la ciudad para tocar como su invitado, experiencia que repetiría con Stevie Ray Vaughan y B.B. King.

Sus jams en la Taberna Grossman, en su ciudad, fueron la antesala del lanzamiento discográfico de su Jeff Healey Band, con su primer álbum "See The Light", que fue editado en 1988 por Arista, con John Rockman y Tom Stephem, en bajo y batería, respectivamente. El LP incluía una versión del clásico de ZZ Top "Blue Jeans Blues".

Seguidamente participó en la película Road House (El duro) en 1989, protagonizada por Patrick Swayze, en la que compuso la banda sonora y actuó en las escenas musicales del Pub donde transcurre el film.

Con Hell to Pay, de 1990, su éxito creció aún más. Mark Knopfler, Bobby Whitlock y George Harrison entre sus invitados, y una excelente versión de While my Guitar Gently Weeps, de Los Beatles. Tres años más tarde, Feel This fue el predecesor de Cover to Cover, una mirada propia sobre temas de Led Zepellin, Rolling Stones, Beatles y Cream, entre otros. Una colaboración en la banda sonora de Un hombre entre sombras y dos recopilaciones antecedieron a Get Me Some, editado en el año 2000. A partir de entonces, Healey dedicó su tiempo a grabar tres CD de jazz tradicional de las décadas del '20 y '30, junto a sus Jazz Wizards, con quienes tocaba en su bar Jeff Healey's Roadhouse, en Toronto. En las presentaciones, solía cambiar la guitarra por la trompeta y el clarinete. Colaboró con Ian Gillan en Gillan's Inn, apareció junto a Stevie Ray Vaughan en un vídeo de Look at Little Sister y condujo dos programas de jazz en una radio. Esposo de Cristie y papá de Rachel y Derek, Healey dejó un nuevo CD, Mess of Blues, a punto de ser lanzado a la venta. En la programación de su Roadhouse, aún se anuncian sus futuros shows.

Leaves' Eyes

2009-10-28T09:01:00.001-03:00

Leaves' Eyes es una banda de Metal sinfónico, folk metal y elementos de Viking metal originada en Noruega y Alemania en el 2003, poco después de que la vocalista de Theatre of Tragedy Liv Kristine fuese expulsada de la banda. Leaves' Eyes fue formada entonces por su esposo Alexander Krull y miembros de su grupo Atrocity. En la mayoría de canciones Liv Kristine canta sola pero ocasionalmente añaden la voz gutural de Alexander Krull para darle más ambientación gótica.

Historia

La banda fue formada en el 2003 por Liv Kristine y su esposo Alexander Krull despues de la expulsion de Liv de Theatre of Tragedy debido a diferencias musicales en la evolución del grupo hacia el rock industrial y la música electrónica en sus álbumes.

El 17 de Agosto del 2004 es publicado su primer album Lovelorn. Ese mismo año la banda se enfrenta con la partida del baterista Martin Schmidt debido a razones personales. En una entrevista a Liv Kristine se explicó que el se retiró porque su linea musical habia cambiado y no quería seguir en el mundo del metal. En ese mismo año llego el nuevo baterista, Moritz Neuner (Graveworm, Darkwell)

El 30 de Mayo del 2005 sale a la venta su segundo album de estudio, Vinland Saga, el cual cuenta la historia de la llegada de los vikingos a Vinlandia, una parte de Norteamérica (costa de New Jersey), 500 años antes que Cristobal Colón y a su vez la historia de una joven pareja. Cada canción del album es una parte de la historia. La inspiración de este disco nació de los origenes noruegos de Liv Kristine. En sus propias palabras ella expresa: "Encontré mi inspiración en muchas de las piezas de arte noruego y la música folk, como tambien en melodias célticas". Este disco tiene un gran trabajo con instrumentos clasicos, principalmente violines.

A fines de 2007 la banda enfrenta dos partidas, Chris Lukhaup después de tantos años junto a Atrocity y desde los inicios de Leaves' Eyes, deja la banda por razones personales y Moritz Neuner deja la banda para buscar nuevos rumbos en su carrera como músico.

En febrero de 2008, Leaves' Eyes fue confirmado para presentarse en el Wacken Open Air 2008, uno de los festivales mas importantes en la escena metalera mundial.

El 25 de Febrero del 2009 se lanza el primer DVD de la banda, We Came with the Northern Winds, un concierto grabado en el Metal Female Voices Festival en Wieze/Belgica. Según sus fans, es una de las mejores presentaciones de la banda, ademas de compartir escenario con bandas como Epica, Delain, Elis, Doro, Battlelore, entre otras.

Se espera que el 26 de Agosto del 2009 se lanze el tercer album de estudio de la banda, Njord.

Pagina: http://www.leaveseyes.de/

Jabier Muguruza

2009-10-27T11:18:00.001-03:00

Jabier Muguruza es un músico y escritor vasco nacido en 1960 en Irún (Guipúzcoa, País Vasco). Es hermano mayor de, los también músicos, Fermin e Iñigo Muguruza y, al igual que sus hermanos, su lengua de expresión, tanto musical como literaria, es el euskera.

Aunque desde los cinco años comenzó a tocar el acordeón, su carrera musial comenzó en 1989, senso estricto, al grabar su primer disco "Ja, ja", un trabajo destinado al público infantil. En 1990 fundó el grupo de pop-jazz Les Mecaniciens, con los que publicó tres álbumes. En 1993 el grupo se disuelve, pero Jabier empieza entonces su carrera como cantautor, con una música con toques de rock, pop y jazz. En 1996, y de manera paralela a su faceta de cantautor, forma junto a Sergio Ordóñez y su hermano Iñigo el grupo Joxe Ripiau, con los que publicó cuatro álbumes hasta su disolución en 2000. A lo largo de su carrera en solitario ha publicado un total de ocho álbumes, muchos de ellos aclamados por la crítica musical.

Su carrera literaria comenzó a principios de los 90, fundando el grupo literario Emak Bakia junto a, entre otros, Bernardo Atxaga, Ruper Ordorika o Jose Mari Iturralde. en 1994 publicó Sei lagun, sei sekretu, su primer libro de literatura infantil. A este siguieron otros cuatro libros infantiles y dos para adultos.

Pagina: http://www.jabiermuguruza.net/

Mamá Perfecta

2009-10-26T11:58:00.002-03:00

Mamá Perfecta llega desde San Juan, trayendo la verdadera combinación, lo sinuoso del reggae, lo bondadoso de sus ritmos, se mezclan a lo grotesco de siete músicos con mucha energía, el resultado, un show, un concepto impregnado en cada una de las canciones dedicadas a resaltar y transmitir lo que mama perfecta tiene para decir. Con un disco editado, presentado en todo el país, participando en importantes festivales y recibiendo criticas de medios provinciales, nacionales e internacionales (Francia, Inglaterra, España, Ecuador, Chile) Mama Perfecta avanza un casillero más de este tablero trayendo un nuevo concepto, un nuevo disco de canciones duras por fuera y sensibles en su interior, un show potente que empieza a escucharse cada vez más lejos, transformando el mensaje y la música en algo sumamente necesario.

Formacion:

Andrés Dech: trombón y bajo
Andrés Quattropani: trompeta y acordeón
Cristian Espejo: guitarra, voz, bajo y programación
Facundo Gaillez: batería y percusión
Fernando Recio: teclados y acordeón
Juan Manuel Valenzuela: bajo y cajón
Marcos Ordan: voz y percusión

Pagina: http://mamaperfecta.com.ar/
Fuente: Rock.com.ar

Piñón Fijo

2009-10-26T11:29:00.002-03:00

Piñón Fijo, cuyo nombre real es Fabián Gómez, es un comediante argentino que se dedica al humor enfocado hacia el público infantil. Vulgarmente se lo podría catalogar como "payaso", no obstante el se empeña en afirmar que su personaje tiene mucho de lo que el llama "duende urbano", esto último debido a que sus comienzos fueron en las calles, cuando en la ciudad de Villa Carlos Paz, así como también en otras ciudades turísticas de la Provincia de Córdoba, realizaba animaciones en la vía pública, recogiendo las propinas que le dejaban los casuales espectadores. Nació en la localidad de Deán Funes, Provincia de Córdoba, República Argentina; en el año 1965.

Su historia

Nacido en un hogar muy humilde, desde pequeño trabajó repartiendo volantes publicitarios montado en una bicicleta. Si bien su deseo era ser jugador de fútbol, cuenta que cuando sus compañeros lo vieron jugar le gritaron "payasooo", fue entonces cuando se le ocurrió pensar en esa otra actividad. Su nombre artístico se inspira en que debido a que no podía dejar de pedalear constantemente para ganarse su sustento y ayudar a su familia, y como su bicicleta -de esa forma- se asemejaba a aquellas que verdaderamente tienen el piñón fijo, de allí obtiene el nombre que hoy lo llevaría a la popularidad. (De aquellos momentos recuerda -a título de chiste- que no obstante estar horas sobre la bicicleta, no se sentía solo ya que eran dos los que andaban juntos: Piñón Fijo y Guarda Barros). Previo a comenzar con sus actuaciones como payaso, conjuntamente con una modista diseña un traje muy pintoresco, con los colores primarios, un gorro y unos zapatos también coloridos de tamaño considerable, que resulta ser llamativamente sorprendente para chicos y grandes. El maquillaje que utiliza para pintar su rostro consiste en, mucho color blanco, dos lágrimas negras, y un corazón alrededor de su boca. Como instrumento simpático que lo suele acompañar en sus actuaciones -entre otros títeres-, ha diseñado el llamado "saxo cloacal", por cierto una pintoresca herramienta que se complementa a la perfección con su lucido atuendo.[1]

Sus actuaciones

Como ya se ha visto, sus comienzos fueron en la calle, en plazas, parques y paseos de diferentes ciudades turísticas. Posteriormente en Villa Carlos Paz realizó espectáculos en lugares cerrados, y en otros muchos escenarios y festivales del país. También trabajó en el Canal Doce de Córdoba y de allí saltó a tener un programa en Canal Trece de Buenos Aires (Ciclo infantil que inició en el año 2002 bajo el título "Piñón fijo es mi nombre",Su llegada a Buenos Aires y especialmente este programa lo descubre con un Cantante pintado de payaso ,se comienza por esos dias a utilizar el termino "menos gracia que piñon fijo" a pesar de esto en el interior del país continuó con su espectáculos . Se destacan sus 57 presentaciones en el escenario del Teatro Gran Rex de la Ciudad de Buenos Aires. Actualmente (año 2008 y su anterior 2007), lo hace acompañado por una figura de enorme repercusión para el público infantil argentino, el señor Carlitos Balá; ambos cosechan un enorme éxito en todas las giras y presentaciones que realizan.

Es de destacar que en las letras de sus canciones, Piñón Fijo, brinda a los niños mensajes de enseñanza como por ejemplo "el lavarse bien los dientes", "la enseñanza de las vocales", "aprender a querer y cuidar el medio ambiente", y muchos otros temas que dejan marcado el sentido instructivo de sus mensajes. Dentro del repertorio, también hay canciones divertidas(las menos), que los pequeños suelen apreciar significativamente; como por ejemplo la famosa: "Chu chu ua Chu chu ua".

Su vida familiar

Fabián Gómez es un hombre reservado y por tanto trata de conservar su asuntos privados con cierta discreción, sin embargo se sabe que está casado con Karina, de quien manifiesta que es una parte tan importante en su vida que sin ella no hubiera llegado a realizar ni una cuarta parte de lo que logró. Vive con su esposa e hijos.

Humoristas que admira

Dice Piñón que siempre ha apreciado la labor y ha disfrutado con las siguientes figuras del entretenimiento infantil: María Elena Walsh, Carlitos Balá, Pepe Biondi, Gaby, Fofó y Miliki, Los tres chiflados, y que si le dieran más tiempo podría mencionar un mayor número de artistas.

Pagina: http://www.pinonfijo.com.ar/

Daft Punk

2009-10-26T10:07:00.002-03:00

Daft Punk es un dúo artístico originario de París, Francia; conformado por los músicos Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo.

El estilo de la agrupación es música electrónica compuesto por acordes disco, y balada rock con toques de funk, techno, house y synth.

Antes de llamarse Daft Punk, se llamaban Darlin, y además de Bangalter y Homem-Christo también formaba parte otro artista llamado Laurent.

El primer single The New Wave (Soma con el nombre de Daft Punk 1993) fue seguido de su primer éxito comercial Da Funk parte de su álbum Homework (1997).

El dúo aparece disfrazado de robots en sus imágenes publicitarias y en sus entrevistas. El álbum Discovery se convirtió en la pista musical del filme de anime Interstella 5555, que co-produjeron con Leiji Matsumoto que vino acompañada de un álbum de remixes llamado "Daft Club".

Historia:

Primeros Años (1987-1993)

Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo se conocieron en Lycée Carnot, una escuela secundaria en París, Francia en 1987. Los dos se hicieron buenos amigos lo que los llevó a iniciar la banda basada en guitarra, Darlin' con Laurent Brancowitz en 1992. Bangalter y Homen-Christo tocaban bajo y guitarra, respectivamente, mientras Brancowitz tocaba la batería. El nombre del trío provenía de la canción de The Beach Boys del mismo nombre, que grabaron junto con una composición original, la cual fue lanzada en un EP de Duophonic Records multiartista. Una reseña negativa de melody maker llamó a la agrupación "A bunch of daft punk". Prontamente Laurent salió de la banda. Bangalter y Homen-Christo experimentaron con máquinas de batería y sintetizadores bajo el nombre de Daft Punk.

Era Homework (1993 - 1999)

En 1993 el primer sencillo de Daft Punk, "The New Wave" fue lanzado limitadamente. El sencillo también contenía la mezcla final de The New Wave, "Alive". . En 1995 volvieron al estudio para grabar "Da Funk", su segundo sencillo. Ese mismo año se convirtió en su primer sencillo comercialmente exitoso. La banda firmo con Virgin Records en 1996. Alive y Da Funk fueron posteriormente incluidos en su álbum debut en 1997, Homework. El sencillo más exitoso de Homework fue "Around The world". Junto con este disco salio la pelicula D.A.F.T. A Story About Dogs, Androids, Firemen and Tomatoes que precisamente eran los videos Da Funk, Around The World, Burnin' y Revolution 909 unidos como si fuera una pelicula.

Era Discovery (1999-2005)

En 1999 el dúo comenzó a grabar su siguiente álbum, Discovery, que tomo un estilo más orientado al synth pop que al house de su último álbum, lo que inicialmente sorprendió a muchos de los fanáticos de Homework. El álbum llego al #2 en el Reino Unido y su primer sencillo, "One More Time" fue un éxito de club mayor.

Los sencillos Digital Love y Harder Better Faster Stronger también alcanzaron éxito en el Reino Unido y los Estados Unidos. Un extracto de 45 minutos de un concierto del Daftendirekttour fue lanzado en 2001, titulado alive 1997. En 2003 se lanzo una película animada Interstella 5555. Para promover la película se lanzo el álbum Daft Club que contiene remezclas anteriormente disponibles por la membresía en Internet del mismo nombre.

Era Human After All (2005-Presente)

El 14 de marzo de 2005, Daft Punk lanzó un álbum llamado Human After All, que contiene diez canciones con una duración de 40 minutos, y realizado en un periodo de seis semanas. Los singles más conocidos del disco son "Technologic", Robot Rock, y Human After All.

Recientemente Daft Punk hizo un 'greatest hits' (grandes éxitos), una colección en CD/DVD titulada "Musique Vol. 1 1993-2005", lanzado el 4 de abril de 2006. Existe el rumor de que fue un acto obligatorio debido a su contrato con Virgin Records.En esta colección hay nuevos vídeos como " The Prime Time of Your Life" y "Robot Rock (Maximum Overdrive)".

Daft Punk hizo en 2006 una película llamada "Electroma" que se vio en el Festival de Cannes, como tema principal a "Human After All".

EMI France ha editado ya el disco "Alive 2007", recopilatorio del concierto grabado la noche del 14 de junio en Bercy, la ciudad de París, Francia. Este disco ha sido presentado en 2 versiones, una sencilla de un solo disco y otra más que contiene 2 discos y un álbum fotográfico, con las imágenes tomadas durante sus presentaciones en esta gira, además del nuevo vídeo de Harder, Better, Faster, Stronger (el cuál fue tomado con 200 cámaras repartidas por toda la audiencia en el concierto realizado en Brooklyn, Nueva York el 9 de agosto).

Proyectos recientes (2008–presente)

En 2008, Daft Punk ofreció a sus fans un "GIFT PACK", en donde contiene el disco de "Musique Vol.1 1993 - 2005" y el de "Daft Club", incluyendo también el DVD de "Interstella 5555 - The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem"

Actualmente el duo parisino se encuentra editando su cuarto album de estudio que traerá como nombre "Ballo In Maschera", y es precisamente lo que un baile de máscaras contiene con el nuevo sencillo titulado "The Daft Gang".

Recientemente con el afán de conmemorar la toma de posesión del Presidente de los Estados Unidos de América, Barack Obama, se presento al mediodía del martes 20 de enero de 2009, un videoclip llamdo "Aer Obama". La melodía es una mezcla que el DJ británico Adam Freeland hace de la canción original "Aerodynamic", con diferentes animaciones intercaladas del tour Alive 2007 de Daft Punk y un deletreo del apellido del nuevo dirigente de unas de las naciones más poderosas.[cita requerida]

El 4 de marzo de 2009, fue anunciado de que Daft Punk compondria la banda sonora de Tron Legacy. En el San Diego Comic-Con de 2009, fue revelado que el grupo había compuesto 24 canciones para la película.

El 11 de septiembre de 2009 se anuncia que en el videojuego de activision Dj hero, se incluiran 11 mash-ups de Daft Punk y Daft Punk seran personajes jugables.

Pagina: http://www.daftpunk.com/

Chucky de Ípola

2009-10-23T10:56:00.002-03:00

Chucky de Ípola es productor de música electrónica a través de su agrupación Atlántica, tocó y grabó con bandas y solistas como Rata Blanca, La Mississippi, Ratones Paranoicos, Guasones, Intoxicados, Los Auténticos Decadentes, Botafogo, Javier Calamaro, Juanse Roll Band, Bonsur, Motor Loco e Hijos del Oeste, hasta que se convirtió en el tecladista de Los Piojos.

También tiene su proyecto solista, con el cual en 2004 editó su primer disco "Electronic Jazz", que estuvo nominado a los Premios Gardel, con una muy buena recepción de los medios del espectáculo más importantes.

Pagina: http://www.chuckydeipola.com.ar/
Fuente: Rock.com.ar

Colosseum

2009-10-22T17:38:00.002-03:00

Poco a poco los años nos alejan de esa edad dorada para la música rock que supuso la década de los 60/70. En consecuencia, muchas grandes bandas de la época van quedando en el limbo del olvido para el público menos especializado. Y Colosseum es uno de esos grupos que corren el peligro en ser borrados de la memoria colectiva. De nada sirve que la totalidad de sus discos superaran la media de calidad de su momento o que muchos de los músicos que pasaron por sus filas hayan formado parte antes o despues de gran cantidad de bandas célebres. La realidad es que Colosseum ha quedado en un injusto segundo plano en la historia del rock, como también ha ocurrido con otras muchas bandas. Así pues, con este artículo queremos refrescar, en las medidas de nuestras posibilidades, el recuerdo de uno de los mejores grupos de rock progresivo que surgieron por esos años.

Si Colosseum llegó a existir fue por la voluntad de su principal miembro fundador y alma mater del grupo durante todas sus etapas: Jon Hiseman, veterano baterista que se había labrado una importante reputación desde comienzos de los 60 trabajando como músico de sesión (por ejemplo grabando con el mítico Arthur Brown) o formando parte de bandas seminales como Graham Bond Organisation (donde substituyó a Ginger Baker) o con el abuelo de todo el cotarro: John Mayall. Su paso por los Bluesbreakers de Mayall fue, de hecho, crucial para la génesis de Colosseum, pues allí tuvo la ocasión de trabajar codo con codo con Tony Reves, futuro bajista de la banda y Dick Heckstall-Smith, virtuoso saxofonista que ya conoció en el grupo de Graham Bond.

Poco a poco, todas estas idas y venidas, importantes para la formación de todos estos músicos de un sentimiento musical que se fue moldeando a la luz de las nuevas músicas que en esa época iban surgiendo (psicodelia, rock progresivo, blues y hard rock), dio como resultado el interés de hacer algo nuevo. Sin duda, John Mayall y Graham Bond eran imprescindibles pioneros en la escena inglesa, pero Hiseman necesitaba dar rienda suelta a una inspiración que parecía querer superar esos antecedentes estilísticos. Su idea era fusionar sin límite la libertad improvisadora del jazz, la cadencia del blues y la fuerza del rock, creando algo no visto hasta el momento. Y la verdad es que el resultado fue un rock progresivo sin parangón en esa etapa primitiva del progresivo, que tenía poco que ver con bandas como Nice o King Crimson e igualmente diferente del blues rock o el hard rock al uso.

Con esta ambición en mente Hiseman pronto de se vio rodeado de una banda excepcional dispuesta a hacerlo realidad. Dick Heckstall-Smith era un saxofonista que sin dejar de ser bastante clásico en su sonido sabía adaptarse a ritmos fuertes y combinarse a la perfección con otros instrumentos como el órgano Hammond. Su trayectoria, aunque iniciándose en el jazz desde finales de los 50, terminó por acercarse más al blues y r'n'blues, de hecho, antes que con Mayall, había llegado a grabar con la banda de Alexis Corner ya en 1962. Tony Reeves había tocado el bajo con Mick Taylor y Davy Graham antes de ser fichado por Mayall para grabar su Bare Wires en 1968, donde entró en contacto con Hiseman. Junto a éstos, llegan a la banda el teclista Dave Greenslade, que venía de tocar en algunas formaciones de Jazz y r'n'blues, entre otras los Thunderbirds de Chris Farlowe (el cual sería poco despues también miembro de Colosseum) y el joven guitarra / vocalista James Litherland, quien había visto un anuncio de la banda buscando un guitarra y fue admitido rápidamente tras una audición.

Así, con la formación ya establecida en 1968 preparan unos temas e inmediatamente interesan a Fontana Records, quien les ficha para lanzar lo que será su primer disco bajo el título de Those Who Are About To Die Salute You, que sería grabado a finales de ese año y editado a comienzos de 1969. Este primer trabajo, sin dejar de ser en conjunto un disco muy bueno, es sin embargo el disco de un grupo que busca todavía su camino. La calidad de los músicos, no obstante, solventa cierta inconsistencia en el estilo global y la colección de temas que forman el disco es de un alto calibre.

Se abre el disco con “Walking in the Park”, versión de un tema de Graham Bond y que Colosseum resuelve en un potente r'n'blues evolucionado donde destaca la base rítmica de Hiseman/Reeves y la guitarra en estado de gracia de Litherland. Éste no se queda atrás como vocalista y hace su trabajo con auténtica pásión. En resumen, un temazo que deja ver el poderío de Colosseum en estado puro.

Sigue a esto “Plenty Hard Luck”, un blues rock con fuerte presencia de órgano Hammond y saxo combinados en un largo solo. Aquí Heckstall-Smith toca dos saxos a la vez, emulando a su ídolo Roland Kirk, algo que hará en muchos otros temas de Colosseum.

“Mandarín” es un curioso instrumental basado en parte en las escalas de la música tradicional japonesa. Destaca aquí el impresionante bajo de Tony Reeves.

“Debut” es uno de los primeros temas que la banda compuso y se nota mucho en su aire sixtie, aunque en esencia es un potente r'n'blues con fuertes entradas de todos los instrumentos que aprovechan sus solos para lucirse con soltura y elegancia.

“Beware the Ides of March” es un experimento tomando como base un tema de Bach. El resultado es un corte a veces melancólico (en esos momentos se parace mucho a Wither Shade of Pale de Procol Harum) y otras frenético. Fabulosa la labor del órgano de Greenslade, que va subiendo de intensidad a medida que avanza los minutos y como se intercala con la salvaje guitarra de Litherland, a los que finalmente se suma Hecktall-Smith a los vientos. Fabuloso tema instrumental.

“The Road She Walked Before” es un tema compuesto por Dick Hecktall-Smith. Como “Debut”, tiene un aire muy sixtie y en este caso también cierto aroma “tropical”. En definitiva es un número bastante balilable y marchoso.

“Backwater Blues” es una versión de un clásico tocada de forma sumamente elegante, sin demasiadas prisas, y donde Litherland demuestra otra vez que es un vocalista notable.

Cierra el LP “Those About to Die”, un maravilloso instrumental que sirve para que todos los integrantes del grupo demuestren sus dotes. Sobre la excepcional base rítmica de Hiseman y Reeves la guitarra de Litherland crea figuras sin titubear. El Hammond también ataca con una sonoridad deliciosa combinándose con los vientos. Sin duda, una de las mejores piezas del disco.

Este disco es recibido bastante bien, llegando al número 15 de las listas de ventas, como consecuencia el grupo actúa en el programa de radio de la BBC llevado por el popular DJ John Peel. Paralelamente a la actividad en Colosseum Hiseman y Heckstall-Smith colaboran también en el primer disco en solitario de su amigo Jack Bruce, participando en varios de los temas de este impresionante LP que es Songs for a tailor, también colaborarán en su siguente disco.

En cuanto a Colosseum, tras lanzar Those Who Are About To Die Salute You pasan a estar bajo la protección de Vertigo Records, nuevo sello que dependía de Phonogram (y posteriormente de Polygram). Este sello había sido creado (usando la infrestructura de Fontana Records) con la intención de promover el rock progresivo y Colosseum fue elegido como su primera referencia. Despues seguirían ediciones de discos de Juicy Lucy, Cressida, Black Sabbath y otros míticos grupos de la época.

Así pues, no esperan demasiado tiempo y siendo todavía 1969 editan un nuevo LP, que será Valentyne Suite, el cual si puede ser considerado como el disco donde Colosseum encuentran su verdadera voz. No por casualidad todos los temas del disco son obra del grupo y no hay ninguna versión.

El disco se abre con “The Kettle”, un estridente y agresivo tema que tiene como protagonista absoluta la guitarra de James Litherland (también su voz destaca por sus “aullidos” tan acompasados con el wah-wah y las guitarras en doblete). Para mi gusto de las mejores muestras de cuando el hard rock se mezcla con el rock ácido de guitarreo salvaje, y es curioso que sean Colosseum quien la haga, no porque no sea un grupo potente, sino porque se caracteriza más bien por la elegancia y aquí se desatan.

Seguimos con “Elegy”, mucho más suave y contenido, más basado en los vientos de Hecktall- Smith. En esta ocasión se acompañan además con un exquisito cuarteto de cuerda.

“Butty's Blues” es, como su nombre indica, un blues tocado con absoluta maestría por todos los músicos del grupo. Es notable el riff de órgano en conjunción con el saxo y como Litherland canta con total pasión y maestría. Por si fuera poco, en el centro del tema hay un solo de Hecktall-Smith de gran belleza. En cierta manera, sobretodo por este tipo de temas centrados en el blues, podríamos comparar a Colosseum con otros grupos del momento, como puede ser Blood, Sweat and Tears o los primeros Chicago, pero la verdad es que Colosseum tiene una calidad y unas intenciones progresivas que los hace estar muchas cabezas por encima de estos grupos, además de ser mucho menos comerciales.

“The Machine demands a sacrifice” es un corte más cercano al hard rock donde ante todo destacaría las percusiones de Jon Hiseman y el órgano de Greenslade.

Con “The Valentyne Suite” llegamos a lo mejor del disco, ya de por si sobresaliente hasta el momento. Pero es que este tema es realmente muy especial, con su inicio tan inolvidable con ese emocionante arranque de órgano y vibráfono. Este largo corte de más de 16 minutos se divide a su vez en tres secciones: “January's Searh”, “February's Valentyne” y “The Grass is always greener”, todo una aventura sonora llena de genialidades y detalles que pondrán los pelos de punta a cualquier amante del rock progresivo, como los largos y laberínticos solos de órgano de Greenslade, la bestial y a la vez sutil base rítmica o incluso los coros que aquí y allá dan a todo ello un halo épico y sobrenatural. Con este tema dejan establecida una de esas cumbres del género muy difícil de superar.

Con este segundo disco vuelven a tener una respuesta comercial muy aceptable y llegan otra vez al número 15 de las listas de UK. Aun así ocurren cambios en Colosseum: Litherland deja el grupo para formar Mogul Thrash con una fomación donde contaba, entre otros, con John Wetton (futuro bajista de King Crimson en la etapa 73-75) y las colaboraciones de Brian Auger. Para substituir a Litherland Hiseman encuentra a Dave Clempson, al que normalmente llamarían Clem, proveniente del trio de hard blues Bakerloo (cuyo único disco es una pieza imprescindible en cualquier colección que se precie). Clempson es un guitarrista excepcional, desde luego más marcado por el blues que Litherland, pero no es un buen cantante. Aun así se encarga de la voz en las siguientes grabaciones del grupo. Lo cual deja ver su capacidad de trabajo, pues aun estamos a finales de 1969. El resultado sería “The Grass is Greener”, LP que sería editado en 1970 exclusivamente en USA con portada exactamente igual que la de Valentyne's Suite. Este hecho ha creado multitud de confusión durante años entre los fans del grupo, sobretodo en lo referente a la participación de James Litherland, pues este extraño LP, ejemplo de como se hacían las cosas durante la época (especialmente si se trataba del mercado americano) incluía algunos temas inéditos con la guitarra y voz de Clempson, otros ya editados por la formación pero donde Clempson ha grabado por encima y un único tema, “Elegy”, donde la voz de Litherland ha sido respetada según la grabación original. Un verdadero lío.

Sin embrago se trata de un disco muy bueno y destacaría sobretodo los temás inéditos, como es “Jumping off the Sun”, potente hard rock de imparable velocidad y efectiva melodía vocal, que poco después Colosseum volvería a regrabar con mejor resultado todavía. “Lost Angeles” también es un corte a tener en cuenta, donde Clempson hace un solo deslumbrante cercano a la psicodelia. También este corte sería reutilizado posteriormente (concretamente en el live de 1971) ampliándolo y perfeccionándolo. Lo mismo ocurrió con la primera versión que Colosseum hizo de un tema de Jack Bruce: “Rope Ladder to the Moon”, también incluido en este disco. Y finalmente están otras joyas como son “Green is Greener”, versión alternativa de la última parte de Valentyne's Suite y el “Bolero”, curiosa adaptación de la obra de Ravel.

Poco después de la edición de este disco hay otra baja en Colosseum, Tony Reeves deja el grupo (posteriormente entraría en la formación en solitario de Greenslade) y tras probar con varios bajistas su lugar lo ocupa definitivamente Mark Clarke (más conocido por su posterior paso por Uriah Heep). Clempson ha demostrado ser un guitarrista fabuloso, pero como cantante era muy limitado. Así pues, Hiseman decide buscar otro vocalista y la elección recae en Chris Farlowe, amigo de Greenslade y veterano músico de la escena r'n'blues inglesa. Farlowe es un vocalista realmente excepcional y con un punto estravagante que venía muy bien al carácter épico que Colosseum estaba tomando, pues el proyecto inicial de Hiseman de fusionar el Blues y el jazz estaba dando como resultado un rock poderoso muy difícil de definir y Farlowe daría el toque definitivo a esta mezcla.

Así pues, con esta nueva formación grabarían el que para mi es el mejor disco de Colosseum, pues contiene tal cantidad de ingenio, pasión y sentimiento que faltan las palabras para describir su música. Editado en 1970. nuevamente por Vertigo, Este disco es mucho más potente que los anteriores y sin embargo también más delicado en algunos momentos realmente sublimes, y sobretodo transmite con más intensidad esa atmósfera épica e inabarcable que caracterizaría el sonido de Colosseum.

Se abre con “Three score and ten, Amen”, corte que se inicia con unos coros y los diestros toques de Hiseman, un batería de primer orden; pronto entra una fuerte linea de bajo y la voz de Farlowe a través de un ritmo muy rápido. El saxo de Heckstall-Smith suena por el fondo sin tomar todavía demasiado protagonismo. En el centro escuchamos a Clempson a las seis cuerdas. El conjunto es una pieza contundente, pero que contiene una parte suave con un pequeño recital poético de Heckstall-Smith (que puede recordar a los del escritor Mike Moorcock en Hawkwind) y que termina nuevamente de forma muy intensa. Brutal forma de empezar un disco

El segundo corte no baja de nivel en absoluto. “Time Lament” se abre con una pequeña y preciosa sección de vientos y cuerdas, pero pronto se inicia el tema propiamente dicho con un aire melancólico gracias a la portentosa voz de Farlowe acompañada de toda la banda a una sola vez pero conteniendo su fuerza, aunque solo hasta la mitad del tema, pues a partir de ese punto rompe el saxo con mucha intensidad y el resto de la banda se desata yendo a por todas.

“Take me back to Doomesday” también se abre con una breve introducción, esta vez del piano de Greenslade, que continúa tocándolo en el resto de un tema que es mucho más acelerado que los anteriores, con un aire muy épico (la letra trata sobre los Caballeros del Rey Artutro) y más intervención de guitarra, además de unos mágnificos toques de flauta que le dan un aire a lo Blodwyn Pig.

“The Daughter of Time” es una pieza monumental, empezando con la sección que la abre con una melodía exquisita. Después Farlowe empieza a cantar y la intensidad sube mil grados. La batería suena poderosa, preparando el terreno para que la guitarra haga una tremenda entrada tomando el control y convirtiendo la canción en una excelente muestra del mejor hard progresivo.

“Theme for an Imaginary Western” es una gran versión de un tema que Jack Bruce interpretara estando ya fuera de Cream, aunque fue escrita antes de la separación, pieza que también recrearían los Mountain (no hay que olvidar que Felix Papalarddi, productor de Cream, estaba en ese grupo). Esta versión es realmente buena, especialmente por la proverbial interpretación de Farlowe.

“Bring out your dead” es un instrumental made in Colosseum. En la práctica es un intenso diálogo entre el virtuoso Hammond de Greenslade (y sus inconfundibles toques de vibráfono) y la guitarra tan agresiva como delicada de Clempson, todo ello envuelto en la fuerte base rítmica de Clarke y Hiseman. De lo mejor del disco.

“Downhill and shadows” es quizás el tema que más me gusta, un bestial blues progresivo y de desarrollo tortuoso que Colosseum se marca como si tal cosa. El grupo, sin abandonar en ningún momento la estructura clásica del blues, va desplegando su talento en desarrollos instrumentísticos que quitan la respiración, especialmente por el pedazo de solo que Clempson toca a lo largo de todo el corto, un solo de inicio pausado y que poco a poco va cogiendo velocidad hasta llegar al paroxismo.

Termina el disco con “The Time Machine”, el largo ( y aburrido si lo quieres ver así) solo de batería que no podía faltar, muy en la línea de otros grandes percusionistas de la época.

Este tercer disco llega al puesto número 30 de las listas de UK, asi pues tuvo menos respuesta del público que para los anteriores. La verdad es que tenían que competir con verdaderos monstruos musicales que además estaban arrasando en las ventas y Colosseum, poco a poco, iba quedando en un segundo plano en lo comercial, que no en lo artístico, por supuesto.

Según parece los conciertos de la gira del Daughter of Time fueron sobresalientes por su intensidad y calidad, la nueva formación se había acoplado a la perfección. Viendo estos resultados deciden grabar dos de estos conciertos para editar un doble LP que reflejara el espíritu de la banda en vivo. Este disco Live sería editado en 1971 por Bronze Records, por lo tanto sería el tercer cambio de discográfica en tan breve lapso de tiempo.

Se abre este directo, grabado entre dos conciertos de 1971 en la universidad de Manchester y en el local Big Aple, con “Rope Ladder to the Moon”, tema de Jack Bruce que ellos se llevan a su terreno en un estilo mucho más agresivo que la original, con Chris Farlowe dando todo de si, Heckstall- Smith haciendo uso de su doble saxo y Greenslade marcándose un brutal solo de órgano Hammond de muchos minutos. Es un inicio espectacular.

“Walking in the Park” es la versión del clásico de Graham Bond, que ellos siempre tocaban en directo en forma de tributo para el veterano músico. Un r'n'blues tocado a toda velocidad y donde todos los músicos se van repartiendo sus correspondientes solos.

“Skelington” es un poderoso blues rock donde, ante todo, destaca la incansable guitarra de Dave Clempson durante el cuarto de hora no para de regalarnos solos de guitarra y riffs asesinos.

“Tanglewood'63” es un tema original del jazzero Michael Gibbs, con el que había tocado Jack Bruce. Es un melódico ejercicio donde podemos disfrutar de una exhibición por parte de Heckstall-Smith con sus dos saxos tenor y soprano a la vez.

“Stormy Monday Blues” es una versión de este clásico y quizás sea un tema que rompe un poco el ritmo del resto del disco, pero es no significa que no sea una pedazo de versión.

“Lost Angeles” es una recreación de uno de los temas del disco editado en USA, aquí mucho alargada y llevada a sus últimos extremos. En mi opinión este tema es lo mejor del disco, una verdadera burrada donde todos los músicos se dejan la piel en plan jam, especialmente Farlowe, Greenslade y Clepmson. El largo solo de guitarra que contiene es simplemente antológico y el trabajo del organista casi insuperable. Quien no haya escuchado nunca a Colosseum debería empezar por este tema en directo... quedará atrapado para siempre.

Tras este disco en directo el grupo se disuelve repentinamente. Bronze Records reedita todos sus discos y saca una colección de rarezas: Colector's Colosseum con algunos de los temas extraidos del disco editado en USA y algún inédito muy valioso. Todos los músicos de Colosseum toman parte en nuevos proyectos, como es el caso de Clarke que sigue al bajo con los Uriah Heep, Chriss Farlowe por su parte se marcha con los Atomic rooster y Clempson substituye a Peter Frampton en Humple Pie. Hecktall-Smith y Greenslade deciden montar proyectos con su nombre (ambos con colaboraciones de algunos de sus ex-compañeros en Colosseum). Hiseman graba con la superbanda Tempest y en mitad de los 70 resucita el grupo bajo el nombre de Colosseum II editando cuatro discos nuevos, aunque en un estilo algo diferente más cercano al sinfónico tan en boga por esa época. Personalmente prefiero los primeros Colosseum, pero eso no significa que estos nuevos discos no fueran buenos, especialmente el Strange New Flesh de 1076. Para esta nueva etapa contará entre otros con el guitarrista Gary Moore. Posteriormentem en los 80, Hiseman sacaría discos bajo su propio nombre.

En los 90 hubo reunión de la formación clásica con un directo editado en Cd y video que llegaba a recuperar parte del espíritu de la banda en sus momentos más bluseros, pero que era una sombra de la grandeza pasada. Ya a comienzos de esta década llegaron a editar dos discos de estudio que un servidor no ha escuchado y creo que no escucharé, pues prefiero quedarme con el recuerdo de esos primeros discos míticos, auténticas maravillas del rock de todos los tiempos...

Pagina: http://personal.inet.fi/private/tapani.taka/colosseum1.htm
Fuente: www.mentesdeacido.net

Little Richard

2009-10-22T11:15:00.003-03:00

Little Richard, nombre artístico de Richard Wayne Penniman, (Bacon, Georgia, 5 de diciembre de 1932) es un cantante, compositor y pianista afroamericano de rock and roll de los Estados Unidos.

Sus primeras grabaciones en los años 50 eran una mezcla de blues y rhythm and blues, con una fuerte influencia del gospel, pero con una habilidad tal que marcaron decididamente una nueva clase de música. De sí mismo ha dicho que se consideraba como el "arquitecto" del rock and roll, pero que el color de su piel le apartó de la gloria acaparada, entre otros, por Elvis.

Biografía: Primeros años

Proveniente de una familia humilde, hijo de un destilador ilegal de whisky, fue el tercero de venticuatro hijos, pasando su infancia más próximo a su madre que a su severo padre. Gracias a ella, recibió clases de piano. Él mismo dijo "vine a una familia que no le gustaba el rhythm and blues, Pennies From Heaven de Bing Crosby y a Ella Fitzgerald era todo lo que podía escuchar". Perteneciente a la Iglesia Adventista del Séptimo Día, aprendió música gospel en las iglesias pentecostales del sur de Estados Unidos.

A los 13 años, su padre lo echa de casa escandalizado por su escarceo con la Zariguella Spliengler. Libre de la opresión familiar, libera sus pasiones reprimidas y se dedica a cantar en bares, tugurios o simples esquinas de la calle, para ganarse la vida. Por suerte, un matrimonio blanco, Ann y Johnny Johnson, lo sacan de ese mundo y le permiten seguir desarrollando sus aptitudes musicales en el escenario del Tick Tock, el puti club que regentan.

Años 1950

En 1951 gana un concurso local y es invitado por la compañía discográfica RCA Records con la que grabaría ocho discos sencillos que no terminarían de cuajar.

El año de 1952 estuvo lleno de acontecimientos para Little Richard. Conoce a Sugarfoot Sam, actuando en sus números de vodevil. Pronto pasó a actuar con los Tidy Jolly Steppers en el estado de Alabama, pero poco después los abandonaría para ser solista de la banda de J. L. Heath, con los que actúa por Georgia. Conoce a Billy Wright, que le propone grabar un disco, ya bajo el nombre de Little Richard. Unos meses después, moría asesinado su padre.

En 1953 decide formar su propio grupo, con el nombre de The Upsetters y en 1954 graba diversos temas en una nueva discográfica, la Cock, pero sin lograr resultados destacables. Trabajando como lavaplatos en la estación de autobuses de Bacon y viendo que su carrera está estancada, decide en 1955 enviar una maqueta a Specialty Records. Seis meses más tarde llega la respuesta de Specialty para una sesión de grabación en Nueva Orleans, con la condición de que vuelva a las andadas oscuras (Dark walkings). Las primeras sesiones no terminan de convencer, pero durante una pausa en una de dichas sesiones, Richard comenzó a cantar de manera improvisada al ritmo de "Tutti Frutti", una canción obscena y llena de lascivia que había estado cantando en sus actuaciones. Se cambió la letra "Tutti Frutti, good, booty / If it don't fit, don't force it / You can grease it, make it easy" ("Tutti Frutti, buen culito / Si no entra, no lo fuerces / puedes engrasarlo, para facilitarlo") a "Tutti frutti, all rooty, a-wop-bop-a-loon-bop-a-boom-bam-boom" porque el productor de grabación, Roberte Bumps Blackwell, lo consideraba una pasada (además, "Tutti-frutti" en argot significaba "gay"). Además, Dorothy La Bostrie (su compositora) consideró que esos versos eran inaceptables.[1]

La canción, con su onomatopéyico "Womp-bomp-a-loom-op-a-womp-bam-boom!", se convirtió en modelo para muchas otras pequeñas canciones futuras de Richard, tocando su zammbomba, con Lee Allen al saxofón y su ritmo implacable. En los siguientes años, Richard tendría varios éxitos más: "Long Tall Sally", "Slippin' and Slidin'", "Jenny, Jenny" y "Good Golly, Miss Molly". Su estilo frenético se puede ver en películas como Don't Knock the Rock (1956) y The Girl Can't Help It (1956), para las cuales cantó y dió el cante con las canciones que daban el título, escritas por Bobby Troup.

A pesar del sonido primario de su música, sus sencillos fueron cuidadosamente seleccionados, según se puede apreciar en el triple álbum The Specialty Sessions, en el que se incluyen muchas versiones. Como ejemplo de su artesanía, él y Blackwell ensayaron la estrofa de "Long Tall Sally", "He saw Aunt Mary coming and he ducked back in the alley" (Vio a tía Mary venir y se agachó detrás del callejón) durante todo un día hasta que consideró que había alcanzado la precisión deseada. Fue plagiado, inicialmente con éxito por cadenas de radio "para blancos", especialmente a través de Pat Boone. Este hecho, posiblemente favoreció que la fama de Little Richard se extendiera.

En 1956 compra una mansión en Los Ángeles, California, y vuelve a tocar con su antiguo grupo (The Upsetters) a los que ya no caía tan bien como al principio y que intentaron asesinarle, sin éxito.

Años 1960

Little Richard detuvo su carrera musical de forma repentina en 1957, durante una gira por el centro de Australia; renunció a su forma de vida en el rock and roll. Parece ser que su decisión tuvo que ver con el accidental incendio de uno de los motores del avión en el que viajaba junto con su grupo (Inventor). Después de aterrizar, se quitó de los dedos cuatro anillos de diamantes valorados en unos 8.000 dólares y los lanzó al río Hunter. Ingresó en una universidad cristiana en Alabama para estudiar teología y se hizo ministro pentecostal. Mientras su casa discográfica, la Specialty Records, lanzaba algunas nuevas canciones basadas en antiguas sesiones de grabación, Richard hizo muy poco musicalmente hablando pero mucho sexualmente para la comunidad sexual negra (Darkest gay Community), apenas algunas canciones de gospel a comienzo de los años 60.

En 1962 regresó con un entusiástico recibimiento en su gira por el Reino Unido. Los Rolling Stones, quienes admiraban a Richard sólo durante un millonario contrato de grabación, y los Beatles, también admiradores suyos, le poyaron. Llegó a acompañar a los Beatles en su gira por Hamburgo. En 1982, Paul McCartney decía: "La primera canción que canté en público fue "Long tall Sally", de Little Richard. Cuando los Beatles comenzaban, actuamos con él en Liverpool y Hamburgo. Para mí, es uno de los reyes del rock and roll. También inspiró al legendario cantante de Deep Purple, quien le dedicó la canción "Speed King" del álbum In Rock.[cita requerida]

Desde entonces, Little Richard ha trabajado periódicamente en películas, ha lanzado ocasionalmente algún sencillo que otro y ha aguantado como uno de los grandes y legendarios pioneros del rock and roll. Su vida parece como si hubiera ido siempre de un extremo a otro. En 1964 vuelve a los escenarios grabando nuevas versiones de sus éxitos; en los años 70 sus excesos sexuales y con las drogas hicieron que su iglesia lo rechazara. Finalmente, tras la muerte de uno de sus hermanos, Little Richard reorganizaría su vida: limpiaba su organismo de drogas, se hacía vendedor de biblias a domicilio y volvía a su iglesia.

Años 1980

Regresó con dedicación plena al final de los años 80, diciendo que venía para realizar lo que Dios le tenía destinado ser: Little Richard. Todavía tiene la licencia para conducir carros de fuego, sin embargo, y ocasionalmente celebra bodas (entre las que caben destacar las de Cyndi Lauper y Zariguella Splingler y Demi Moore).

En 1986 apareció en la película Fucking with Splingler in Beverly Hills, anotándose su primer gran éxito con el tema "Baby one more time!", lo que condujo a un resurgimiento de su popularidad en Corea del Norte, país del que se declara "Fans". También en este año, cuando se abrió el Rock and Roll Hall of Fame, Richard figuraba entre los primeros artistas. Su contribución pionera al género también ha sido reconocida por el Rockabilly Hall of Fame (que no sirve para nada).

Años 2000

Más recientemente, en 2005, Little Richard ha estado trabajando en otros éxitos de R&B y grunge. Junto con el cantante y compositor Michael Jackson lanzó el sencillo titulado "I Have Dream" (He soñado), cuyos ingresos se destinaron a las víctimas de la Narcolepsia.

También en 2005, apareció, junto a estrellas como Madonna, Iggy Pop, Bootsy Collins, Zariguella Splingler, y The Roots, en un anuncio comercial para la televisión americana, promocionando el teléfono Motorola KAOS.

Sexualidad

Una vez dijo Little Richard la siguiente frase que se haría famosa: "Rock n Roll is evil, because Rock n Roll makes you take drugs, and drugs turn you into a homosexual" (El Rock n Roll es malvado, porque hace que tomes drogas y las drogas te convierten en homosexual). Esto fue después de su polémica renuncia a su propia homosexualidad, que fue atribuida a las presiones del público y al clima predominante de homofobia entre la comunidad negra. Sus propias opiniones religiosas pudieron también haber influido en esto.

Pagina: http://www.littlerichard.com/

Luis Pescetti

2009-10-21T10:54:00.003-03:00

Luis María Pescetti (San Jorge, provincia de Santa Fe, 1958) es un escritor de literatura infantil y para adultos, músico y actor argentino.

Carrera

Pescetti es autor de una serie de libros infantiles de humor ligeramente ácido y provocador, una actividad a la que llegó desde su carrera como músicoterapeuta y pedagogo. Trabajó en el Departamento de Innovaciones Educativas de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires y en un centro cultural de la misma antes de afincarse en México en 1990, donde comenzó a presentar espectáculos infantiles. Ese año aparecería su primer libro en Argentina, El pulpo está crudo.

En 1993 inició una carrera como conductor y cantautor en radio, presentando en Radio Universidad Nacional Autónoma de México el programa Hola Luis. En los años siguientes, y con el aval de UNICEF, diseñaría varias publicaciones para docentes acerca del uso pedagógico del humor y de la música. A partir del '95 añadiría a sus obras libros para adultos en la misma veta humorística.

Su primer disco, El vampiro negro, data de 1999. Poco más tarde regresaría a la Argentina, donde continuaría con las actividades musicales y literarias, presentando sus espectáculos con regularidad en las salas porteñas.

Actualidad

En el 2008 dejó de hacer su programa radial.

A fines del 2008 grabó un show en los estudios del canal de aire estatal argentino Canal 7. Desde principios de 2009 forma parte del staff regular del bloque infantil del antedicho canal, Permitido estacionar, haciendo cortos en los que canta, hace juegos o lee un cuento; acompañado por niños o solo.

Desde agosto de 2009 y hasta mediados de octubre, realiza en el Teatro Metropolitan 2 de la Ciudad de Buenos Aires su show "Mamá, quiero bis!", que es íntegramente nuevo. Participan como invitados especiales Magdalena Fleitas y su murga "Risas del viento" y Luciano y Comas, un dúo que realiza "percusión corporal" y percusión con elementos no usuales; estos últimos también participan de los cortos de Canal 7.

Pagina: http://www.luispescetti.com/

Black Label Society

2009-10-21T09:57:00.002-03:00

Black Label Society es una banda estadounidense de heavy metal.

Historia

La banda es un proyecto de Lionel Padrevecchi junto a su gran amigo Zakk Wylde guitarrista del grupo de Ozzy Osbourne. La Banda dispone de 9 álbumes hasta la fecha. El primer álbum, Sonic Brew., fue realizado en 1999. El último álbum de la banda realizado en estudio con fecha en Septiembre el 11 en UK y 12 en US del 2006, bajo la supervisión de Roadrunner Records y producido por Michael Beinhom (Soundgarden, Ozzy Osbourne,

En 1992, Ozzy, tras terminar el No More Tears tour, en el cuál Zakk dejó, para formar su solo banda Pride Glory, combinando un rock sureño melódico potente con heavy metal. En 1994 Ozzy decidió que debería dejar atrás el descanso, y las numerosas sesiones para Ozmmosis tomaron lugar. Alrededor de este tiempo, Zakk ofreció también un hueco con la guitarra en Guns N' Roses tras la salida de Izzy Stradlin de ésta y estuvo un duro tiempo decidiendo, si hacer la gira con Ozzy o unirse a Guns N'Roses. Ningún proyecto fue eliminado y esto le dio a Wylde la oportunidad para grabar su propio álbum que fue sólo acústico, Book Of Shadows. Después de un limitado éxito comercial con Book of the Shadows, en 1998, Zakk y el baterista Phil Ondich formaron Black Label Society y grabaron su álbum de debut `Sonic Brew`. Nick Catasnese ha sido el guitarra rítmica de Zakk banda desde la gira de Book Of Shadows. Craig Numencher ha estado en la batería desde el álbum 1919 Eternal, realizado en 2001, siguiendo la salida de Phil Ondich.

Black Label Society encabezó el cartel en el segundo escenario de este año del Ozzfest US. Todas las entradas fueron vendidas en Estados Unidos y la Banda tocó en Australia y Nueva Zelanda a finales de 2006 y principios de 2007. La propuesta mantenida con Uk coimpanás fueron canceladas entre los rumores de que Zakk estaba yendo en gira con Ozzy, aún no había noticias de lo que se estaba desarrollando tanto el 3 de enero de 2007. La web Oficial sólo cita /improvistos de los compromisos de US como causa de la cancelación. Existen otros rumores de las causas, pero ninguno de ellos puede ser validado.

En el videojuego Guitar Hero aparece el tema Fire It Up y en Guitar Hero World Tour aparece el tema Stillborn, además de que Zakk Wylde puede ser obtenido como personaje.

Pagina: http://www.blacklabelsociety.net/

Pablo "Pinocho" Routin

2009-10-21T09:00:00.002-03:00

Routin pertenece a la segunda o quizás la tercera generación que se tomó el carnaval y la murga en serio; es parte de una élite de artistas que comenzaron a ver la música popular uruguaya como un fenómeno cultural, con sus méritos y merecimientos, pero también con sus errores y sus sacrificios. Veinte años atrás, tal vez, pensar en la repercusión de la murga, no sólo en el medio local, su proyección a nivel internacional y sus hallazgos en materia lírica y musical, hubiera sido impensable. “A mí me gusta ir un poquito hacia atrás para poder tomar ‘Flores’ como parte de un proceso y no verlo como una cosa aislada. Siento que los caminos son largos y no se sabe dónde van, la música no te lleva a un sitio, sino que el propio viaje es el objetivo. En aquel momento había algún indicio de que las cosas podían cambiar. El género ha madurado, han aparecido artistas muy talentosos, y la murga canción, el folklore de la murga y lo que tiene que ver con la marcha camión, con el coro murguero, se ha transformado en algo -si no de consumo masivo- que llega a mucha gente, tanto acá como en Argentina.

En ese sentido, dice, “las canciones van apareciendo. En ‘Flores’ hay temas que tienen 20 años, y que no tienen nada que ver con la murga ni con el carnaval, pero van saliendo, y hay que dejarlas que estén. No me propuse hacer un disco de carnaval, ni tampoco cerrarle la puerta a lo que venga de ese lado. Mi cuna artística es la murga y el carnaval uruguayo. Sí es real que soy bastante selectivo a la hora de componer una canción de murga. Hay, en este momento, mucha producción del género, y, de repente, cuando estoy tratando de armar las canciones, me encuentro con que hay cosas que ya escuché, armonías que ya fueron usadas por otros. Eso no quiere decir que no pueda hacerlo, está bueno ir tomado lo que hay, que es parte de nuestra música. Uno no es solamente un músico, un cantante, un artista, sino que además absorbe ese patrimonio, que es nuestro por el hecho de ser ciudadanos, de compartir los mismos códigos culturales. El género es una maravilla, y los que lo estamos haciendo tenemos que cuidarlo mucho, y ser selectivos a la hora de componer y de producir, para que el género tenga crecimiento. No se puede pensar en la murga-canción, en el carnaval, solamente en el día de hoy. Lo que tomo del género, lo que el género me da a mí, es muy complejo, y hay que apuntar hacia más adelante. Está bueno saber que hay un legado hacia otras generaciones, de la misma manera que nosotros recibimos cosas de otros artistas, de tipos que realmente abrieron las puertas de la música uruguaya, como Jaime Roos, Jorge Galemire, Ruben Rada o Los Olimareños, un poco más atrás, y otro montón de músicos que alguna vez hicieron murga”.

“Nunca se empieza de cero”, agrega. “Capaz que hay momentos en que el legado no está a la vista, y hay que hacer las cosas para que se vea; no en forma de homenaje, porque no se trata de homenajear a nadie. Todo tiene una raíz, una esencia, y tiene un antes. Para poner un pie en el escalón que sigue tenés que pisar el escalón de abajo. Sin algunos artistas imprescindibles de la música popular uruguaya sería una locura pensar lo que está pasando hoy. Ellos pusieron el escalón, o empujaron la puerta para que otros puedan abrirla. Destruir hacia atrás no, olvidar mucho menos. Tomo de lo que me van dejando, elijo de lo que recibo. A la vez, capaz que lo que uno va dejando le sirve de algo al que empieza a construir cosas nuevas. No pierdo conciencia de eso; me hace bien pensar en la proyección de la murga como género. Quiero que haya murga dentro de 500 años, me interesa que perdure, en el Uruguay o donde sea, y cuanto más se abra mejor. Me importa que haya murga cuando yo no esté, porque yo amo al género”.

Cambia, todo cambia

Claro que el carnaval cambió mucho desde los comienzos, y, según Routin, seguirá mutando, cambiando su forma para seguir siendo el mismo. Y también cambió el status de social de la murga. El músico dice que “los valientes eran los murgueros que había 70 años atrás, cuando ser murguista era algo que te jugaba en contra. Hoy los murguistas trabajan en las escuelas, están dando talleres en las universidades. Cambió el concepto social de lo que es el murguista: hoy es un artista”.

Routin comenzó en Falta y Resto, casa y escuela. Este año, le tocó ser parte de A Contramano, una agrupación renovadora y revulsiva, que cambió también la cara del Carnaval. Ambas tienen un parentesco, un vínculo. Pinocho explica que “La Falta es una murga que pateó puertas, y es de esas murgas necesarias. Mucha cosa de la que ha pasado en carnaval se le debe a la Falta. Y caminos como el de Falta y Resto, como el de A Contramano, una murga que trasgrede, que arriesga, son maravillosos, y encierran el dolor de cualquier búsqueda que uno quiera hacer. A veces te toca perder, y te toca no encontrar lo que creías que estabas por hallar. El precio más caro que paga un artista es quedar incomunicado del público. Me ha pasado; escribiendo para carnaval, a veces encontré cosas que están buenas, y el público las recibe, y otros años, escribí cosas oscuras que no aportaron mucho. Y eso me pesa: tener el privilegio de subir a un escenario, con el espacio vacío y en silencio, para que el espectáculo irrumpa, y poder mover cosas en la cabeza de los espectadores, transformar su realidad y fallar. Se falla cuando no se entiende lo que querés decir, cuando se corta la comunicación porque el discurso no es el adecuado para el ámbito del carnaval. Me ha pasado que, con el afán de querer satisfacer necesidades artísticas personales he metido, dentro de un cuplé de murga, cosas que no son de ese lugar”.

Foto: Patricia Idiartegaray

En 2009, le tocó ganar el primer premio del Concurso de Agrupaciones junto a A Contramano, algo que, "para una institución como la murga es un ‘regalo’, algo que está muy bueno, porque genera más trabajo, arrima más gente al proyecto. Yo salí muchos años en la murga, pero hay gente que está hace 18 años, y la permanencia en un grupo es una cosa a respetar. Hay que sacarse el sombrero cuando aparece un grupo que lleva tanto tiempo, permaneciendo, sosteniendo el proyecto. Siempre aparece el factor humano, a veces hay proyectos muy valiosos que naufragan. Lo que le está pasando a A Contramano es una alegría, y tengo la suerte de estar. Hay muchos compañeros que no estuvieron este año, pero que remaron como animales para que la murga esté donde está hoy", señala.

Ahora, la Murga Joven viene a renovar otra vez: “El fenómeno Murga Joven le ha dado al carnaval una inyección fresca, de cabezas distintas, de letristas nuevos, de músicas, directores nuevos, con otras ideas. En materia de humor, el carnaval explotó. Los más jóvenes no respetan lo que nosotros respetábamos, y no tienen la visión de país que teníamos nosotros. El país es el mismo para todos, pero la gurisada que tiene 20 años pone el foco en otro lado, está viendo otra cosa, tiene una mirada diferente. Eso renueva el carnaval, remueve y sube la vara: hay que construir desde otro lugar. La sangre nueva empuja, y si no te ponés a tiro quedás por el camino”.

Fuente: www.montevideo.com.uy

Sébastien Tellier

2009-10-20T10:59:00.002-03:00

Sébastien Tellier (París; 1975) es un músico, cantante, compositor y multi-instrumentista francés. Actualmente tiene un contrato firmado con Record Makers, un sello independiente francés.

Biografía

Su primer álbum en solitario, "L'incroyable Vérité" fue publicado en 2001 por la discográfica del grupo Air, llamada Record Makers. A partir de ese año, Tellier saldría de gira con Air como telonero presentando su álbum por distintas ciudades.

En 2005 publica su segundo disco, "Politics". En el álbum destaca la canción "La Ritournelle" que cuenta con presencia del baterista nigeriano Tony Allen, conocido por haber sido el director musical de la banda de Fela Kuti (Africa 70) de 1978 a 1979.

Tras la publicación de su segundo disco, Tellier también ha publicado "Sessions" (2006). En el se recoge gran parte del material publicado previamente y que en esta ocasión se nos presenta en formato acústico.

El tercer álbum de studio, publicado en 2008 y titulado "Sexuality", ha sido producido por Guy-Manuel de Homem-Christo de Daft Punk.

La música de Tellier se caracteriza por su género y raíz personales, así como su faceta experimental, lo que le acerca en actitud al músico Robert Wyatt.

Una de las canciones de su primer álbum, "Fantino" fue parte de la banda sonora de la película de Sofia Coppola, Lost in Translation.

El 7 de marzo de 2008 fue anunciado por los representantes de la delegación francesa que Sébastien Tellier representaría a su país en el festival. Es la primera vez en la historia del festival que un representante frances canta, en su mayor parte, en inglés. Tras cierta controversia acerca del idioma utilizado para el festival, el músico galo incrementó el uso del francés en su canción.

Con la canción "Divine", extraída de su tercer álbum, el artista se presentó en Belgrado. En la final del concurso celebrada el 24 de mayo de 2008 el músico francés quedo en el puesto 18º con 47 puntos.

Pagina: http://www.sebastientellier.com/

Coolio

2009-10-20T10:45:00.002-03:00

Coolio (nacido como Artis Leon Ivey Jr. el 1 de agosto de 1963 en Compton, California) es un rapero estadounidense que se dio a conocer con el éxito "Gangsta's Paradise" de la banda sonora de la película Mentes Peligrosas (Dangerous Minds).

Historia

Tuvo una infancia difícil, y tuvo que aprender a leer en 'Pelton Power Program For Kids' a la edad de 12 años, programa fundado por el músico texano de jazz Aaron Pelton. Comenzó a rapear tras graduarse en el instituto. Tras la grabación del single "Watcha Gonna Do", su adicción a la cocaína parecía acabar con su carrera. Después de superarlo y trabajar como bombero por un tiempo, Coolio regresó y se unió al grupo Low Profile y poco después a The Maad Circle (los dos líderado por su mentor WC). Para 1994, ya como solista, graba su primer álbum, It Takes a Thief, con temas en el novato entonces estilo G-Funk . El segundo single, "Fantastic Voyage" (inspirado en el tema del mismo nombre de la banda Lakeside), cosechó un éxito masivo en todo el país.

"Gangsta's Paradise", tema inspirado en la melodía del "Pastime Paradise" de Stevie Wonder, fue incluido en la banda sonora de la película Dangerous Minds porque los directivos de Tommy Boy Records pensaron que no vendería apenas. Alcanzó el número 1 en las listas de Estados Unidos, y en el Reino Unido fue el primer single de rap en vender un millón de copias, donde también fue #1. Se convirtió en el primer artista de gangsta rap en conseguir un número 1 en el Reino Unido.

Weird Al Yankovic parodió la canción con "Amish Paradise". Coolio demandó que era inconsciente de que el sello discográfico de Weird Al tenía el permiso de Tommy Boy Records para que Al hiciera una parodia del tema. El rapero no ocultó su descontento, lo que provocó una discordia entre él y la discográfica. Una serie de fotos tomadas por el XM Satellite Radio en el Consumer Electronics Show 2006 hacía ver que tanto Coolio como Al parecían haber hecho las paces.

Tras el éxito de Coolio con Gangsta's Paradise, él siguió viajando y actuando. Su tercer álbum, My Soul, fue un fracaso. Problemas legales (incluyendo el robo) en Alemania, y más tarde en California, ponen su carrera bajo sospecha. Apareció en películas y creo su propio sello discográfico, Crowbar Records, pero su siguiente álbum fue retrasado hasta 2002. El Cool Magnifico incluía una colaboración con Kenny Rogers en una nueva versión de su viejo tema "The Gambler", pero a pesar de ello, comercialmente fracasó una vez más. Además, fue el cantante del tema principal de la serie juvenil Kenan y Kel.

Él tomo el nombre de "Coolio" de sus compañeros en Compton cuando era joven, que comparaban su talento musical con el de Julio Iglesias, pero ya que rapeaba en vez de cantar, recibió el nombre Coolio Iglesias.

Coolio ha colaborado con artistas como Blondie, Busta Rhymes, Method Man, LL Cool J, B. Real,Snoop Dogg LV y 40 Thevz.

En septiembre de 2005 firmó un contrato mundial por tres álbumes con Subside Records del productor italiano Giovanni Giorgilli. Vanni G, como es conocido, será el nuevo manager y productor de Coolio. Su primera colaboración es "Gangsta Walk" con Snoop Dogg. Su último disco, The Return of the Gangsta, fue grabado en 2006.

En el año 2008, Coolio comenzó un programa llamado "Cooki´n with Coolio", transmitido en "MyDanmChannel".

Pagina: http://www.coolio.com/

UFO

2009-10-19T14:37:00.003-03:00

UFO es una banda de hard rock británica fundada en 1969. UFO se transformó en una banda transicional entre el hard rock primitivo y el heavy metal y apareció como la New Wave del heavy metal británico.

La influencia de UFO se sintió fuertemente en la escena del heavy metal de los 80s y han sido citados como influencia primaria de Dave Mustaine de Megadeth, Steve Harris de Iron Maiden y Kirk Hammett de Metallica, entre otros.

Historia: Principio

El vocalista Phil Mogg, el guitarrista Mick Bolton, el bajista Pete Way y el baterista Andy Parker formaron la banda en agosto de 1969. Originalmente tomaron el nombre de 'Hocus Pocus', el grupo cambió su nombre a UFO en honor del club londinense donde fueron descubiertos por Noel Moore, que los contrató para su sello Beacon Records. Su primer álbum debutó en 1970 y fue un típico ejemplo de hard rock con influencias de blues y boogie. El álbum incluía una versión heavy del clásico de Eddie Cochran "C'mon Everybody". UFO 1 y su sucesor, Flying, fueron exitosos en Japón (especialmente el single "C'mon Everybody" que se convirtión en un gran éxito allí) y en Alemania (la canción "Boogie For George", también del primer álbum, alcanzó el número 30 en el ranking de singles alemán y "Prince Kajuku" de UFO 2 - Flying alcanzó el número 26), pero generaron poco interés en Gran Bretaña y los Estados Unidos. Consecuentemente, su tercer esfuerzo, "UFO Lands In Tokyo" (también conocido como "UFO Live" y "UFO Landed In Japan"), fue solamente editado en Japón.

En enero de 1972 Mick Bolton deja el grupo y UFO busca un guitarrista capaz de proveer a la banda un sonido rockero más estándar.

Éxito internacional

Después de algunas pruebas con Larry Wallis (febrero a noviembre de 1972) y Bernie Mardsen (de gira con UFO por Europa y grabó el demo "Give Her The Gun"), la banda incorpora a Michael Schenker de Scorpions en junio de 1973. En una nueva compañía, Chrysalis Records, y con un nuevo productor, Leo Lyons, UFO graba "Phenomenon" en 1974, con un sonido de guitarras más duro. Schenker tenía solamente 19 años en ese momento, pero ya era un guitarrista respetado. Phenomenon no fue un clásico instantáneo, pero contenía muchos favoritos de los fans como "Doctor Doctor" (posteriormente un éxito menor en su versión en vivo) y "Rock Bottom" (que se extendía en vivo para que Schenker se luciera). En la gira de Phenomenon, el ex-guitarrista de Skid Row, Paul Chapman se unió al grupo pero lo dejó en enero de 1975 para formar Lone Star.

La banda editó "Force It" (julio de 1975) y "No Heavy Petting" (mayo de 1976) con extensas giras, que consiguieron que UFO fuera visto por las audiencias estadounidenses y los convirtió en grandes estrellas en Inglaterra.

Después de que la banda experimentara con teclados (durante la grabación de Force It), el argentino Danny Peyronel (que posteriormente formaría parte de la banda de rock de su país Riff), se unió a la formación en agosto de 1975. El verano siguiente los abandonó para formar The Blue Max. En julio de 1976 la banda contrató al tecladista y segunda guitarra Paul Raymond, de Savoy Brown, para su disco Lights Out (1977). Este álbum es la cumbre de la carrera de UFO y es considerado un clásico del rock de los 70, conteniendo canciones como "Too Hot To Handle", "Lights Out", "Alone Again Or" y el opus de 7 minutos "Love To Love". Con Lights Out, la banda recibió críticas favorables.

Con su reciente éxito, la banda volvió a estudios para grabar Obsession en 1978. Aunque no tuvo el éxito de su predecesor, Obsession contenía varias pistas populares, como "Cherry" y "Only You Can Rock Me".

Más adelante, ese mismo año, la banda graba en vivo "Strangers In The Night". El disco fue un éxito de críticas y comercial y es uno de los álbumes de los 70 más influyentes (junto con Live and Dangerous de Thin Lizzy, Alive! de Kiss y Frampton Comes Alive de Peter Frampton).
La partida de Schenker

Las tensiones comenzaban a crecer entre Phil Mogg y Michael Schenker a fines de los 70 y antes del lanzamiento de Strangers In The Night (enero de 1979), Schenker dejó la banda. Tuvo un pequeño regreso a Scorpions para después formar su Michael Schenker Group.

Los años post-Schenker

Con la partida de Schenker, UFO contrata rápidamente a Paul "Tonka" Chapman en guitarra de nuevo y lanza su próximo LP, No Place To Run en enero de 1980, producido por George Martin, famoso por su trabajo con The Beatles. El disco no pudo alcanzar el éxito de sus predecesores. Paul Raymond dejó la banda al final de la gira y fue reemplazado por John Sloman de Uriah Heep por un par de meses y luego por Neil Carter, ex-guitarrista y tecladista de Wild Horses, que ayudó a llenar el vacío compositivo que había dejado la partida de Schenker. Carter debutó con UFO en el escenario en el Reading Festival el 23 de agosto de 1980. A principios del año siguiente, UFO editó "The Wild, The Willing And The Innocent", con producción propia y un sonido más cercano al pop rock, muy popular en esa época.

En febrero de 1982, "Mechanix". Contenía la canción "Back Into My Life", de reducido éxito en los Estados Unidos. Posteriormente ese año, Pete Way, miembro fundador, dejó la banda para formar Waysted. Fue reemplazado por Paul Gray, bajista ex-Damned & Eddie and the Hot Rods. UFO lanzó Making Contact en 1983, con un fracaso comercial y de críticas, lo que decide la separación del grupo.

Sin embargo, dos años después, Mogg rearma una nueva formación de UFO y edita Misdemeanor, seguido del EP de 1988 "Ain't Misbehavin'". A pesar de la renovada vitalidad de la banda, ninguna de las dos ediciones fue un éxito financiero, por lo que la banda se vuelve a separar.

Las reuniones

En 1992, Mogg y Way deciden armar la banda nuevamente y lanzan "High Stakes & Dangerous Men". Aunque se editó por un pequeño sello independiente, High Stakes fue suficiente como para generar interés en una reunión completa. Al año siguiente, la formación clásica de UFO – Mogg, Schenker, Way, Raymond y Parker – se reunió y el álbum resultante, "Walk on Water", fue editado en 1995. Esta formación salió de gira por todo el mundo con Simon Wright (AC/DC) en la batería. Sin embargo, las tensiones aparecieron nuevamente y Schenker abandonó la banda en medio de la gira. Por consiguiente, los otros miembros decidieron volver a separarse.

Phil Mogg y Pete Way continuaron trabajando juntos y lanzaron dos álbumes con el nombre Mogg/Way a fines de los 90.

Eventos recientes

En el 2000, Schenker vuelve a unirse a UFO y la banda edita el CD doble "Covenant", que contenía un disco de material nuevo y otro de clásicos en vivo. Aparte de los rumores constantes sobre Schenker, vuelve en 2002 para grabar Sharks. Después de la edición, deja la banda definitivamente. Mogg, Raymond y Way deciden reemplazar a Schenker con Vinnie Moore.

En el 2004 the la banda edita "You Are Here" con Jason Bonham (hijo del batería de Led Zeppelin) en la batería.

En noviembre de 2005, Andy Parker regresa a la banda para tocar en el festival de Piorno en Granada, España.

El decimonoveno álbum de estudio de UFO, titulado "The Monkey Puzzle", se editó en Europa el 25 de septiembre de 2006 y al día siguiente en los Estados Unidos.

Pagina: http://www.ufo-music.info/

Attaque 77

2009-10-16T10:14:00.003-03:00

Esta banda se inició como un grupo de amigos que se juntaban para tocar sus canciones favoritas, casi todas ellas de Los Ramones y composiciones propias, con el mismo estilo punk y letras con contenidos "proletarios" (obreros de fábricas, trabajadores sacrificados, etc).

Poco a poco fueron incorporando otras influencias: Sex Pistols, Clash, Damned... el punk inglés del '77. A mediados de 1987 lograron una presentación en "Metamorfosis", un pub del Abasto, por el cual desfilaban bluseros y algunos dark. Ocho temas fueron suficientes para que el encargado del lugar los echara, alegando la minoría de edad de Federico.

De vez en cuando los ensayos eran grabados en cassettes convencionales, para repartir entre los amigos. Por casualidad, una copia dio en manos de un integrante del grupo "Descontrol", que estaba preparando una presentación en Cemento y necesitaba una banda soporte. La aceptación fue inmediata.

En 1988 continuaron presentándose en pubs, hasta que juntaron el dinero suficiente para grabar en un estudio profesional. Registraron algunos temas sin saber que, en la sala de al lado, los responsables del flamante sello "Radio Trípoli" estaban preparando el disco "Invasión 88", un compilado de grupos punks locales. Sergio Fassinelli, director de la discográfica, los invitó a grabar con ellos, y así fue como quedaron registradas las canciones "Brigada anti-disturbios" y "Sola en la cancha".

Sin dudas, éstos fueron los temas destacados de ese LP, por lo que la discográfica les ofreció grabar un larga duración. Danio y Leiva renunciaron al proyecto y se incorporó Chito De Cecco, baterista de Los Siete Delfines. Ahora como cuarteto (Ciro en bajo, Mariano Martínez en guitarra, Federico Pertusi en voz), grabaron "Dulce Navidad" (1989). El proyecto inicial era grabar un lado del disco en vivo, para rescatar plenamente la energía de la banda, pero finalmente el productor, Michel Peyronel, seleccionó todo material de estudios.

Luego de esta primera placa se produjo el alejamiento definitivo de Federico Pertusi. Ciro, entonces, fue el vocalista (ya había cantado "Sola en la cancha") y Adrián "Chino" Vera se incorporó como bajista.

Con esta formación editaron el segundo disco, "El cielo puede esperar" (1990), cuyos mejores temas son "Más de un millón" y "Tiempo para estar". Aunque, sin dudas, el gran impulso hacia la popularidad fue su hit "Hacelo por mí", cortina del programa homónimo de TV que conducía Mario Pergolini, hecho que incluso los lleva a firmar un gran contrato con una discográfica multinacional.

Dos funciones en Obras (noviembre de 1991) sirvieron para registrar un álbum en vivo, "Rabioso! La pesadilla recién comienza". Para fines ese año telonearon en Velez a Rata Blanca.

"Angeles caídos" fue grabado en medio de una gira nacional que abarcó 30 shows en 4 meses. Las letras mantienen la temática de los problemas cotidianos: la falta de trabajo, los jubilados... "queremos que sepan que, si bien ahora estamos teniendo éxito, no nos hemos vuelto insensibles ni nos olvidamos de dónde venimos". Luciano Scaglione reemplazó a Vera para antes de las presentaciones del disco en Obras.

El éxito dentro del reducido ambiente punk continuó con "Todo está al revés" (1994) y su presentación en Obras. En mayo telonearon a Motorhead en Velez.

En 1995 participaron del álbum "Fuck You", un homenaje a Sumo, interpretando el tema "Pinini Reggae" y hacia fin de año presentaron "Amén", su sexto disco. En él, el grupo abandona por momentos el punk-rock para incursionar en el reggae, en "Tres pájaros negros" y "Redemption song", de Bob Marley. «Ahora se nos abrió la cabeza -reconoce Scaglione- pero siempre fuimos fanáticos de Marley y en la sala de ensayo sacábamos cosas en ese estilo, pero no nos animábamos a tocarlas en vivo» (El Expreso Diario, 2/11/95). El '96 comenzó con una invitación para telonear a Ramones, en su despedida mundial, en el estadio de River.

En mayo y junio del '97 compartieron una gira con El Otro Yo por 23 ciudades del interior de Argentina. Festejaron la primera década de vida con dos shows en Cemento, para luego viajar a Estados Unidos a grabar "Un día perfecto", el noveno disco de la banda. La placa trabaja un poco mejor sobre los arreglos, las voces y los coros, destacados por ellos mismos como los más débiles del grupo.

En octubre participaron del show en homenaje a los veinte años de las Madres de Plaza de Mayo, junto a León Gieco, Divididos, Las Pelotas, La Renga, Los Piojos, Todos Tus Muertos, A.N.I.M.A.L., Actitud María Marta, entre otros.

La gira continuó por la Costa Atlántica en el verano del '98, otra vez el Interior y también algunos países de Latinoamérica. Regresaron a Estados Unidos para grabar "Otras canciones", lanzado en diciembre y consiguiendo vender más de 20.000 copias en diez días.

El video "No me arrepiento de este amor", un clásico de la bailantera Gilda en versión punk, llega a los primeros puestos en los canales musicales. En mayo del '99 van a Brasil por primera vez y luego de vuelta a España donde relizaron 12 shows.

El nuevo milenio los agarró en gira por la Costa, para luego viajar a España y producir la décima placa "Radio insomnio", mezclado en Estados Unidos. El 30 de septiembre presentaron el disco en Obras.

Los días 21 y 28 de abril del 2001 graban en Obras lo que sería "Trapos", el tan reclamado álbum en vivo. La escenografía fue confeccionada con más de cien banderas que mandaron los fanáticos del grupo. El corte difusión fue "Hacelo por mí".

Su presentación en el Festival Cosquín Rock 2002 fue un éxito, ante las 17.000 personas presentes, con Los Piojos, El Otro Yo y Divididos.

"Amateur" (2002) es un disco de "rarezas", con material recopilado, editado y masterizado en el estudio de BMG Argentina.

Una nueva gira por San Pablo, Curitiba, Recife, Rio de Janeiro y Belo Horizonte consolida su presencia en Brasil. Y luego más viajes: tres meses por Europa. Los días 18, 19 y 25 de octubre festejaron los 15 años de la banda con tres funciones en el Estadio Obras. Luego de la presentación y un video que repasó la historia del grupo con la voz en off de Marcelo Araujo, la banda fue tocando temas de sus diferentes discos, en algunos casos a solas y en otros acompañados de músicos invitados.

"Antihumano" es el décimo disco de estudio de Attaque 77, con invitados tan disímiles como Gustavo Cordera, Alfredo Casero, Mimi Maura o Juanchi Baleirón, entre otros. La producción estuvo a cargo de Mariano Martínez y el arte del disco es obra de Rocambole, el artista creador de la imagen de los Redonditos de Ricota.

El 2007 fue el año del vigésimo aniversario de la banda y la actividad fue intensa. "Karmagedon" salió a la calle en marzo, con el videoclip de "Buenos Aires en llamas", se presentaron en el Quilmes Rock y fueron nominado para los Premios Grammy Latinoamericanos, como mejor álbum.

Luego de muchos rumores, Ciro anunció su alejamiento de la banda en marzo de 2009, tras 21 años de carrera. Attaque continuó trabajando como trío: Martínez en guitarra y voz, Scaglione en bajo y voz y De Cecco en batería y coros

Discografía:

Dulce Navidad, 1989
El cielo puede esperar, 1990
Rabioso! La pesadilla recién comienza, 1991
89-92, 1992
Angeles caídos, 1992
Todo está al revés, 1994
Amén, 1995
Un día perfecto, 1997
Otras canciones, 1998
Radio insomnio, 2000
Trapos, 2001
Amateur, 2002
Antihumano, 2003
Obras cumbres, 2005
Pirotecnia autorizada (EP), 2006
Karmagedon, 2007

Formacion:

Leonardo De Cecco: batería
Luciano Scaglione: bajo
Mariano Martínez: guitarra y voz

Ex integrantes:

Demián Ciro Pertusi: guitarra y voz
Martín Tucán Bosa: teclados

Pagina: http://www.soydea77aque.com/
Fuente: Rock.com.ar

Lisa Germano

2009-10-16T09:35:00.001-03:00

Lisa Germano nacida el 27 de junio de 1958 es una cantante y compositora americana, multi-instrumentista que ha publicado siete álbumes caracterizados por su profundo estilo vocal, sus letras intimistas y el sonido de su inconfundible violín. En 1994, su álbum Geek the Girl recibió excelentes críticas, siendo incluso candidato al mejor álbum de los 90 por la revista musical Spin. También es conocida como artista invitada o músico de sesión por varios artistas como John Mellencamp, Simple Minds, David Bowie, Neil Finn, Sheryl Crow, Jewel y Eels en más de setenta discos.

Biografía

Lisa Ruth Germano nació en Mishawaka, Indiana, fue una de seis hermanos nacidos en el seno de una familia católica Italo-americana. Sus padres, profesores y músicos animaron a sus hijos a que desde edad temprana aprendieran a tocar algún instrumento musical. A los siete años compuso su primera pieza musical para piano, una ópera de 15 minutos. Más tarde aprendería a tocar el violín, un instrumento que finalmente la conduciría hacia su carrera profesional en el mundo musical.

Debutó profesionalmente como violinista en la banda de John Mellencamp, primero con una aparición en su primer álbum The Lonesome Jubilee, para más tarde empezar a trabajar e ir de gira juntos durante siete años. En esa época, las giras y las sesiones de grabación con Simple Minds e Indigo Girls motivaron a Germano a realizar sus propios proyectos.

En 1991 Germano publicó su primer álbum en solitario, el Lo-fi, On the Way Down From the Moon Palace en su propia discográfica, Major Bill Records. Al no conseguir una gran distribución y promoción, las ventas fueron bajas, pero el álbum ayudó a que la discográfica Capital Records se fijara en ella, con la que firmó un contrato en 1992. Su principal álbum, Happiness fue publicado en 1993, aunque justo antes de su publicación, y debido a una reorganización del personal de Capitol, sus principales benefactores se desvincularon de la discográfica. Al darse cuenta de que su álbum no iba a obtener el nivel de promoción que esperaba, Germano consiguió con éxito recuperar los derechos de autor de su álbum y más tarde, en ese mismo año, firmó un contrato con la discográfica británica independiente 4AD Records, quiénes en esa época tenían un acuerdo de producción y distribución con la Warner Bros Records en EEUU.

Pagina: http://www.lisagermano.com/